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Miguel Ángel Buonarro tti

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Page 1: Michelangelo Buonarrotti

Miguel Ángel

Buonarrotti

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Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564)

Escultor, pintor y arquitecto.

Autorretrato en la Capilla Sixtina

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Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Aunque la escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.

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BIOGRAFÍALa vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

Adoración de los Magos (1488). Ghirlandaio

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Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David.

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

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Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor.

Lorenzo de MediciVerrochio

Julio IIRafael

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi.

Sección de la cúpula de FlorenciaBrunelleschi

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En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.Murió el año 1564 en Roma, antes de ver acabada su obra, a la edad de ochenta y ocho años. Había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo testamento en presencia de su médico Federigo Donati, «dejando su alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los familiares más próximos».

Sepulcro de Miguel Ángel diseñado por Vasari en la Basilica de la Santa Croce de Florencia.

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Obras escultóricasAunque dejó notables obras arquitectónicas y pictóricas, él se consideró ante todo escultor.

El aspecto dominante en la obra escultórica de Miguel Ángel es el que sus coetáneos llamaron terribilitá, esto es, el intenso dramatismo de sus figuras, pletóricas de fuerza fisica y de fuerza espiritual. Serenas exteriormente, parecen agitadas por una infranqueable energía psíquica que no encuentra salida en la acción fisica; de ahí su dinamismo contenido.

A lo largo de su trayectoria artística se aprecian cambios muy significativos. El primer Miguel Ángel es un escultor plenamente renacentista, que busca ante todo la belleza, la perfección, y sus ideales artísticos son el equilibrio y la armonía tanto del cuerpo como del espíritu de las figuras.

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Dos obras de idéntica temática reflejan perfectamente este cambio de valores en el artista: La Piedad del Vaticano, obra juvenil (realizada el 1498-99), y la Piedad Rondanini (empezada hacia el 1555 y que quedó sin acabar al morir).

La Piedad del Vaticano, enmarcada en un esquema piramidal, es un conjunto delicado y suave, que transmite una sensación de armonía y calma; el rostro de la virgen como el cuerpo de Cristo está idealizados. El dolor de aquella es íntimo, evitando la tensión dramática; todo es serenidad, de cuerpo y de espíritu.

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Medio siglo después, en la Piedad Rondanini, Miguel Ángel busca ante todo la impresión patética, intenta expresar el dolor, no la belleza formal. Ha abandonado definitivamente la concepción clásica de la belleza:los cuerpos de la Virgen y de Cristo, alargados y delgados, presentan una posición inverosímil y distorsionada; las dos figuras se fusionan configurando un tronco único sin seguir ningún esquema compositivo. Además, frente al fino acabado de la primera, la Pietá Rondanini presenta una textura áspera, totalmente despreocupada de la perfección anatómica y de la belleza externa. El artista ha optado por el antinaturalismo para presentar la expresión de su idea: la unión espiritual, íntima, de la Madre con el Hijo.

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El David, de clara inspiración clásica, es otra obra de juventud; en ella, Miguel Ángel estudia la anatomía masculina de un joven que observa atentamente a su rival, preparando las fuerzas para el asalto. Es un ejemplo perfecto de la tensión contenida de las figuras de Miguel Ángel.

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El Mausoleo de Julio II, grandioso proyecto escultórico pensado para ser colocado bajo la cúpula de san Pedro del Vaticano, fue el gran fracaso de Miguel Ángel. Éste, que emprendió con gran ilusión la obra, vio como el ambicioso proyecto inicial quedó reducido a un sepulcro mural colocado en la iglesia romana de San Pietro in Vincoli.Una de sus piezas fundamentales, es el Moisés, máxima expresión de la terribilitá: la figura es grandiosa tanto espiritual como fisicamente: el rostro airado de Moisés refleja su cólera al ver como los suyos adoraban falsos ídolos. Para este mausoleo estaban destinadas también los famosos Esclavos, que Miguel Ángel dejara sin acabar, y que expresan como el alma humana, presa de la materia, lucha por liberarse. Tanto en los Esclavos como en el Moisés, está presente la influencia de Laocoonte, la escultura helenística descubierta en 1506 y que produjo un fuerte impacto en el arte de nuestro artista.

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Otra obra genial de Miguel Ángel es el Sepulcro de los Médici, ubicado en la capilla funeraria que éstos tenían en la iglesia de San Lorenzo de Firenze: allí realizó los mausoleos de Guiliano y de Lorenzo de Médici; las figuras sepulcrales de los dos se nos ofrecen sentadas: el primero, con presencia de general romano, representa al hombre de acción; el segundo, en actitud pensativa (il pensiero) expresa el temperamento contrario. Apoyadas sobre las urnas funerarias aparecen cuatro figuras desnudas; los cuatro momentos principales del día: la tarde (el anciano decrépito de carnes flácidas), la noche (figura femenina pletórica de fuerza), la aurora (mujer desperezándose) y el día (joven lleno de vigor). En estas figuras -símbolo del poder destructor del tiempo- se impone el Manierismo: no descansan serenas, ya que su posición es inestable, resbaladiza, y están marcadas por la tensión y la tragedia. 

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Obras arquitectónicasEn 1546, Miguel Angel se hace cargo de la Basilica de San Pedro de Roma. Transforma el proyecto de Bramante suprimiendo el anillo con columnas de la cúpulas y las torres, lo que hace que la cúpula sea el elemento más expresivo de la construcción. Es una cúpula pesada y maciza pero esbelta, levantada sobre un robusto tambor decorado con columnas, ventanas y guirnaldas como si se tratara de la fachada de un edificio. Son gigantescas pilastras pareadas entre las que se abren las ventanas cubiertas con frontones alternandos triangulares y curvos. Esta será y es la cúpula por excelencia, de referencia para posteriores artistas.

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Miguel Angel nos traslada hacia el Barroco en la Escalera de la Biblioteca Laurenciana (1559). Utiliza las ilusiones y los engaños que serán característicos del estilo posterior en este espacio. La puerta de acceso es pequeña, así como el espacio. Miguel Angel la monumentaliza al añadirle grandes peldaños abiertos en abanico, lo que hace ópticamente más grande la entrada, toda ello teatralizado por sus pilastras apoyadas sobre ménsulas curvas.

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Como arquitecto, y en sus últimos años, Miguel Angel realiza la ordenación de la Plaza del Capitolio, centrada por la estatua de Marco Aurelio, de planta oval, adaptada a la forma de la colina, y creando una fácil comunicación con el resto de la ciudad.La decoración de la planta semeja un cielo estrellado, reforzando la idea de Roma como centro del mundo.Es una plaza dinámica reforzada por la planta cerrada del óvalo y el trapecio abierto formado por el palacio del Senado, el palacio Capitolio y el palacio de los Conservadores, todos ellos con la utilización de un tamaño colosal de pilastras.

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Miguel Angel como pintor

Desde muy joven Miguel Ángel mostró su habilidad pictórica; a los trece años ya estaba trabajando en los talleres de Ghirlandario.

Para él la pintura era un arte secundario con respecto a la escultura, por esta razón en su pintura domina el volumen. Sus figuras humanas participan de valores escultóricos: volúmenes, distorsiones violentas de la anatomía, musculosos, y figuras con movimiento tenso. Deja en un segundo plano, o incluso omite, el paisaje, el fondo o la perspectiva.

El protagonista es el hombre, con un cuerpo colosal y monumental.

Se creyó que Miguel Ángel había concedido poca importancia al color, pero tras la limpieza a la que se ha sometido su obra, se ha descubierto que fue un gran colorista y que usaba colores claros y brillantes.

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En 1508, Julio II encargó a Miguel Ángel la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, lo cual contrarió bastante a Miguel Ángel.

De 1508 a 1512, Miguel Ángel pintó la bóveda, respetando la obra de los pintores anteriores.

Es una bóveda de cañón muy rebajada, pero con sus trazos pictóricos, consiguió crear la sensación de que era más peraltada.

Miguel Ángel organizó la bóveda según el sistema de quadratura. Arquitectura, pintura y escultura se sintetizan según la teoría de Miguel Ángel.

Miguel Ángel representó toda la historia de la humanidad, según el cristianismo. También decoró con sibilas y profetas; las sibilas eran mujeres, pitonisas, capaces de comunicarse con el más allá y hacer profecías. Sibilas y profetas, tanto en el mundo clásico como en el Antiguo Testamento, habían profetizado la venida de Cristo.

Miguel Ángel representó toda la grandeza de la Creación, bajo el impulso titánico de Dios Creador, Principio Motor, lleno de fuerza y vigor.

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Representaciones:

Creación de Adán: Sentido del volumen. Le preocupó el cuerpo humano y no la perspectiva.

Expulsión: El hombre titán creado por Dios se convierte en un ser atormentado.

Sibila Délfica: Gran desarrollo muscular, casi como de hombre.

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“EL JUICIO FINAL”.- En 1534 Miguel Ángel regresa a la Capilla Sixtina. El mundo occidental estaba sufriendo los avatares de la Reforma. Esta circunstancia hace más sombría esta obra. La humanidad, tanto la salvada como la condenada, se apiña en apretujados grupos que piden misericordia a un Dios airado.

Son más de cuatrocientas figuras organizadas rompiendo con los cánones renacentistas de perspectiva. Representa el Destino Trágico , organizado por su Ser Dominante.

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En la parte más alta, los ángeles con los símbolos de la Pasión: columna, cruz, corona de espinas…

A la derecha de Jesús se encuentra la Virgen María, y a la izquierda San Juan, ambos intercediendo por el alma de los difuntos.

También aparece un Dios con aspecto terrible y justiciero.

En el centro de la obra, Ángeles trompeteros. En la parte inferior, el mundo del Hades, la condenación. No siguió ninguna composición clásica, sino racimos de figuras que ascienden o se precipitan al abismo. Destacan las torsiones violentas y giros.