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INTRUMENTOS MUSICALES OLGA NATHALIA CORTES CAICEDO 1

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Page 1: Intrumentos Musicales

INTRUMENTOS MUSICALES

OLGA NATHALIA CORTES CAICEDO

I.E.M MARIA GORETTI

PASTO

2012

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Page 2: Intrumentos Musicales

CONTENIDO

Este trabajo contiene una información más amplia acerca de nuestros productos e intereses, amplia información acerca de la calidad de instrumentos que ofrecemos a nuestros compradores, también cuenta con una entrevista exclusiva del famoso músico Francisco Ainosa Samperiz que habla de sus experiencias y motiva a las personas para que sigan el camino de la música comprando un instrumentó sin importar cual sea y empezando el hermoso camino de que solo la música puede brindaros

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1. LISTA DE FIGURAS

Figura 1 fender

Figura 2 yamaha

Figura 3 gibson

Figura 4 tama

Figura 5 guitarras

Figura 6 batería

Figura 7 bajo eléctrico

Figura 8 piano

Figura 9 Francisco Ainosa Samperiz

Figura 10 Francisco Ainosa Samperiz

Figura 11 Francisco Ainosa Samperiz

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2. LISTA DE ANEXOS

ANEXO A. ENTREVISTA A FRANCISCO AINOZA SAMPERIZ

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3. INSTRUMENTOS MUSICALES

3.1 QUIENES SON:

Son la primera empresa colombiana especializada en la comercialización de instrumentos musicales, fundada en 1978 es la primera empresa colombiana líder en el mercado de distribución y venta de instrumentos musicales en las marcas más reconocidas en el merado mundial, el profesionalismo, trabajo en equipo, talento y excelencia en el manejo del mercado, ha hecho que esta organización sea reconocida nacional e internacionalmente como las más grande del país, posee tiendas comerciales en las principales ciudades con personal especializado el cual siempre está dispuesto a atender a nuestros clientes.

Por su trayectoria Black mouse, se ha hecho sentir nacional e internacionalmente presentando las marcas de gran importancia y prestigio como Steinway, Hohner, Tama, Ibanez, Takamine, Emieball, Kurzweil, Smick, Ovation, Kustion, Samick, Yamaha, entre otras.

Figura 1. Fender figura 2. yamaha

Figura 3. Ginson figura 4. Tama

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Black mouse también cuenta con amplias locaciones en todo el país para facilitarle al comprador la llegada a sus tiendas y poderle brindar el más amable servicio

Bogotá – chapinero

Carrera 7# 14-15

Tel: 7989898

Cali- centrocarrera 65# 38-35

Tel: 75829294

Popayán- occidente

Carrera 8# 67-56

Tel: 83492875

Medellín- junina

Carrera 6#85-26

Tel: 91038563

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4. INSTRUMETOS MUSICALES

4.1 LA GUITARRA

La guitarra ha sufrido variaciones en su forma a lo largo de los siglos. Además del número de cuerdas, las variaciones del instrumento han surgido para adaptarlo a las necesidades del intérprete hasta adoptar la forma actual. Este instrumento está fabricado con prácticamente en su totalidad y los tipos empleados principalmente en su fabricación son las de palo santo de la India y otros, abeto, cedro de Canadá, pino, ciprés y ébano, en función del tipo de guitarra (clásica o flamenca).1

Básicamente, la guitarra está compuesta por la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón, los trastes, las cuerdas y el clavijero. Algunas guitarras poseen más de un diapasón (hasta un máximo conocido de 6 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.1

Tras ser encolados todos los elementos que forman la caja de resonancia, se une con el mango y se incluyen refuerzos en el contorno de las dos tapas, en el centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros. Posteriormente se adhiere el diapasón. Entre el mástil y el clavijero se coloca la cejilla que sirve para apoyar y separar las cuerdas. La cejilla habitualmente es de marfil, hueso, plástico o incluso metálica, en función de la calidad del instrumento.

Una vez todos los elementos que forman la guitarra han sido unidos, se procede a su barnizado. Existen dos formas de llevar a cabo este proceso, una más costosa y trabajosa que consiste en barnizar el instrumento a mano con goma laca; y la otra que es barnizar con una pistola a base de poliuretano que seca rápidamente. El inconveniente de este último método es que el barniz forma una placa sobre la caja de resonancia que le resta sonido al instrumento.

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Figura 5. Guitarras

4.2LA BATERIA

La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platos, y otros accesorios (tales como cencerro, panderetas, bloques de madera, entre otros). La batería se puede afinar con una llave de afinación y un sistema de capachos o lujos y pernos de afinación que tensan el parche Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.

4.2.1 PIEZAS DE UNA BATERIA

Bombo: usualmente tiene un diámetro desde 18” hasta 26”, y una profundidad de entre 14” y 22” aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que, comúnmente se conectan por medio de un sistema cardanico que activa la segunda maza,

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aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talón y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la interpretación

Caja, tarola o redoblante: suele tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función es marcar los compases, lo que no impide que

se use libremente logrando cambios en la marcha y/o contratiempos.

Tom toms o toms: desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales muchas veces los toms van sobre los pedestales de los platillos.

Tom base o tom de piso (goliat): desde 14” hasta 20” pulgadas de diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un pedestal de platillo.

La batería se toca con baquetas o con escobillas. Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio [ahead]), grosor, longitud, tipo y material de punta (de madera o de nylon, en forma de nuez u ovalada) y peso para tocar con mayor o menor rapidez, con mayor o menor intensidad, o con diferentes tonos en el caso de usar baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista.

Otros instrumentos que pueden ir en la batería son, entre otros:

cencerros pandereta cortinas

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bongós conga caja china octoban

La manera de tocar la batería ha ido evolucionando con el tiempo, dado a que las necesidades de los bateristas cambian, y aunado a eso, la manera de encontrar sonidos diversos con sólo tomar las clásicas baquetas, es aquí, en donde inicia este interesante apartado.

Figura 6. Bateria

4.3 EL BAJO ELECTRICO

El bajo eléctrico, también llamado sencillamente bajo, es un instrumento

musical de la familia de los cordófonos, similar en apariencia y

construcción a la guitarra eléctrica, pero con un cuerpo de mayores

dimensiones, un mástil de mayor longitud y escala y, normalmente, cuatro

cuerdas afinadas según la afinación estándar del contrabajo.

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Con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas adicionales en

el pentagrama, el bajo eléctrico ―al igual que el contrabajo― suena

una octavamás grave que las notas representadas en notación musical.

Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a

un amplificadorpara emitir sonidos. Desde los años cincuenta, el bajo

eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música

popular como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de

las líneas de bajo. Aunque estas varían notablemente en función del estilo

de música, el bajista cumple una función similar con independencia del

estilo de que se trate: establecer el marco armónico y marcar el tiempo o

«pulso rítmico».El bajo eléctrico se usa como instrumento de

acompañamiento o como instrumento solista en prácticamente todos los

estilos demúsica popular del mundo, incluyendo el blues, el flamenco,

el jazz, el punk, el reggae y el rock.

Figura 7. Bajo eléctrico

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4.5 EL PIANO

El funcionamiento básico del mecanismo de un piano es el siguiente: cuando una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se eleva y el macillo asociado a ella se pone en movimiento en dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido éste cae hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia aproximada de 2 centímetros. Al levantar la tecla, ésta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la presión por completo, todo el sistema vuelve a su estado inicial de reposo en el que el apagador tiene la misión primordial de interrumpir el sonido.

La tabla armónica está compuesta por la tabla propiamente dicha, las

barras armónicas, los puentes de sonido y los barrajes. La tabla armónica

se sitúa debajo y detrás de las cuerdas del piano. Es una superficie

de madera laminada que varía de espesor, desde el centro a los lados, a lo

largo de su superficie. Puede ir de los 12 a los 15 milímetros dependiendo

de la medida del instrumento y el criterio del fabricante. La tabla está

formada por una serie de listones de entre 10 y 15 centímetros de

anchura unidos entre sí mediante cola. Es el auténtico elemento

de resonancia del instrumento y su función es amplificar el sonido

producido por las cuerdas, que a su vez es transmitido a las mismas a

través del puente tonal.

La calidad y homogeneidad de la madera con la que está fabricada la tabla

armónica es de suma importancia. En un piano de cola moderno, suele estar construida generalmente en madera de abeto y tiene un espesor de 8 milímetros, el doble de la de un pianoforte. Se usa la madera del abeto para la fabricación de la tabla armónica del

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piano y de otros instrumentos porque tiene el mejor coeficiente entre resistencia mecánica, que permite soportar la enorme presión de las

cuerdas, y ligereza, que favorece la captación de las vibraciones más

sutiles de las cuerdas. La tabla armónica tiene una ligera curvatura de

unos 18 metros de radio, difícilmente apreciable a primera vista, que

contribuye a que la tabla resista la presión de las cuerdas y al mismo

tiempo se incremente considerablemente la resonancia del instrumento.

Las barras armónicas son un conjunto de listones que están fabricados con

el mismo material que la tabla armónica, generalmente abeto, que están

unidos a la tabla mediante cola por debajo de la misma. Su encolado es en

sentido perpendicular a la veta de la tabla para hacer uniforme la rigidez

del conjunto. La cantidad de barras armónicas varía entre 8 y 14, en

función de la medida del instrumento, y sus dimensiones son de dos

centímetros de alto por dos de largo aproximadamente. Las barras más

largas se encuentran situadas en el centro de la tabla y tienen un grosor

mayor, mientras que las más cortas se sitúan en los extremos y son más

delgadas.

Los puentes de sonido van encolados en el centro de la tabla y en la parte

superior de la misma. Sirven para transmitir la vibración de las cuerdas a la

tabla armónica. Su forma es debida a la disposición de las cuerdas sobre

ella y a que es necesario que la longitud de éstas se incremente desde las

notas más agudas a las más graves.

Los barrajes son la estructura básica del piano y su finalidad es la de

soportar todos sus elementos. Se sitúan debajo de la tabla armónica, a la

que van adheridos mediante cola. De ellos dependen tanto la solidez

como la duración en el tiempo del instrumento y aportan estabilidad

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frente a posibles cambios climáticos, tensiones internas, agresiones

externas o cualquier otro tipo de deformación.

Prácticamente todos los pianos modernos tienen 88 teclas, 36 negras y 52 blancas. El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían poco más de 61 teclas (hasta cinco octavas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde1870 tenían 88 teclas.

Figura 8. piano

6. ENTREVISTA A FRANCISCO AINOZA SAMPERIZ

Licenciado en Música, especialidad de Viola, por la Escola Superior de Música de Catalunya. Ha sido miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid y de la Joven Orquesta Nacional de España, entre otras.

Actualmente es miembro de la Orquesta de Cámara Isla de Menorca y de la Fundación Magistralía. Ha colaborado con la Orquesta Nacional de España, la Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, Camerata de la Escuela Superior de Música Creativa de Madrid, etc.

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En el presente realiza un postgrado en la Royal Akademie of Music de Aahrus, Dinamarca, con el Profesor Emile Cantor, y colabora con la Aarhus Symphony Orchestra.

Francisco es un músico con letras mayúsculas de los muchos que permanecen en el anonimato, fuera de los focos de la popularidad, y cuyo gran mérito radica en su amor a la Música y su trabajo duro a solas con su instrumento: la viola.

Francisco conversa con Tomajazz acerca de sus impresiones sobre la música de hoy. De siempre.

Figura 9. Francisco Ainosa Samperiz Anexo A. entrevista a Francisco Ainosa Samperiz

6.1 ENRIQUE FARELO: ¿A qué edad te interesas por la música y quién te inició?

6.2 FRANCISCO AINOZA: Mi madre fue la que me inició en el mundo de la música cuando tenía 9 años. Por entonces yo cantaba con la Escolanía Ntra. Sra. Del Recuerdo y el director de la escolanía le propuso a mi madre una educación musical. Por entonces yo acataba las decisiones que venían de “arriba”, pero una vez que fui descubriendo el placer de tocar con más gente, mi decisión era cada vez más firme a seguir por este camino.

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6.3 ENRIQUE FARELO: ¿Dónde comienzas a cursar tus estudios y cómo los alternabas con los escolares?

6.4 FRANCISCO AINOZA: Hasta que entré en el Conservatorio Superior de Salamanca estudié siempre en el Conservatorio Profesional “Joaquín Turina” de Madrid. Fue una época dura porque iba al colegio por la mañana, para más tarde ir directamente al conservatorio. Casi no había tiempo de estudiar, pero poco a poco pude conseguir sacarlo todo adelante.

6.5 ENRIQUE FARELO: ¿Por qué te decides por la viola? ¿También tocas el violín?

6.6 FRANCISCO AINOZA: Como dije fue mi madre quien me matriculó en la especialidad de viola. Le aconsejaron este instrumento porque siempre había plazas libres y resultaría sencillo poder entrar en el conservatorio. Además mi madre pensó en un posible futuro profesional, y la viola parecía que me podía ofrecer más oportunidades que el violín o el piano, que son siempre más populares. El violín nunca lo he estudiado, aunque de vez en cuando cojo alguno de mis compañeros para probar, puesto que la técnica es prácticamente la misma.

6.7 ENRIQUE FARELO: ¿Qué obras y que músicos marcan tu infancia? ¿Cuáles son tus compositores favoritos?

6.8 FRANCISCO AINOZA: Sobre todo Vivaldi, Händel, Mozart y Bach. Son compositores importantes para la enseñanza de un instrumentista porque te aportan conocimiento técnico y musical. Desde luego que no sabría decir cuál es mi favorito; Beethoven y Mahler entran también entre mis preferidos.

6.9 ENRIQUE FARELO: ¿Cuántas horas dedicabas en tus comienzos y cuántas en la actualidad a ensayar con el instrumento?

6.10 FRANCISCO AINOZA: Sinceramente, en mis comienzos no mucho. Era un poco vago y me saturaban tantas horas de clase en el colegio y el conservatorio. Ahora desde luego estudio mucho más. Empiezo cada día con

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dos horas de técnica y, para continuar entre dos y tres horas más, para las

obras que necesito ensayar para un concierto, un ensayo de orquesta etc.

Figura 10. Francisco Ainosa Samperiz

6.11 ENRIQUE FARELO: ¿Cómo son los ensayos con una orquesta sinfónica?

6.12 FRANCISCO AINOZA: Para mí siempre han sido como cuando un niño se acuesta en la cama la Noche de Reyes y ansía el momento de abrir los regalos. Cada vez que viene un programa nuevo con la orquesta siempre tengo muchas ganas de ensayar. Se suele trabajar siempre con el mismo director, el titular, y se lleva un ritmo y modo de trabajo que todo el mundo ya conoce. Otras veces se invita a un director distinto, y la orquesta tiene que adaptarse a un nuevo estilo y un punto de vista distinto de la música. Esto siempre es importante y hace crecer a una orquesta. Hay que tener en cuenta que una orquesta profesional tiene entre 3 y 4 días como máximo para montar un programa, y que en muchas ocasiones son programas difíciles, de manera que el trabajo siempre tiende a ser lo más práctico posible para que el día del concierto todo

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salga perfecto. Por otra parte la orquesta es un organismo potencialmente “democrático”, ya que, para que todos podamos tocar juntos y coordinadamente, cada uno debe ser responsable de escuchar a los demás en cada momento, para poder integrar adecuadamente su parte con la del resto de la orquesta.

6.13 ENRIQUE FARELO: Existen poses ortodoxas para tocar los instrumentos. Hay músicos que no practican dicha ortodoxia y sin embargo interpretan como virtuosos. ¿Pueden ser considerados como tales?

6.14 FRANCISCO AINOZA: Yo no lo llamaría ortodoxo, aunque sí puede resultar en algún caso poco natural. Para mí un virtuoso es una persona que ha conseguido encontrar una técnica solvente para con él y la música que interpreta. Como me decía mi profesor: “como si quieres tocar haciendo el pino y tocándote la nariz con el pie, pero toca”.

En los conservatorios se enseña a tocar de la manera más natural y cómoda posible ya que para el cuerpo resulta fatigoso tocar muchas horas, pero al final lo que importa es la música y cómo suena.

6.15 ENRIQUE FARELO: ¿Un músico es un compositor y ejecutante? ¿Un compositor o un ejecutante?

6.16 FRANCISCO AINOZA: Depende del contexto en el que se encuentre. Un músico de orquesta, en la mayoría de las situaciones durante un concierto, es más bien un ejecutante que lleva a la práctica instrumental las ideas musicales del director, que es el intérprete. Si hace música de cámara yo soy el intérprete y el ejecutante, pero nunca el compositor. La obra ya está compuesta y el músico es el enlace entre el compositor, su obra, y el público. Hay un libro muy interesante que habla sobre esto que recomiendo a todo músico: El alma de Hegel y las vacas de Wisconsin, de Alessandro Baricco.

6.17 ENRIQUE FARELO: ¿Qué porcentaje consideras que acude a los conciertos de música clásica por verdadera afición y c-uál por esnobismo?

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6.18 FRANCISCO AINOZA: Nunca se puede llegar a saber, prefiero pensar que hay gente que le interesa de verdad un concierto y que va con mente y oídos abiertos, dispuestos a aprender y a disfrutar. Siempre ves a alguno que se las da de listillo, pero es lo que hay. La música es de todos y no es de nadie.

6.19 ENRIQUE FARELO: El jazz, el folk, la clásica o el rock progresivo son estilos que no tienen la aceptación de los jóvenes, que prefieren el pop-rock, el dance o la música latina. ¿A qué crees que es debido?

6.20 FRANCISCO AINOZA: Yo creo que esto no es correcto. Conozco mucha gente joven que se interesa por el jazz, por el blues, el folk, las músicas tradicionales, la clásica... Es muy relativo hablar de música buena y mala, pero sí que es verdad, que hay una parte de la sociedad que sólo escucha música con fines comerciales, perdiéndose otras muchas de buena calidad. Es un tema complicado, pero creo que internet tendrá mucho que decir en esto en el futuro.

Figura 11. Francisco Ainosa Samperiz

6.21 ENRIQUE FARELO: ¿El jazz, el rock progresivo, el folk, el flamenco y otros estilos se les puede considerar Arte?

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6.22FRANCISCO AINOZA: La música es arte. Toda música es arte, siempre y cuando comunique sentimientos y afectos humanos, que de otra manera no podrían expresarse, sea en el estilo que sea.

6.23 ENRIQUE FARELO: ¿Qué obras y que músicos destacarías al margen de la música clásica?

6.24 FRANCISCO AINOZA: Bob Dylan, Freddie Mercury, John Lennon, Camarón, Joaquín Sabina... ¡diría tantos!

6.25 ENRIQUE FARELO: Por cierto, ya que hablamos de otras músicas, ¿qué opinas de programas como Operación triunfo?

6.26 FRANCISCO AINOZA: Que enriquecen bolsillos, y no cerebros.

6.27 ENRIQUE FARELO: El mundo discográfico parece haber entrado en una profunda crisis. ¿Cómo afecta esto a un músico clásico, si es que le afecta?

6.28 FRANCISCO AINOZA: Hasta ahora he participado en algunas grabaciones, pero no creo que nos afecte tanto como a otros. El músico clásico no vive esencialmente de los discos que pueda vender, sino de sus conciertos, de sus participaciones en orquestas, de su actividad docente...

6.29 ENRIQUE FARELO: En la música clásica es inusual la utilización de instrumentos eléctricos, sin embargo en otros estilos es normal su inclusión e incluso su combinación con los acústicos. ¿Quien domina un instrumento acústico domina con cierta facilidad el eléctrico? ¿Cuál es tu opinión?

6.30 FRANCISCO AINOZA: Las cualidades del sonido son totalmente diferentes y se ha de saber qué diferencias hay para llevar esto a la práctica. Yo podría tomar una viola o un violín eléctrico y tocarlo, pero tendría que descubrir qué posibilidades me ofrece.

6.31 ENRIQUE FARELO: Músicos como John Williams, Maurice André, Yo-Yo Ma, Yehudi Menuhin o Jean-Pierre Rampal han colaborado con músicos de jazz o viceversa, Keith Jarrett, Wynton Marsalis o Mark Feldman han

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grabado o graban obras de compositores clásicos. ¿Qué podrías comentarnos al respecto?

6.32 FRANCISCO AINOZA: Me parece lo más natural para un músico el evolucionar con otras músicas diferentes. Al final un buen músico es un músico completo, el que te puede ofrecer clásico, y al cabo de un rato un standard de jazz, o flamenco. Yo estoy decidido a aprender flamenco, empezando por el cajón que me fascina, y me podría morir muy tranquilo si consigo hacer un poco de jazz algún día.

6.33 ENRIQUE FARELO: Si hoy día un músico compusiera como Vivaldi, –pongamos por caso–, ¿sería considerado un artista o un artesano?

6.34 FRANCISCO AINOZA: Nadie compone como nadie. Si alguien se propusiera imitar un estilo no creo que llegase muy lejos.

6.35 ENRIQUE FARELO: ¿La música cuanto más compleja es más música, está más cercana al Arte que otras más sencillas? ¿El término música culta es solo atribuible a la clásica?

6.36 FRANCISCO AINOZA: Eso es un tópico erróneo que se tiene sobre la música clásica. Mozart es sencillez, y es perfecto. A día de hoy se componen cosas muy complejas, algunas son verdaderas obras de arte y la gran mayoría no valen para nada. ¿Música culta? Si con lo de “culta” te refieres a culturalizar, pues para mí todas las músicas son cultas.

6.37 ENRIQUE FARELO: ¿Qué ha significado el fallecimiento de Rostropovich para el mundo de la música clásica? ¿Se le puede considerar un genio? o ¿los genios no se hacen, sino que nacen?

6.38 FRANCISCO AINOZA: Hombre, pues un golpe duro, porque era un músico increíble que nunca dejó de tocar su violonchelo y que nos hacía felices a muchos. No sé qué es un genio en los tiempos de ahora, pero desde luego que para muchos fue una persona muy importante.

6.39 ENRIQUE FARELO: ¿Qué obras te gustaría interpretar y con qué orquestas y directores?

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6.40 FRANCISCO AINOZA: A ser posible todas, pero ando detrás de poder tocar todas las Sinfonías de Mahler. Me encantaría tocar con la Orquesta del Festival de Lucerne, pero entonces no sonaría tan bien, así que mejor dejarla como está. Y por supuesto, pagaría por tocar bajo la dirección de Claudio Abbado

6.41 ENRIQUE FARELO: Y por último ¿Cuáles son tus proyectos de cara a un futuro?

6.42 FRANCISCO AINOZA: De momento terminar mi postgrado. Opositar en España para profesor e intentar entrar en una orquesta de manera definitiva. Crear un cuarteto, aprender flamenco... ¡Son tantas cosas!

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