27 SET - 28 NOVwww.EXPERIMENTADESIGN.PT

USELESS

3

EXD

USELESS

MAPA MAP

SEMANA INAUGURAL OPENING wEEK

CONFERÊNCIAS E DEBATES LECTURES AND DEBATES

CONFERÊNCIAS DE LISBOA LISBON LECTURES

OPEN TALKS

EXPOSIÇÕES EXHIBITIONS

SIDELINES

UTILITAS INTERRUPTA

USELESS?

FERNANDO BRÍZIO

INTERVENÇÕES URBANAS URBAN INTERVENTIONS

REDUNDÂNCIA

LOUNGING SPACE

CICLOS CYCLES

CICLO DE CINEMA FILM CYCLE

PUBLICAÇÕES PUBLICATIONS

SEM USO USELESS

PROJECTOS ESPECIAIS SPECIAL PROJECTS

ACTION FOR AGE

SIMPÓSIO DE ECONOMIA CRIATIVA

CREATIVE ECONOMY SYMPOSIUM

RETRO/FUTURE

MORTE AO DESIGN! VIVA O DESIGN!

COMUNIDADE CRIATIVA CREATIVE COMMUNITY

SERVIÇO EDUCATIVO EDUCATION SERVICE

TANGENCIAIS TANGENTS

ESPAÇOS VENUES

2

3

4

8

—

11

21

—

39

43

49

55

—

59

65

—

69

—

71

—

73

77

79

83

—

87

91

—

112

5

EXD

Bienal internacional dedicada ao design, arquitectura e criatividade, a EXD posiciona-se como uma plataforma dinâmica e arrojada que promove a cultura contemporânea através da discussão e da reflexão. Age como pólo difusor de talentos e experimentação disciplinar em todo o espectro criativo, apresentando projectos e conceitos originais em diferentes formatos, desde exposições a intervenções urbanas, workshops e conferências. Privilegiando ideias e indivídu os, o programa da Bienal tem por objectivo transmitir conteúdo e incentivo tanto a uma audiência especializada como ao público em geral, disseminando informação e estimulando o debate crítico. A edição de 2009 galvanizou uma audiência de 150.000 visitantes, num programa composto por 29 eventos nucleareas que durou 61 dias.Realizando-se em Lisboa desde 1999, a Bienal envolve uma rede mundial de agentes dos mais diversos sectores, promovendo a inovação e a cultura de projecto enquanto vectores de desenvolvimento sustentável a todos os níveis. Após uma estreia em Amesterdão em 2008, a EXD tem vindo a preparar terreno para novas incursões da Bienal fora de portas, em países de reconhecida dinâmica criativa e afinidades disciplinares com o universo da Bienal. Fortemente empenhada na construção de um legado material e imaterial que constitua uma mais-valia para indivíduos e instituições, a EXD assume o design como ferramenta operativa para uma intervenção e mediação transformadoras da contemporaneidade.

EXD is an international Biennale dedicated to design, architecture and creativity; a forward-thinking platform that cultivates and analyses contemporary culture through discussion and reflection. It is a springboard for up-and-coming talent and experimentation in different formats, from exhibitions to urban interventions, debates and lectures. Focusing on people and ideas, the Biennale’s programme is designed to provide insight and incentive to both a specialized audience and the public at large, disseminating information and provoking debate. The 2009 edition of the Biennale drew an engaged audience of 150.000 visitors, with 29 events during a total of 61 days.Taking place in Lisbon since the first edition in 1999, EXD engages a worldwide network of agents in various fields, promoting innovation and design culture as driving forces for sustainable development at all levels. Following a début in Amsterdam in 2008, EXD has been laying the foundations for new ventures outside Portugal, in countries with recognized creative drive and disciplinary affinities with the Biennale’s universe. Strongly committed the creation of a legacy that will positively impact individuals and institutions, EXD promotes design as an active tool for positive intervention and mediation across society.

USELESS

O tema da 6ª edição da Bienal propõe um questionamento aprofundado dos conceitos de utilidade e “sem uso”. Numa sociedade obcecada com a prossecução de metas tangíveis e o acumular de objectos, a ausência de utilidade ou propósito parece ser hoje o equivalente secular do pecado. Se transitarmos para a esfera do design, a questão torna-se ainda mais complexa e falar de design inútil resulta num oxímoro. O design deve responder a uma necessidade, solucionar um problema. Mas quantos dos objectos e projectos que nos rodeiam cumprem, efectivamente, o que prometem? Serão todos eles um desperdício de tempo e recursos? Muitos sê-lo-ão certamente, mas outros são tão necessários quanto o sono, esse tempo ocioso preenchido de sonhos.O programa da EXD’11 examina a ideia – e juízo de valor subjacente – de inútil ou sem uso de diferentes perspectivas: questiona os paradigmas da produção industrial, a inevitabilidade do consumo e as decorrentes problemáticas do desperdício e sustentabilidade; foca o equilíbrio precário entre percepções objectivas e subjectivas de “valor”, atribuídas a objectos, instituições, interacções e legados imateriais; e no plano criativo, traça um perfil do potencial insuspeito – mas avassalador – de experiências, tentativas falhadas e descobertas surpreendentes para as quais não foi, aparentemente, encontrada uma finalidade. A EXD’11 desafia o nosso (pre)conceito de inutilidade – tal como a beleza, está nos olhos de quem vê; tal como o prazer puro, é desinteressada. A par de problemáticas concretas, o tema Useless inspira uma reflexão simbólica sobre a importância de dimensões como a beleza, o sonho e a invenção.

The theme of the 6th edition of EXD launches an exploratory analysis on the idea of use and its absence. In a society increasingly obsessed with the achievement of tangible goals and material possessions, the absence of use or purpose seems nowadays to be the secular equivalent of sin. If we move to the sphere of design, this notion grows more complex as useless design poses an oxymoron. Design should answer a need, solve a problem. But if we look around us, how many designs don’t actually live up to their promise? Are they all wasteful? Many are no doubt, but some are as necessary as sleep is: idle time filled with dreams.The programme of EXD’11 surveys the idea – and the attached value judgment – of useless from different angles: it questions the paradigms of industrial production, the inevitability of consumption and underlying issues of waste and sustainability; it examines the perilous balance between objective and subjective perceptions of “worth” and “value” attached to objects but also institutions, interactions and immaterial legacies and, from a creative perspective, it outlines the hidden yet overwhelming potential of experiments, “dead-end” or “failed” trials and perplexing finds for which no use has yet been found. EXD’11 proposes a thorough reappraisal of useless: like beauty, is in the eye of the beholder, like pure pleasure, it is disinterested. It can lead us to debate tangible concerns or, alternatively inspire a symbolic reflection on the significance of such illusive elements as beauty, dream and invention.

USELESS

© R

OD

RIG

O P

EIX

OT

O

9

SEMANA INAUGURAL OPENING wEEK28 SET

QUA wED29 SETQUI THU

16:00 – 17:00conferênciasde Lisboa Lisbon LecturesManuel Clemente (PT)Cinema São Jorge

19:00fernando brízio:desenho habitadoinhabited designsExposição Exhibition Antigo Convento da Trindade

22:30

Lounging spaceInauguração OpeningAntigo Tribunal da Boa-Hora

com with

sem-usouseLessLançamento do livro Book launchGuta Moura Guedes, Paulo Teixeira Pinto, Max Bruinsma, Frederico Duarte, Ian Anderson

retro/futureExposição Exhibition

tangenciaistangents

11:00 – 13:00

OPEN TALKS:

FLUXOS DE INFORMAÇãO INFORMATION EXCHANGEZoë Ryan (GB)Aaron Cope (CA) Joost Grootens (NL) Mischler’Traxler (AT)Lounging Space

15:00 – 17:00

CONFERÊNCIASDE LISBOALISBON LECTURESHeather Shaw (US)Marcel Wanders (NL)Cinema São Jorge

18:00

REDUNDÂNCIAIntervenções Urbanas Urban InterventionsPraça da Figueira

21:30

SIDELINESExposição Exhibition

Museu Geológico, Museu da FarmáciaBiblioteca Municipal Camões, Museu de São Roque, Museu do Teatro Romano, Museu das Artes Decorativas Portuguesas – FRESS

23:00FROM A TO C-MIGUEL VIEIRA BAPTISTALoja da Atalaia

00:00LUX FRáGIL EXD’11*

FESTA PARTY Dezperados by Desperados

Mário Valente, Peaches (DJ Set)Dezperados, SwichSt (d)ance

Henriq

DJ SETDURo

30 SETSEX FRI

1 OUTSáB SAT

2 OUTDOM SUN

11:00 – 13:00

OPEN TALKS:

DESIGN IT YOURSELFDO IT YOURSELF DESIGNHans Ulrich obrist (CH)Enzo Mari (IT)Thomas Lommée (BE)Lounging Space

15:00 – 17:00

CONFERÊNCIASDE LISBOA LISBON LECTURESMichael Rock (US)Marcelo Rosenbaum (BR)Cinema São Jorge

18:00

ACTION FOR AGEDocumentário e Exposição Documentary and ExhibitionFundação Calouste Gulbenkian

22:00

USELESS?Exposição Exhibition

MUDE

MORTE AO DESIGN! VIVA O DESIGN!Exposição Exhibition

MUDE

11:00 – 13:00

OPEN TALKS: ARQUITECTURA INúTIL? USE-LESS ARCHITECTURE?Pedro Gadanho (PT)Gretchen Mokry (US)Alexandra Lange (US)Folke Köbberling (DE) Lounging Space

15:00 – 17:00

CONFERÊNCIASDE LISBOA LISBON LECTURESSulki & Min (KR)Fernando Brízio (PT)Cinema São Jorge

18:00

DESIGN ACT - MAGNUS ERICSON & RAMIA MAZéLounging Space

22:00

UTILITAS INTERRUPTAExposição Exhibition

Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, Jardim das Amoreiras,Mãe d’Água

12:00 – 14:00

OPEN TALKS:

DESIGN EX-MUROSEd Annink (NL)Hans Maier-Aichen (DE)Martí Guixé (ES) Zeger Reyers (NL)Karen Ryan (GB)Hilde Teerlinck (BE)Lounging Space

21:30PECHA KUCHA DELUXLounging Space

23:00

FESTA SEMANA INAUGURAL*

OPENING wEEK PARTYEXD’11/LISBOA

A Duro convida: Dj’s Davide, Xinobi

LOUNGING SPACE * Sujeito a convite

By invitation only

11

6 UTILITASINTERRUPTA

7 PRAÇA DEESPANHA

PRAÇA DE ESPANHA

S. SEBASTIãO

716-726-742-746-756

716-726-742746-756

ACTIONFOR AGE

5 SIDELINESMUSEU GEOLÓGICO

5SIDELINESMUSEU DA FARMáCIA

CHIADO

1 CONFERÊNCIAS DE LISBOACINEMA SãO JORGE Av. Liberdade 175

2 FERNANDO BRÍZIOANTIGO CONVENTO TRINDADE Lgo. Trindade Coelho

3 LOUNGING SPACEANTIGO TRIBUNAL DA BOA-HORA Lgo. Boa-Hora 13

9 CICLO DE CINEMACINEMATECA PORTUGUESA R. Barata Salgueiro 39

6 UTILITAS INTERRUPTAFUNDAÇãO ARPAD SZENES-VIEIRA DA SILVA,JARDIM DAS AMOREIRAS E MãE D’áGUA Pça. das Amoreiras

7 ACTION FOR AGEFUNDAÇãO CALOUSTE GULBENKIAN Av. Berna 45A

8 USELESS? MORTE AO DESIGN! VIVA O DESIGN!MUDE R. Augusta 24

5 SIDELINESMUSEU GEOLÓGICO R. Academia das Ciências 19-2º

MUSEU DE SãO ROQUE Lgo. Trindade Coelho

MUSEU ARQUEOLÓGICO DO CARMO Lgo. Carmo

MUSEU DA FARMáCIA R. Marechal Saldanha 1

BIBLIOTECA MUNICIPAL CAMÕES Lgo. Calhariz 17

MUSEU DO TEATRO ROMANO Pátio do Aljube 5

MUSEU DAS ARTES DECORATIVAS PORTUGUESAS Lgo. Portas do Sol 2

4 REDUNDÂNCIAPRAÇA DA FIGUEIRA

AVENIDA DA LIBERDADE

AMOREIRAS

100-758

100-758-790737

C. SODRé

ROSSIO

15E-18E-28E

36-44-702-709-711-732-745-746

EXPOSIÇÕESEXHIBITIONS

PROJECTOS ESPECIAISSPECIAL PROJECTS

INTERVENÇÕES URBANASURBAN INTERVENTIONS

CONFERÊNCIAS, DEBATES E CICLOSLECTURES, DEBATES AND CYCLES

AUTOCARROBUS

METROSUBwAY

COMBOIOTRAIN

ELéCTRICOTRAM

RIO TEJOTAGUS RIVER

CASTELO

5 SIDELINESMUSEUARQUEOLÓGICODO CARMO

5SIDELINES MUSEU DO

TEATRO ROMANO

8 USELESS?MORTE AO DESIGN!VIVA O DESIGN!

BAIXA

AVENIDA

ROSSIO

TERREIRO DO PAÇO

RATO

4 REDUNDÂNCIA

5SIDELINES MUSEU DAS ARTES

DECORATIVAS PORTUGUESAS

3LOUNGINGSPACE

BAIXA-CHIADO

5SIDELINES

MUSEU DESãO ROQUE

1 CONFERÊNCIASDE LISBOA

9 CICLO DE CINEMA

36-44-709-711-714732-740-745-759-760

781-782-790-794

5 SIDELINESBIBLIOTECAMUNICIPALCAMÕES

12E-28E

2 FERNANDO BRÍZIOANTIGO CONVENTOTRINDADE

MAPA MAP

13

© E

VO

LU

TIO

N P

RO

DU

CT

IO

NS

JO

Sé

DA

NT

AS

CONFERÊNCIASDE LISBOALISBON LECTURES

Bilhetes à venda Tickets for sale p. 123

Tradução simultânea Simultaneous translation

Cinema São JorgeAvenida da Liberdade, 1751250-141 Lisboa

Metro Subway AvenidaAutocarro Bus 36, 44, 702, 709, 711, 732, 745, 746Comboio Train Rossio

Co-produção Co-productionCinema São JorgeEGEAC

28 SETQUA wED16:00Manuel Clemente (PT)Entrada Gratuita Free Admission

30 SETSEX FRI 15:00 Sulki & Min (KR)

16:00 Fernando Brízio (PT)

29 SETQUI THU15:00Heather Shaw (US)

16:00Marcel Wanders (NL)

1 OUTSáB SAT15:00 Michael Rock (US)

16:00 Marcelo Rosenbaum (BR)

conferências de lisboa lisbon lectures

15

Uma referência na programação da Bienal, as Conferências de Lisboa enriquecem o debate e a reflexão em curso com os contributos únicos de protagonistas incontornáveis da produção cultural e material. Este ano, profissionais e pensadores de diferentes gerações e contextos geográficos, desde São Paulo a Seul, de Nova Iorque a Lisboa, partilham as suas perspectivas sobre o tema Useless.

A fixture of the Biennale’s programme, the Lisbon Lectures broaden and enrich the ongoing reflection through the unique contributions of leading figures in material and cultural production. This year, thinkers and practitioners from different generations and geographic contexts, from São Paulo to Seoul, New York to Lisbon, share their insights on the theme Useless.

Manuel Clemente (PT)

Licenciado em História pela Faculdade de Letras de Lisboa e em Teologia pela Universidade Católica Portuguesa. Em 1992 concluiu o doutoramento em Teologia Histórica com a tese intitulada “Nas origens do apostolado contemporâneo em Portugal. A ‘Sociedade Católica’ (1843-1853)”. Desde 1975, lecciona História da Igreja na Universidade Católica Portuguesa. Presidente da Comissão Episcopal da Cultura, Bens Culturais e Comunicações Sociais, foi nomeado Bispo do Porto em 2007. A sua extensa obra publicada e contributo para a reflexão em torno de temas de cariz social e debate cultural têm-lhe valido inúmeras distinções, com destaque para a Grã-Cruz da Ordem de Cristo e o Prémio Pessoa 2009.

With a degree in History from the Faculdade de Letras de Lisboa and one in Theology from the Universidade Católica Portuguesa, Manuel Clemente completed his PhD in Historical Theology in 1992 with the thesis “Nas origens do apostolado contemporâneo em Portugal. A ‘Sociedade Católica’ (1843-1853)”. He lectures History of the Church at the Universidade Católica Portuguesa since 1975. President of the Episcopal Commission for Culture, Cultural Artifacts and Media, he was appointed Bishop of Oporto in 2007. His vast body of published historiographic work and active contribution towards cultural debate and reflection on social issues has earned Manuel Clement several awards and distinctions, chief among which are the Grã-Cruz da Ordem de Cristo and the Prémio Pessoa 2009.

28 S

ETQU

A w

ED

16:00

conferências de lisboa lisbon lectures

Especialmente convidado para introduzir o tema Useless no primeiro dia da EXD'11

Specially invited guest to introduce the theme Useless on the first day of EXD'11

17

29 S

ETQU

I TH

U

Heather Shaw (US)

Directora do Vita Motus, um estúdio de design multidisciplinar em Los Angeles. Designer de ambientes e veículos, o seu trabalho mais emblemático foi o design do palco do espectáculo ISAM do músico experimental Amon Tobin em 2011, um videowall imersivo e envolvente que desafiou as fronteiras da tecnologia, sendo apelidado de “o concerto do futuro, hoje.”

Interior and vehicle designer, Heather Shaw heads the multidisciplinary studio Vita Motus, in Los Angeles. Her most significant work to date was the stage design of the ISAM show for experimental musician Amon Tobin, an immersive videowall that pushed the boundaries of technology and was referred to as “the concert of the future, today”.

15:00

Marcel Wanders (NL)

Designer de interiores e produto, fez parte da geração que catapultou o design holandês para a ribalta mundial, sendo o autor da célebre Knotted Chair para a Droog Design em 1996.Contando entre os seus clientes marcas como Alessi, Puma, KLM Royal Dutch Airlines, MAC Cosmetics, Cappellini, B&B Italia, Moroso e Target, Wanders tem ainda projectos na área da arquitectura de interiores como o Kameha Grand Hotel em Bona, o Mondrian South Beach Hotel em Miami e a loja Villa Moda no Bahrein. Para além do trabalho que desenvolve no seu estúdio, é co-fundador e Director Artístico da marca Moooi (2001). Presença regular em exposições, a obra de Wanders integra colecções de museus de referência como o MoMA de Nova Iorque, o Stedelijk Museum de Amesterdão ou o V&A de Londres. Wanders tem publicado vários livros e o seu trabalho tem figurado em publicações internacionais como o New York Times, Domus, The Financial Times ou a Wallpaper Magazine.

Product and interior designer Marcel Wanders was part of the generation who brought Dutch design to the international spotlight, achieving international recognition for his Knotted Chair for Droog Design in 1996. Working with leading international companies such as Flos, Alessi, Puma, KLM Royal Dutch Airlines, MAC Cosmetics, Cappellini, B&B Italia, Moroso and Target, Wanders also designs for architectural projects, such as the Kameha Grand hotel in Bonn, the Mondrian South Beach hotel in Miami and the Villa Moda store in Bahrain. In addition to running his studio, Wanders is co-founder and Artistic Director of the design label Moooi (2001). He exhibits widely and his work is included in such significant museum collections as MoMA New York, The Stedelijk Museum, Amsterdam, and the V&A Museum, London. Wanders has published numerous books and is extensively profiled in the global media, appearing in such publications as the New York Times, Domus, The Financial Times and Wallpaper Magazine.

16:00

© A

NJA

VA

N w

IJG

ER

DE

N

conferências de lisboa lisbon lectures

19

30 S

ETSE

X FR

I

Sulki & Min (KR)

Sulki & Min é uma parceria entre os designers gráficos Sulki Choi e Min Choi sediada em Seul. Formados em design de comunicação na Coreia, na Chungang University e na Seoul National University respectivamente. Ambos mestres em design gráfico pela Yale University de New Haven, nos E.U.A. Foram investigadores na Jan van Eyck Akademie em Maastricht na Holanda de 2003 a 2005. Em Seul têm trabalhado essencialmente na área cultural, colaborando com instituições como o Arko Art Center, Insa Art Space, Gyeonggi Museum of Modern Art, Festival Bo:m, ou Hyunsil Culture Studies, na criação de identidades gráficas, materiais de divulgação e publicações. Em 2006 expuseram pela primeira vez a título individual na Gallery Factory em Seul, recebendo o Art Award of the Year do Conselho de Artes da Coreia. Sulki & Min têm participado em inúmeras exposições colectivas na Coreia e no estrangeiro e foram nomeados designers gráficos do BMW Guggenheim Lab. Ambos leccionam design gráfico e tipografia em Seul, Sulki Choi na Kaywon School of Art & Design e Min Choi na Universidade de Seul.

Sulki & Min is a collaboration between the Seoul-based graphic designers Sulki Choi and Min Choi. They studied communication design in Korea, at Chungang University and Seoul National University, respectively. Both earned their MFA degrees in graphic design at Yale University, New Haven, US. They worked as researchers in design at the Jan van Eyck Akademie, Maastricht, The Netherlands, from 2003 until 2005. Since they came back to Seoul, Sulki & Min have worked mainly in cultural area, collaborating with such institutions as Arko Art Center, Insa Art Space, Gyeonggi Museum of Modern Art, Festival Bo:m, and Hyunsil Culture Studies, designing graphic identities, marketing materials and publications. In 2006, they held their first solo exhibition at the Gallery Factory in Seoul, for which they received the Art Award of the Year from the Arts Council Korea. They have participated in many group exhibitions in Korea and abroad and have recently been appointed as graphic designers of the BMW Guggenheim Lab. Both teach graphic design and typography in Seoul, Sulki Choi at Kaywon School of Art & Design and Min Choi at the University of Seoul.

15:00Fernando Brízio (PT)

Fernando Brízio é licenciado em Design de Produto (1996) pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, cidade onde vive e trabalha. Desde então, tem desenvolvido objectos produzidos industrialmente bem como séries limitadas artesanais, a par de exposições, cenários e espaços interiores e exteriores para empresas e entidades como Droog, Schréder, Torino World Design Capital, experimentadesign, Câmara Municipal de Lisboa, Il Coccio, Cor Unum, Fábrica Rafael Bordalo Pinheiro, Galerie Kreo e o coreógrafo Rui Horta. Professor e coordenador do Mestrado em Design Industrial da ESAD.CR, Fernando leccionou na ECAL/École Cantonal d’Art de Lausanne e na HfG em Karlsruhe, participando em inúmeras conferências e júris em Portugal bem como no estrangeiro. Exibido e publicado internacionalmente, os seus trabalhos integram a colecção permanente do MUDE – Museu do Design e da Moda em Lisboa, bem como várias colecções particulares.

Fernando Brízio graduated in Product Design (1996) from the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon, where he lives and works. He has developed products for industry as well as small-scale handmade series, along with exhibitions, sets, interior and public spaces for companies and organizations such as Droog, Schréder, Torino World Design Capital, experimentadesign, Lisbon City Council, Il Coccio, Cor Unum, Fábrica Rafael Bordalo Pinheiro, Galerie Kreo and choreographer Rui Horta. Fernando is professor and head of the Design Product Master’s degree at ESAD Caldas da Rainha. He has taught at ECAL in Lausanne, at HfG in Karlsruhe, and has been a frequent lecturer and member of juries in Portugal and abroad. Exhibited and published internationally, his designs are included in the permanent collection of MUDE – Lisbon’s Museum of Design and Fashion, and several private collections.

16:00conferências de lisboa lisbon lectures

© E

MA

NU

EL

BR

áS

21

1 OU

TSá

B SA

T

Michael Rock (US)

Michael Rock é sócio fundador e director criativo do estúdio multidisciplinar de design 2x4 Inc., em Nova Iorque, uma referência no desenho de identidades, publicações, design de ambientes nas áreas da arte, moda, arquitectura e cultura para clientes como Prada e OMA. É director do Graphic Architecture Project na Columbia University Graduate School of Architecture, Planning and Preservation, professor adjunto na Yale School of Art e fez parte da Jan Van Eyck Akademie em Maastricht na Holanda. Contribuiu como editor e designer gráfico para a I.D. Magazine e os seus artigos na área do design têm sido publicados em todo o mundo. Detém um Bacharelato em Humanidades (Literatura) pela Union College e um Mestrado da Rhode Island School of Design. Distinguido com o Rome Prize em Design da American Academy de Roma em 1999/2000, integrando actualmente o Conselho desta Academia.

Michael Rock is a founding partner and creative director of multi-disciplinary design studio 2x4 Inc., New York City, creating identities, publications and environmental graphics for art, architecture, fashion and cultural clients worldwide, including Prada and OMA. Rock is the Director of the Graphic Architecture Project at the Columbia University Graduate School of Architecture, Planning and Preservation. He is a member of the design faculty at the Yale School of Art where he currently holds the rank of Professor (Adjunct). He was a fellow at the Jan Van Eyck Akademie in Maastricht, The Netherlands, and a contributing editor and graphic design journalist at I.D. Magazine in New York. His writing on design has appeared in publications worldwide. He holds an A.B. in Humanities (Literature) from Union College and a M.F.A from the Rhode Island School of Design. He is the recipient of the 1999/2000 Rome Prize in Design from the American Academy in Rome and currently serves on the board of the Academy.

15:00©

BR

IG

IT

TE

LA

CO

MB

E

Marcelo Rosenbaum (BR)

Marcelo Rosenbaum é o designer brasileiro que fundou há cerca de 20 anos o estúdio Rosenbaum® em São Paulo. Constituído por um conjunto de especialistas de áreas complementares, entre designers, arquitectos e profissionais da comunicação, o escritório desenvolve projectos nas áreas de design e inovação, gerando valor a partir de ideias originais. Para Rosenbaum® a síntese do pensamento de trabalho é o conceito do MORAR, para além do espaço físico e da estética do objecto, aliado à brasilidade, uma característica preponderante na produção do estúdio. Para Marcelo Rosenbaum, o pensamento está no trabalho como uma ferramenta que permita ser útil, um conceito a que chama “Design Útil” e que está sempre presente nos seus projectos. Actualmente é criativo, pela sexta temporada, de Lar Doce Lar do programa Caldeirão do Huck (Rede Globo de Televisão) e protagoniza ciclos de palestras para diferentes mercados profissionais. O seu trabalho tem sido publicado em diversas revistas internacionais e foi considerado pela Architectural Digest francesa como um dos designers “TOP 80” do mundo.

Marcelo Rosenbaum is the Brazilian designer who founded the Rosenbaum® studio in São Paulo, about twenty years ago. Consisting of a group of experts in complementary areas, such as designers, architects or media professionals, the studio develops projects in the areas of design and innovation, creating value from original ideas. For Rosenbaum®, the synthesis of work thought process is the concept of LIVING (MORAR), beyond the physical space and object aesthetics, together with Brazilianness, a prominent feature in the studio’s production. For Marcelo Rosenbaum, the thought process exists in the work as a tool for useful, a concept he dubbed “Useful Design” and that is always present in his projects. Currently, he is a creator, for the sixth season, of Lar Doce Lar from the tv program Caldeirão do Huck (Globo TV) and appears in lecture cycles for different professional markets. His work has been published in several international media and he was considered by the French Architectural Digest as one of the “TOP 80” designers in the world.

16:00

© A

ND

Ré

BR

AN

Dã

O

conferências de lisboa lisbon lectures

23

Apelando à participação e ao espírito crítico, as Open Talks juntam pensadores, críticos, curadores, profissionais e o público num debate incisivo em torno de temas emergentes da prática criativa e teoria da cultura. Seguindo o formato dos debates televisivos, o Talk Host escolhe a temática e os convidados. O diálogo é impulsionado pelos Agents Provocateurs - um mix de criativos, jornalistas e teóricos e pela plateia, que é convidada a intervir e alimentar a troca de ideias.

Calling for participation and critical thinking, the Open Talks bring together thinkers, critics, curators, professionals and audience members in an in-depth debate around emerging issues in creative practice and cultural discourse. Following the format of televised debates, the Talk Host selects the theme and the guests. Dialogue is propelled by the Agents Provocateurs - a mix of creatives, journalists and theorists and the audience members, who are also invited to intervene and contribute to the ongoing idea exchange.

© E

VO

LU

TIO

N P

RO

DU

CT

IO

NS

JO

Sé

DA

NT

AS

OPEN TALKS

29 SETQUI THU 11:00 — 13:00 FLUXOS DE INFORMAÇãO INFORMATION EXCHANGE

Talk Host —Zoë Ryan (GB)

Participantes Participants —Aaron Cope (CA)Joost Grootens (NL)Mischler’Traxler (AT)

1 OUTSáB SAT11:00 — 13:00DESIGN DO-IT-YOURSELFDO IT YOURSELF DESIGNTalk Host —Hans Ulrich Obrist (CH)

Participantes Participants —Enzo Mari (IT)Thomas Lommée (BE)

30 SETSEX FRI11:00 — 13:00 ARQUITECTURA INúTIL?USE-LESS ARCHITECTURE?

Talk Host — Pedro Gadanho (PT)

Participantes Participants —Alexandra Lange (US)Gretchen Mokry (US), Architecture for Humanity

Folke Köbberling (DE),Koeberling Kaltwasser

2 OUTDOM SUN12:00 — 14:00DESIGN EX-MUROS

Talk Host —Hans Maier-Aichen (DE) Ed Annink (NL)

Participantes Participants —Martí Guixé (ES) Karen Ryan (GB)Zeger Reyers (NL)Hilde Teerlinck (BE)

Tradução simultânea Simultaneous translation

*Entrada gratuita, sujeita à lotação da sala Free admission, limited to room capacity

LoUNGING SPACE Antigo Tribunal da Boa-HoraLargo da Boa-Hora, 131200-062 LisboaDom - Qua Sun - Wed 10:00 – 22:00Qui - Sáb, Vésperas de Feriado Fri - Sat and the eve of Public Holidays 10:00 – 02:00

Eléctrico Tram 28EAutocarro Bus 36, 44, 709, 711, 714, 732, 740, 745, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

open talks

Entrada

Gratuita Free

admission

25

29 S

ETQU

I TH

U

Fluxos de Informação

Actualmente, qualquer discussão sobre espaços públicos e privados tem necessariamente de incluir não apenas o desenho dos edifícios, objectos e paisagem física, mas também a crescente influência dos fluxos de dados que os atravessam. As tecnologias digitais estão a mudar a natureza e intencionalidade do nosso habitat construído, esbatendo as distinções entre real e virtual, e desafiando arquitectos e designers a repensar o modo como a informação é representada e exposta. Inspirados pelas inovações contemporâneas, os designers estão empenhados em gerar métodos dinâmicos de coligir, analisar e representar informação para diferentes usos quer on quer offline. Em vez de formatos estáticos, os projectos mais arrojados estimulam condições fluidas, onde tempo e espaço não são estados imutáveis, antes se transformam e adaptam constantemente face a informação nova e actualizada, bem como às necessidades individuais e colectivas, numa tentativa de reflectir com maior exactidão o estado de infindável mutação da vida quotidiana.

— Zoë Ryan

Information Exchange

Any discussion today of private and public spaces must include not only the design of buildings, objects and the physical landscape, but also the increased influence of data flows that run through them. Digital technologies are changing the nature and intent of our built environment, blurring distinctions between the real and virtual, and challenging architects and designers to rethink how information is represented and displayed. Inspired by contemporary innovations, designers are intent on generating dynamic methods of collecting, analyzing, and representing information for various uses both online and off. Rather than static formats, the most inventive projects encourage animated conditions, in which time and space are no longer fixed states but continuously transform and adapt in relation to new and updated information, as well as individual and collective needs in an effort to more accurately reflect the endlessly changing state of daily life..

— Zoë Ryan

11:00—13:00

Zoë Ryan is a British curator and writer. She is the Chair and John H. Bryan Curator of Architecture and Design at the Art Institute of Chicago. Her exhibitions include the forthcoming: “Fashioning the Object: Bless, Boudicca, and Sandra Backlund” (2012); as well as “Bertrand Goldberg: Architecture of Invention” (2011); “Hyperlinks: Architecture and Design,” (2010); “Konstantin Grcic: Decisive Design” (2009); and “Graphic Thought Facility: Resourceful Design” (2008). Prior to working at the Art Institute, Zoë was Senior Curator at the Van Alen Institute in New York where she organized numerous exhibitions including “The Good Life: New Public Spaces for Recreation” (2006) and wrote and edited books on the design of public space. Zoë is regularly called upon as a lecturer, critic, and juror, and her writing on architecture and design has been published internationally. She is the author of numerous publications including “Building with Water: Concepts, Typology, Design” (Birkhäuser, 2010). Zoë is an adjunct assistant professor at the School of Art and Design at the University of Illinois at Chicago where she teaches an interdisciplinary design seminar.

Zoë Ryan (GB)

A britânica Zoë Ryan é Presidente e Curadora John H. Bryan de Arquitectura e Design no Art Institute de Chicago. As suas exposições incluem a próxima: “Fashioning the Object: Bless, Boudicca, and Sandra Backlund” (2012); bem como “Bertrand Goldberg: Architecture of Invention” (2011); “Hyperlinks: Architecture and Design,” (2010); “Konstantin Grcic: Decisive Design” (2009) e “Graphic Thought Facility: Resourceful Design” (2008). Antes de integrar o Art Institute, Zoë foi curadora sénior do Institute Van Alen, em Nova Iorque, onde organizou várias exposições, incluindo “The Good Life: New Public Spaces for Recreation” (2006) e escreveu e editou livros sobre o design do espaço público. Zoë é regularmente convidada a desempenhar funções de oradora, crítica e jurada, e os seus textos sobre arquitectura e design tem sido publicada internacionalmente. É autora de inúmeras publicações, incluindo “Building with Water: Concepts, Typology, Design” (Birkhäuser, 2010). Zoë é professora assistente adjunta na School of Art and Design da University of Illinois em Chicago, onde lecciona um seminário sobre design interdisciplinar.

© C

OU

RT

ES

Y O

F T

HE

AR

T I

NS

TIT

UT

E O

F C

HIC

AG

O

open talks

27

Joost Grootens (NL)

Joost Grootens estudou projecto de arquitectura na Rietveld Academy de Amesterdão, sendo auto-didacta em design. O seu estúdio desenvolve projectos de livros de arquitectura, espaço urbano, arte e especializou-se em atlas, desenhando os mapas e os livros. O trabalho de Grootens tem-lhe valido inúmeros prémios, nomeadamente o “Goldene Letter”, duas Medalhas de ouro no concurso “Best Book Design from all over the World” em Leipzig e o prestigiado Rotterdam Design Prize, em 2009. Em 2010 a editora 010 Publishers lançou “I swear I use no art at all”, uma monografia sobre o seu trabalho. Joost Grootens tem sido conferencista e conduzido workshops em diversas instituições na Ásia, Europa e América do Norte. Actualmente é o responsável pelo programa de pesquisa Information Design do curso de Mestrado da Design Academy de Eindhoven. Joost Grootens foi recentemente nomeado como um dos 20 melhores designers para o futuro pela revista Rolling Stone.

Joost Grootens studied architectural design at Rietveld Academy in Amsterdam. As a graphic designer he is self-taught. His studio designs books in the fields of architecture, urban space and art, specializing on atlases, designing both the maps and the books themselves. Grootens has won numerous prizes for his designs, such as the ‘Goldene Letter’ and two Gold Medals in the “Best Book Design” from all over the World competition in Leipzig. In 2009 he was awarded the Netherlands’ most prestigious design award, the Rotterdam Design Prize. A monograph about his work titled ‘I swear I use no art at all’ was published by 010 Publishers in 2010.Joost Grootens is leader of the research programme Information Design at Design Academy Eindhoven’s Master course. He has also lectured and conducted workshops at various institutions in Asia, Europe and North America.

Mischler’Traxler (AT)

Após completarem os estudos na Design Academy de Eindhoven, Katharina Mischer e Thomas Traxler constituíram o estúdio mischer‘traxler em 2009. Com sede em Viena, o estúdio dedica-se ao desenho e desenvolvimento de produtos, mobiliário, instalações e outros projectos, focando-se na experimentação e pensamento conceptual. Mais do que conceber simples produtos, idealiza sistemas completos e novas metodologias produtivas, equilibrando métodos artesanais e tecnologia. O trabalho da dupla tem sido exposto em museus como o Art Institute de Chicago, o Design Museum de Londres, o MAK em Viena, bem como apresentado em diversos festivais internacionais. Os seus projectos tem recebido inúmeros prémios, nomeadamente o Austrian Experimental Design Award, o DMY Award e uma menção honrosa no Prix Ars Electronica. Em 2011 o “W-hotels designer of the future” foi-lhes atribuído pela Design Miami/Basel.

After graduating from the IM-masters department at the Design Academy Eindhoven, Katharina and Thomas found studio mischer‘traxler in 2009. Based in Vienna, they develop and design products, furniture, installations and more, with a focus on experiments and conceptual thinking. Balancing handcraft and technology, they envision whole systems and new production methods rather than single products. Their work has been exhibited in Museums like the Art Institute Chicago, Design Museum London, MAK Vienna, among others, and in several international Festivals. Their projects have received various awards including the Austrian Experimental Design Award, the DMY Award and an honorary mention at the Prix Ars Electronica. In 2011 they were awarded ‘W-hotels designer of the future’ by Design Miami/Basel.

J

OO

ST

GR

OO

TE

NS

MIS

CH

LE

R’T

RA

XL

ER

Aaron Cope (CA)

Aaron Cope é canadiano de nascimento, americano por ascendência, norte-americano por experiência e Montréalais au fond. Outrora activo como pintor, Aaron foi engenheiro sénior no Flickr, dedicando-se a ferramentas relacionadas com mapeamento móvel e geográfico, cargo que abandonou para integrar Stamen Design em 2009 como especialista de tecnologias de projecto. Stamen Design é um estúdio reconhecido internacionalmente pelo desenho de mapas interactivos e visualização de dados. Actualmente Stamen está a desenvolver com a National Geographic uma aplicação de apresentação cartográfica para iPad, visualizações on live do MTV Video Music Awards com a MTV e Twitter e uma nova versão do sistema cartográfico online da Yandex. Stamen concluiu recentemente um mapa interactivo de cobertura de banda larga dos E.U.A. para o FCC, visualizações de partilha de dados para MapQuest e um sistema de acompanhamento dos compromissos financeiros dos G8 no sul de África para a One.org de Bono. O estúdio foi considerado pela Fast Company uma das 50 empresas mais inovadoras de 2011.

Aaron Cope is Canadian by birth, American by descent, North American by experience et Montréalais au fond. Once upon a time a practicing painter, Aaron was a senior engineer at Flickr, focusing on mobile and geo/mapping related tools, before leaving to join Stamen in 2009 as design technologist. Stamen Design, an internationally-recognized leader in the design of interactive maps and data visualizations. Currently Stamen is working with National Geographic on an iPad app showcasing their maps; with MTV and Twitter on live visualizations of the MTV Video Music Awards, and with Yandex on a redesign of their online cartographic system. Stamen has recently finished an interactive map of broadband coverage in the United States for the FCC, visualizations of open data for MapQuest, and tracking the G8’s financial commitments to southern Africa for Bono’s One.org. The studio was one of Fast Company’s 50 Most Innovative Companies of 2011.

open talks

29

30 S

ETSE

X FR

I

Arquitectura Inútil?

O nome desta palestra evoca o título de uma conferência recente de Peter Eisenman. Em “Wither Architecture?” o amável e maduro arquitecto estrela, situa a sua prática recente numa dupla condição do tardio: um trabalho tardio na carreira do seu autor, e também uma expressão inevitável do que muitas vezes é chamado de capitalismo tardio. Uma fraqueza encantadora emergiu da quase ansiosa, se auto-irónica, tentativa em registar o seu trabalho nos anais da história da arquitectura. O uso obsessivo por parte de Eisenman de grelhas ficcionais, históricas ou topográficas para intelectualizar e justificar a forma dos seus edifícios surgiu como um meio para alcançar uma legitimação disciplinar. No entanto, esta foi também uma prisão Piranesiana que impediu o criador de exercer o acto criativo puro. Expressando uma espécie de último desejo, o arquitecto aspirava a um dos aspectos mais inúteis e inacessíveis da arquitectura: o reconhecimento eterno. De forma a produzir arquitectura relevante, precisamos nós realmente de diversas legitimações de visibilidade? Será a cultura arquitectónica totalmente inútil ou será o seu pensamento estritamente necessário para reiterar uma e outra vez a definitiva e ambígua utilidade dos edifícios?

— Pedro Gadanho

Use-less Arquitecture?

The name of this talk evokes the title of a recent conference by Peter Eisenman. In “Wither Architecture?” the gentle and mature starchitect situated his recent practice within a double condition of lateness: a late work in the career of the author, and also an inevitable expression of the often called late capitalism. A charming weakness emerged from the almost anxious, if self-ironic, attempt to inscribe his work in the annals of architectural history. Eisenman’s obsessive use of fictional, historical or topographical grids to intellectualize and justify the form of his buildings emerged as a means to achieve architectural legitimization. However, this was also a Piranesian prison that kept the creator from the pure creative act. Uttering a kind of last will, the architect aspired to one of the most useless and unreachable aspects of architecture: everlasting recognition. So as to produce relevant architecture, do we really need the various legitimations of visibility? Is architectural culture utterly useless or is its thinking strictly necessary to reiterate again and again the ultimate, unobvious usefulness of buildings?

— Pedro Gadanho

11:00—13:00

Pedro Gadanho (PT)

Arquitecto, curador e autor sediado em Lisboa, Pedro Gadanho é doutorado pela Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto, onde lecciona. Editor da bookazine BEYOND e do blog ShrapnelContemporary, contribui regularmente para inúmeras publicações internacionais. Foi curador para a EXD, da exposição Metaflux para a Bienal de Arquitectura de Veneza de 2004 e de exposições como Post.Rotterdam, Space Invaders e Pancho Guedes, An Alternatie Modernist.Entre os seus projectos conta com o design de exposição e galerias, e renovações, destacando os amplamente divulgados Casa Laranja em Carreço, Fundação Elipse em Lisboa e Casa Unifamiliar no Porto.

Pedro Gadanho is an architect, curator and writer based in Lisbon. He is an MA in art & architecture and holds a PHD from Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto, where he currently teaches. He is the editor of the BEYOND bookazine, the ShrapnelContemporary blog and contributes regularly to international publications. He was a chief curator of EXD, curated Metaflux at the 2004 Venice Architecture Biennale and exhibitions such as Post.Rotterdam, Space Invaders, and Pancho Guedes, An Alternative Modernist. Amongst exhibition layouts, galleries and renovations, his designs include the Ellipse Foundation in Lisbon, and the widely published Orange House, in Carreço, and Family Home, in Oporto.

open talks

31

Alexandra Lange (US)

Alexandra Lange é crítica de arquitectura e design, historiadora e professora em Brooklyn. É editora do recente site Let’s Get Critical (www.letsgetcritical.org), um blog de crítica cultural, ensaios e artigos de opinião. Com trabalho publicado em diversos meios como The Architect’s Newspaper, Dwell, Metropolis, New York Magazine e New York Times, e contribui semanalmente para o blog do Design Observer (http://observersroom.designobserver.com/alexandralange/). O seu livro “Writing About Architecture” sobre leitura e escrita de crítica de arquitectura será publicado pela Princeton Architectural Press em 2012.

Alexandra Lange is an architecture and design critic, historian and teacher based in Brooklyn. She is editor of the brand-new curated site Let’s Get Critical (http://www.letsgetcritical.org/), dedicated to cultural criticism, essays and reviews. Her work has appeared in The Architect’s Newspaper, Dwell, Metropolis, New York Magazine and the New York Times, and she blogs weekly on Design Observer (http://observersroom.designobserver.com/alexandralange/). In 2012, Princeton Architectural Press will publish her next book, “Writing About Architecture”, on reading and writing architecture criticism.

A

LE

XA

ND

RA

LA

NG

E ©

MA

TH

Ew

wIL

LIA

MS

GR

ET

CH

EN

MO

KR

Y F

OL

KE

Kö

BB

ER

LIN

G

Gretchen Mokry (US)

Gretchen Mokry é arquitecta da Parsons School of Design de Nova Iorque e da Architectural Association de Londres. Durante os últimos 20 anos tem focado o seu trabalho na gestão e concepção de edifícios cívicos e educacionais. Integra a Architecture for Humanity (AfH) onde liderou os projectos de programas de escolas para a América do Sul e África e também o Programa Football for Hope Centers. Esta série de 20 centros comunitários a construir na África sub-Sahariana é dedicada a programas que integram desenvolvimento jovem, saúde e educação pelo desporto. Como Directora de Projecto, a sua missão na AfH será de promover a ligação entre projecto pensados ao mais alto nível e comunidades necessitadas.

Gretchen trained as an architect at Parsons School of Design in New York and at the Architectural Association in London. A California licensed architect, she has spent her 20 years experience on the design and project management of educational and civic buildings. At Architecture for Humanity her role has included Program Lead for school programs in South America and Africa and Program Lead for the Football for Hope Centres. This series of twenty community centers being built throughout sub-Saharan Africa, are dedicated to programs that integrate youth development, health and education with sport. As Design Director, she will continue to bolster the AfH mission of connecting high level design talent with communities in need.

Folke Köbberling (DE)

Folke Köbberling vive e trabalha em Berlim. Estudou Belas Artes na Kunsthochschule Kassel, Alemanha, e no Emily Carr Institute of Art & Design de Vancouver e é Mestre pela Academia de Belas Artes de Kassel. Tem participado em conferências e workshops na University of Arts de Berlim, na University of Innsbruck, no Art Center College of Design, Pasadena, Emily Carr Institute of Art & Design e actualmente lecciona na Universität Leibniz em Hannover. Em conjunto com Martin Kaltwasser, com quem colabora desde 2002, tem participado em inúmeras exposições na Alemanha e internacionalmente. Em 2009, a dupla participou nas residências artísticas de CSW em Varsóvia, Polónia e da Chinati Foundation em Marfa, nos E.U.A. Durante 2009 e 2010 Köbberling/Kaltwasser obtiveram uma bolsa do Senate of Berlin/Cultures em Los Angeles. São também editores dos livros “city as a resource” e “Hold It! The Art & Architecture of Public Space: Bricolage Resistance Resources Aesthetics”.

Folke Köbberling lives and works in Berlin. She studied Fine Arts at Kunsthochschule Kassel, Germany and at the Emily  Carr Institute of Art and Design in Vancouver and received her MA from the Academy of Fine Arts in Kassel. She works collaborativly with Martin Kaltwasser since 2002. She has delivered lectures and workshops at the University of Arts, Berlin, University of Innsbruck, Art Center College of Design, Pasadena, Emily Carr Institute of Art & Design and is currently a lecturer at the Universität Leibniz in Hannover. She has exhibited extensively with Martin Kaltwasser in Germany and internationally. In 2009 Köbberling/Kaltwasser were artists in residence of CSW in Warsaw, Poland and the Chinati Foundation in Marfa,USA. In 2009/2010 they were awarded a fellowship in Los Angeles from the Senate of Berlin/Cultures. Köbberling Kaltwasser are the editors of the books: “city as a resource” and “Hold It! The Art & Architecture of Public Space: Bricolage Resistance Resources Aesthetics”

open talks

33

1 OU

TSá

B SA

T

Design do-it-yourself

Esta Open Talk parte do trabalho “do it” de Hans Ulrich Obrist. “do it” baseia-se num modelo aberto de exposição onde as instruções individuais podem abrir espaços vazios para ocupação e evocar possibilidades para a interpretação e reformulação das obras de arte.As instruções dos designers modelam a participação dos membros da comunidade, fazendo a ponte com os espaços de performance. Acções e materiais quotidianos servem de ponto de partida para a recriação dos desenhos em cada local de performances, de acordo com as instruções escritas dos designers.Cada realização de “do it” constitui uma actividade única no espaço e no tempo. Com o acumular das várias interpretações de textos ao longo de sucessivos locais, verifica-se uma multiplicação de significado. Para gerar conteúdo artístico segundo “do it”, cada museu deve seleccionar e criar pelo menos 15 das 30 potenciais acções, garantindo assim não apenas que os desenhos individuais divergem segundo a interpretação, mas que uma nova constelação de grupo emerge com cada apresentação. No final de cada exposição “do it”, a instituição anfitriã fica obrigada a destruir as peças geradas e respectivas instruções. Os componentes discretos a partir dos quais o conteúdo foi gerado serão devolvidos ao seu contexto original; “do it” é assim quase inteiramente reversível.

— Hans Ulrich Obrist

Do it yourself design

This Talk departs from Hans Ulrich Obrist’s work “do it”. “do it” stems from an open exhibition model where individual instructions can open empty spaces for occupation and invoke possibilities for the free interpretation and rephrasing of artworks. The designers’ instructions specify the participation of community members, bridging the gap with performance sites. Everyday actions and materials serve as the starting point for the designs to be recreated at each “performance site” according to the designers’ written instructions. Each realisation of do it occurs as an activity in time and space. Meaning is multiplied as the various interpretations of the texts accumulate in venue after venue. To create work according to “do it” each museum must select and create at least fifteen of the thirty potential actions, thus ensuring that not only will the individual designs diverge as a result of interpretation, but that a new group constellation will emerge each time the exhibition is presented. At the end of each do it exhibition the hosting institution is obliged to destroy the artworks and respective instructions. The discrete components from which the work was made are to be returned to their original context, making do it almost completely reversible.

— Hans Ulrich Obrist

11:00—13:00

Hans Ulrich obrist (CH)

Hans Ulrich Obrist é co-director da Serpentine Gallery de Londres e um dos mais conceituados curadores da actualidade, tendo sido responsável por mais de 250 exposições desde 1991. A par dos seus projectos curatoriais listam-se os seus triunfos editoriais, que incluem textos sobre artistas como Gerhard Richter, Louise Bourgeois e Gilbert & George, entre outros. Editor de uma série de livros de arte publicados por Walther Koenig, Obrist já contribuiu para mais de 200 projectos editoriais. Um dos seus projectos de maior destaque, a série de eventos públicos Marathon, foi concebida em Estugarda, em 2005, seguindo-se várias edições em: 2006 (Interview Marathon na Serpentine Gallery, com Rem Koolhaas); 2007 (Experiment Marathon, com Olafur Eliasson); 2008 (Manifesto Marathon); 2009 (Poetry Marathon) e 2010 (Map Marathon). Obrist contribui regularmente para revistas como Abitare, Artforum, a Paradis Magazine e 032c Magazine. Em 2009, Obrist tornou-se membro honorário do Royal Institute of British Architects (RIBA) e em 2011 foi distinguido com o Bard College Award for Curatorial Excellence.

Hans Ulrich Obrist is Co-director of the Serpentine Gallery in London and one of the most note-worthy curators active today, having curated over 250 exhibitions since 1991. Accompanying his curatorial projects are his editorial accomplishments, which include the writings on artists like Gerhard Richter, Louise Bourgeois and Gilbert & George, among othes. The editor of a series of artist books published by Walther Koenig, Obrist has contributed to over 200 book projects. One of his leading projects, the Marathon series of public events, was conceived in Stuttgart in 2005 and has know several subsequent different editions in 2006 (Interview Marathon at the Serpentine Gallery, with Rem Koolhaas), 2007 (Experiment Marathon with Olafur Eliasson), 2008 (Manifesto Marathon), 2009 (Poetry Marathon) and 2010 (Map Marathon). Obrist is contributing editor of Abitare Magazine, Artforum, Paradis Magazine and 032c Magazine. Made an Honorary Fellow of the Royal Institute of British Architects (RIBA) in 2009, in 2011 Obrist was awarded the Bard College Award for Curatorial Excellence.

©

AN

DR

EA

S S

CH

MID

T

open talks

35

Thomas Lommée (BE)www.intrastructures.net

Após ter concluído os estudos na Design Academy de Eindhoven, nos Les Ateliers de Paris e no Institute Without Boundaries de Toronto, Thomas Lommée (n. 1979) tem participado em diversos grupos de pesquisa de design multidisciplinar dentro e fora da Europa. Em 2007 fundou “Intrastructures”, um estúdio de design pragmático e utópico que se debruça sobre os contextos físico, digital e social do design de produto. Iniciou igualmente o projecto OpenStructures, uma experiência prática de design que explora as possibilidades de modelos de construção modular, onde se realizam intercâmbios de projectos com base numa grelha geométrica partilhada. Actualmente Thomas Lommée lecciona no programa de pesquisa Social Design no curso de mestrado da Design Academy de Eindhoven e na École Nationale Supérieure de Création Industrielle de Paris. Vive e trabalha em Bruxelas.

After his studies at the Design Academy Eindhoven, Les Ateliers Paris and the Institute without Boundaries Toronto, Thomas Lommée (b. 1979) has participated in a series of multidisciplinary design research groups in Europe and overseas. In 2007 he established “Intrastructures”, a pragmatic, utopian design studio that emphasizes on the physical, digital and social context of product design. He is also the initiator of the OpenStructures project, a hands-on design experiment that explores the possibility of a modular construction model where everyone designs for everyone on the basis of one shared geometrical grid. Currently Thomas Lommée teaches at the research programme Social Design at Design Academy Eindhoven’s Master course and at the École Nationale Supérieure de Création Industrielle in Paris . He lives and works in Brussels.

E

NZ

O M

AR

I ©

RA

MA

K F

AZ

EL

T

HO

MA

S L

OM

Mé

E ©

TH

OM

AS

LO

MM

éE

Enzo Mari (IT)

Enzo Mari (n. 1932) tem trabalhado em diversas direcções tendo como fio condutor a reflexão sobre o significado da forma no design. Iniciou esta actividade nos anos cinquenta, com uma pesquisa sobre a percepção visual, e é um dos expoentes do movimento Arte Programmata e Cinetica. Paralelamente a esta actividade, através de uma pesquisa formal de carácter individual, dá início ao seu trabalho enquanto designer, interessando-se também por design gráfico e arquitectura. Frequentou diversos cursos em diferentes escolas e universidades europeias.É membro do Centro Studi e Archivio della Comunicazione de Parma, em cujos arquivos estão reunidos cerca de nove mil dos seus desenhos originais. O seu trabalho de investigação e prática projectual têm sido distinguidos com vários prémios, entre os quais quatro “Compasso d’Ouro”. Participou na Bienal Internacional de Arte de Veneza e em inúmeras exposições como “Il lavoro al centro” no Centre d’Art Santa Monica, Barcelona em 1999, Trienal de Milão em 2000 e “Enzo Mari, L’Arte del Design” na Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea de Turim em 2008. As suas obras e objectos de design integram importantes colecções de museus como o MoMA de Nova Iorque ou o Musée du Louvre em Paris.

Enzo Mari (b. 1932) has worked in different directions guided by a reflection on the meaning of form in design. This in activity began in the fifties, with his research on visual perception, and he is one of the exponents of the movement Arte programmata e Cinetica. Parallel to this artistic research, through a formal survey of individual nature, he began his work as a designer, with an interest that ended to graphic design and architecture. He attended several courses in different European schools and universities. He is a member of the Centro Studi e Archivio della Comunicazione of Parma, in whose archives are gathered around nine thousand of his original drawings. Enzo Mari’s research and design work has been honored with several awards, including four “Compasso d’Ouro.” He has participated in the International Art Biennale of Venice and in numerous exhibitions such as “Il lavoro al centro” at the Centre d’Art Santa Monica, Barcelona in 1999, the Milan Triennale in 2000 or “Enzo Mari, L’Arte del Design” at the Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea of Turin in 2008. His works and design objects are part of important museum collections, such as the MoMA in New York, or the Musée du Louvre in Paris.

open talks

37

2 OU

TDO

M S

UN

Design Ex-muros

During the last decade, designers have become editors and producers of their own lines or editions. Though hard or impossible to produce for the mass market, these concepts nevertheless represent a rethinking of design’s role between culture and industry. Designers are becoming probing artists, explorative scientists, and conscious team workers, taking part in fundamental research that often circumvents industry’s standard codes and procedures.This talk centers on designers’ current focus on social values, (bio)technological innovation and historical content. The activity of ‘solo players’, companies, museums and universities will be discussed, as these domains interact and influence each other, prompting basic questions about design’s future playing field.This talk will look at collaboration-driven design thinking that crosses the boundaries of natural sciences, art and anthropology to reach a new breed of objects.

— Hans Maier-Aichen & Ed Annink

12:00—14:00

Design Ex-muros

Na última década, os designers tornaram--se editores e produtores das suas próprias linhas e colecções. Impossíveis de produzir para o mercado de massas, estes projectos representam no entanto um repensar do papel do design entre a cultura e a indústria. Os designers estão a tornar-se artistas inquisitivos, cientistas exploratórios e membros empenhados de equipas de trabalho multidisciplinares, envolvendo-se em pesquisas à margem dos códigos e procedimentos standard da indústria. Esta Open Talk aborda o actual enfoque dos designers nos valores sociais, inovação (bio)tecnológica e perspectiva histórica. Será observada a actividade de agentes criativos individuais, empresas, museus e universidades, na medida em que estas esferas interagem e se influenciam mutuamente, levantando questões sobre o âmbito de acção futuro do design. Design Ex-muros propõe discutir o pensamento projectual que se traduz em práticas colaborativas na intersecção entre as ciências naturais, arte e antropologia, visando atingir uma nova tipologia de objecto.

— Hans Maier-Aichen & Ed Annink

Ed Annink (NL)

Designer de produto, curador e autor, Ed Annink é sócio-fundador do atelier multidisciplinar Ontwerpwerk, colaborando com grandes marcas como Driade, Authentics, Droog Design e Royal VKB. Envolvido no ensino e reflexão projectuais, Ed iniciou vários projectos editoriais de monografias e catálogos. Concebeu a primeira edição do evento bienal “Design and Government”, que estreou em Haia e Berlim no Verão de 2010.

Product designer, curator and writer, Ed Annink is founding-partner of multidisciplinary studio Ontwerpwerk, working for outstanding labels such as Driade, Authentics, Droog Design, and Royal VKB. As a design educator and thinker, he initiated several books and catalogues. In summer 2010 the first edition of the biannual event ‘Design and Government’, for which he is the initiator and the responsible intendant, opened in Den Haag and Berlin.

Hans Maier-Aichen (DE)

Criador da marca ‘Authentics’ e distinguido, entre outros, com o European Design Award em 1997, a actividade do designer Hans Maier-Aichen combina docência, curadoria e edição. Membro do comité de gestão do German Design Council, nos últimos anos tem-se dedicado a projectos sobre designers emergentes e explorações projectuais de vanguarda.

Founder of label Authentics and recipient of, among others, the European Design Award in 1997, designer Hans Maier-Aichen has been internationally active as a lecturer, curator and editorial coordinator. Member of the steering committee of the German Design Council, recently he has devoted himself to projects focusing on emerging designers and border-crossing design activities.

H

AN

S M

AIE

R-

AIC

HE

N ©

RE

GIN

E M

AIE

R-

AIC

HE

N

E

D

AN

NIN

K

open talks

39

Martí Guixé (ES)

Martí Guixé (n. 1964) estudou design de interiores e industrial em Barcelona e Milão. Em 1994, quando vivia em Berlim, formulou uma nova forma de entender a cultura de produtos. Em 1997 começou a expôr o seu trabalho, que caracteriza como uma busca de novos sistemas de produtos, a introdução do design no âmbito da cozinha e da apresentação de alimentos. A sua perspectiva não convencional origina ideias simples e brilhantes, de uma curiosa seriedade. Trabalhando como designer em Barcelona e Berlim, tem clientes de empresas de todo o mundo. Conta entre as sua publicações mais recentes com: Martí Guixé, Food Designing, Corraini Edizioni, 2010; Martí Guixé Cook book, Imschoot Publishers ou Don´t buy it if you don´t need it. All Marti Guixe´s Camper Commodityscapes.

Martí Guixé (b. 1964) studied interior and industrial design in Barcelona and Milan. In 1994, living in Berlin, he formulated a new way to understand the culture of products. Guixé started to exhibit his work in 1997, work that characterizes on the search for new product systems, the introduction of design in food ambits and presentation through performance. His non-conventional gaze provides brilliant and simple ideas of a curious seriousness. Based in Barcelona and Berlin he works as a designer for worldwide companies. Some recent publications of his work are: Martí Guixé, Food Designing, Corraini Edizioni, 2010; Martí Guixé Cook book, Imschoot Publishers or Don´t buy it if you don´t need it. All Marti Guixe´s Camper Commodityscapes.

ZE

GE

R R

EY

ER

S©

RO

SA

RE

YE

RS

KA

RE

N R

YA

NH

IL

DE

TE

ER

LIN

CK

M

AR

TÍ G

UIX

é©

IM

AG

EK

ON

TA

IN

ER

Karen Ryan (GB)

Karen Ryan é uma designer contemporânea britânica, com um mestrado em Design de Produto pela Royal College of Art de Londres (2001). As principais influências na sua prática são a necessidade, o destino, a autobiografia e a subversão. Usa materiais que são produtos das constantes sobras resultantes do consumo de massa e da moda.

Karen Ryan is a contemporary British designer graduated with an MA in Design Product at the Royal College of Art London in 2001. Necessity, fate, autobiography and subversion are the key influences upon her practice. She uses materials that are provided as a product of continuous waste driven by mass consumption and fashion.

Zeger Reyers (NL)

Zeger Reyers (n.1966) é um artista plástico que vive e trabalha em Haia. Estudou na Artacademy em Roterdão (1990-95) e integra “Broos” uma plataforma de colaboração com Pietertje van Splunter. Das sua exposições individuais mais recentes destacam-se “Paviljoen” no Middelheim Museum de Antuérpia (2010), “In context”, 38CC Delft (2008) e “Ouborg-price ouevreprice” do Artcouncil Den Haag (2007). Tem também integrado inúmeras exposições colectivas, entre as quais “Tijdelijk verblijf” no Kasteel D’Aspremont-Lynden e “Scope Basel” na Maurits van de Laar Galerie em 2011, “Eating the Universe” e “Rotating Kitchen” no Kunstmuseum Stuttgard em 2010.

Zeger Reyers (n. 1966) is an artist living and working in The Hague. Reyers studied at the Artacademy in Rotterdam (1990-95), and integrates “Broos” a co-operation with Pietertje van Splunter. He has participated in several solo exhibited such as “Paviljoen” at Middelheim Museum Antwerp (2010), “In context” at 38CC Delft (2008) and “Ouborg-price ouevreprice”, Artcouncil Den Haag (2007). Also, he has taken part in group exhibitions: “Tijdelijk verblijf” at Kasteel D’Aspremont-Lynden and “Scope Basel” at Maurits van de Laar Galerie in 2011, “Eating the Universe” and “Rotating Kitchen” at Kunstmuseum Stuttgard in 2010, among many others.

Hilde Teerlinck (BE)

Hilde Teerlinck foi directora artística do Pavilhão Mies van der Rohe em Barcelona, tendo comissariado um ciclo de intervenções site specific de inúmeros artistas internacionais. Após uma curta temporada em Perpignan, onde fundou um centro artístico ligado à Escola de Belas Artes local e organizou exposições e workshops , foi nomeada directora do Centre Rhénan d’Art Contemporain (CRAC) na Alsácia em 2002. No sentido de abrir este espaço isolado no meio rural ao público em geral, expôs artistas de renome a par de talentos emergentes. Durante este período manteve-se activa como crítica de arte e curadora free-lance.Em Setembro de 2006 assumiu a direcção do FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain) Nord-Pas de Calais em Dunkerque, que aloja uma das mais significativas colecções de arte contemporânea de França.

Hilde Teerlinck was artistic director of the Mies van der Rohe Pavilion in Barcelona, where she curated a series of site-specific interventions by a host of international artists. After a short stay in Perpignan, where she founded an arts-centre linked to the local Fine Arts School and organized exhibitions and workshops, she was appointed director of the Centre Rhénan d’Art Contemporain (CRAC) in 2002. Working towards opening this isolated venue in the countryside to the public at large, she strategically hosted works by well-known artists as well as up-and-coming talents. At the same time she remained active as an art-critic and a free-lance curator.Since September 2006 she is the director of the FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain) Nord-Pas de Calais in Dunkerque, home to one of the most prestigious public collections of international art in France.

open talks

© S

OF

IA

BA

TIS

TA

41

Bilhetes à venda Tickets for sale p. 123

Percurso Itinerary

1. Museu GeológicoRua Academia das Ciências, 19 – 2º 1249-280 Lisboa+ 351 213 463 91510:00 – 17:00Encerra Dom Seg Closed Sun Mon

2. Museu da Farmácia Rua Marechal Saldanha, 11249-069 Lisboa+ 351 213 400 68010:00 – 18:00Encerra Sáb Dom Closed Sat Sun

3. Biblioteca Municipal Camões Largo do Calhariz, 17 - 2º Esq1200-086 Lisboa+ 351 213 422 15710:30 – 18:00Encerra 1º e 3º Sáb, 1º e 3º Seg do mês Dom e FeriadosClosed 1st and 3rd Sat, 1st and 3rd Mon p/month, Sun and HolidaysEntrada Gratuita Free Admission Eléctrico Tram 28 Autocarro Bus 758, 100 Metro Subway Baixa-ChiadoComboio Train Cais do SodréElevador Funicular Bica

4. Museu Arqueológico do Carmo Largo do Carmo1200-092 Lisboa+ 351 213 478 62910:00 – 18:00Encerra Dom Closed Sun

5. Museu de São Roque Largo Trindade Coelho1200-470 Lisboa+ 351 213 235 06510:00 – 18:00Qui Thu 14:00 – 21:00Encerra Seg Closed Mon

Eléctrico Tram 28 Autocarro Bus 758, 100, 790 Metro Subway Baixa-ChiadoComboio Train RossioElevador Funicular Sta Justa, Glória

6. Museu do Teatro RomanoPátio do Aljube, 51100-059 Lisboa+ 351 218 820 32010:00 – 13:00 14:00 – 18:00Encerra Seg FeriadosClosed Mon HolidaysEntrada Gratuita Free Admission

7. Museu das Artes Decorativas Portuguesas – FRESS Largo das Portas do Sol, 21100-411 Lisboa+ 351 218 881 991 10:00 – 17:00 Encerra Ter Closed Tue

Eléctrico Tram 28, 12Autocarro Bus 737

COLECÇÕES PESSOAIS EM 7 INSTITUIÇÕES SINGULARESMINOR COLLECTIONS HOUSEDIN 7 SINGULAR INSTITUTIONS

30 SET – 27 NOVCurador Curator Emily King

Participantes ParticipantsRichard WentworthEm co-produção com In partnership with

Design Gráfico Graphic DesignSílvia Prudêncio

Coleccionadores CollectorsDavid Pearson, Dinos Chapman, Tiphaine de Lussy, the owners of Snoopy the dog; Gregor Muir; Holly Brooks; Nicolas Trembley; Pedro Rodrigues; Susana Pomba

SIDELINESexposições exhibitions sidelines

Menu Visitas Orientadas + OficinasGuided Tours MenuEns. Básico, Secundário, Universitário Mediante escolha até 3 instituições, nós preparamos um itinerário criativo Primary to middle school, High school, UniversityChoose 3 institutions we will organize a creative itinerary for your visit.

Mais info More Info p. 86

43

Divididas por vários núcleos em diferentes espaços, a exposição Sidelines vai integrar colecções privadas, captadas local e internacionalmente, no seio de museus e instituições lisboetas menos conhecidos do grande público.O facto da cidade possuir um surpreendente vasto número de espaços desta natureza é uma herança da sua longa história enquanto centro de tráfego e transacções comerciais. A juntar e organizar os seus pertences desde os tempos Romanos, foi na era pós-terremoto de 1755 que os cidadãos de Lisboa começaram a colocar os seus espólios em exposição. Hoje em dia, as colecções da cidade cobrem um largo espectro, desde ferramentas pré-históricas em pedra lascada a instrumentos das ciências exactas. O itinerário de Sidelines estende-se desde o Museu Geológico a Oeste até ao Museu de Artes Decorativas a Este, passando pelo Museu da Farmácia, Biblioteca Municipal Camões, Museu de São Roque e Museu do Teatro Romano. Fazendo eco da diversidade destas instituições, as colecções provêm de várias fontes, incluindo curadores, artistas, designers, autores, crianças e animais. Entre outras, vai incluir um espólio de capas de álbuns em vinil obsessivamente coleccionadas, um acervo de revistas construído ao longo de vários anos, um acarinhado conjunto de vernizes de unhas e uma série de paus farejados e descobertos à custa de muito empenho. O processo de casar as colecções com as instituições girou em torno de necessidades de igual grandeza: construir uma argumentação, levar os visitantes de Lisboa num périplo por alguns dos seus pontos mais singulares e criar um roteiro agradável. Controvérsia, pragmatismo e lirismo – todos foram convocados no desenho deste projecto. Reflectindo o perfeito alinhamento destes valores, o itinerário de Sidelines segue o do popular eléctrico nº28. Convidando os visitantes a desfrutar de justaposições inesperadas, Sidelines questiona noções de valor e utilidade em relação ao acto de coleccionar. Curiosidade e obsessão. Pedagogia e vaidade, o desejo de preservar ou o medo da perda irreparável: os impulsos que movem os coleccionadores são numerosos e complexos.

De igual modo, quando acumuladores compulsivos saem da esfera privada para publicamente doar os seus bens a museus, ou mesmo fundar instituições próprias, as suas motivações serão múltiplas e ambíguas. De modo geral, enquanto a missão educativa e a construção de uma narrativa histórica são considerados objectivos válidos e úteis, a compulsão ou competitividade comum entre os coleccionadores são vistos numa luz bastante menos favorável. A realidade é que variantes destes impulsos coexistem na maioria dos coleccionadores, quer se trate de indivíduos ou entidades. Igualmente significante, Sidelines propõe-se explorar a forma como o espírito das colecções tende a transformar-se com o tempo, à medida que objectos outrora tidos como banais ganham valor – monetário mas também simbólico – e o lixo de uma era se converte nos tesouros de outra. Os visitantes poderão acompanhar o percurso de Sidelines num mapa especialmente desenhado que, para além de indicar os núcleos expositivos, assinalam locais de interesse que incluem instituições bem como lojas, bares e cafés.

— Emily King

The multiple-venue exhibition ‘Sidelines’ will place a number of private collections, sourced both locally and internationally, within a selection of Lisbon’s numerous small museums and institutions. That the city has an unusually large number of such places is a legacy of its long history as a center of trade and exploration. Amassing and arranging their possessions since Roman times, in the era after the 1755 earthquake Lisbon’s citizens began to put their holdings on display. These days the city’s collections encompass everything from stone-age flints to exquisitely painted pottery and religious artifacts to the tools of hard science. The route of ‘Sidelines’ will run from Museu Geológico in the west to the Museu das Artes Decorativas in the east, passing by the Museu da Farmácia, the Biblioteca Municipal Camões, Museu São Roque and the Museu do Teatro Romano. Echoing the variety of these institutions, the collections will come from a range of sources, including curators, artists,

designers, writers, children and animals. They will include an obsessively acquired holding of album covers, a long-hoarded stock of magazines, a treasured store of nail polish and a meticulously hounded down set of sticks. The process of pairing collections and institutions has revolved around the equal necessities of building an argument, taking visitors to some of Lisbon’s most interesting spots and creating a pleasurable route. Polemic, pragmatism and poetics have all come into play. Representing the perfect alignment of these values, the itinerary of ‘Sidelines’ follows that of Lisbon’s celebrated No. 28 tram.As well as allowing visitors to savour unlikely juxtapositions, ‘Sidelines’ will raise questions about value and use in relation to collecting. Curiosity and obsession, pedagogy and vanity, the will to preserve and the fear of loss: the forces that drive collectors are numerous and complex. Similarly, when private hoarders go public and donate their possessions to museums, or even start institutions of their own, their motives are likely to be multiple and ambiguous. Generally, while education and the writing of history are viewed as worthy, useful goals, the compulsion and competitiveness common among collectors are seen in a less positive light. In truth, however, variations on these impulses coexist within most individual collectors and collecting bodies. Significantly the exhibition will explore the way in which the spirit of collections tends to change over time, as objects that were once seen as worthless become pricey and the trash of one era is transformed into the treasures of the next. Visitors will be able to follow the route of ‘Sidelines’ on a especially designed map, which, as well, as showing the exhibition venues will mark other spots of interest including other institutions and certain shops, bars and cafes along the way.

— Emily King

Emily King (GB)Emily King trabalha em Londres como historiadora de design, focando-se na escrita e curadoria. Os seus livros incluem Robert Brownjohn: Sex and Typography (2005) e C/ID: Visual Identity and Branding for the Arts (2006), e em 2003 editou a monografia de Peter Saville Designed by Peter Saville. Emily já comissariou várias exposições, entre elas a retrospectiva do designer gráfico inglês Alan Fletcher para o Design Museum em Londres, e a exposição “Wouldn’t it be nice: wishful thinking in art and design” para o Centre d’Art Contemporain em Genebra. Em 2009 comissariou “Quick, Quick, Slow” uma exposição que explora o modo como os designers gráficos têm representado e evocado a dimensão do tempo, para a EXD’09. Actualmente colabora com o colectivo de design gráfico londrino GTF num livro sobre os parisienses M/M. Emily King escreve para uma selecção ecléctica de revistas internacionais incluindo Frieze, The Gentlewoman e Apartamento.

Emily King is a London-based design historian who concentrates on writing and curating. Her books include Robert Brownjohn: Sex and Typography (2005) and C/ID: Visual Identity and Branding for the Arts (2006), and in 2003 she edited the Peter Saville monograph Designed by Peter Saville. She has curated a number of exhibitions, among them a career retrospective of the British graphic designer Alan Fletcher for London Design Museum, the interdisciplinary exhibition “Wouldn’t it be nice: wishful thinking in art and design” for the Centre d’Art Contemporain in Geneva and “Quick, Quick, Slow” an exhibition about the relationship between graphic design and time for EXD’09 in Lisbon. She is currently writing a book about the Parisian design team M/M. Emily King contributes to an eclectic selection of international magazines including Frieze, The Gentlewoman and Apartamento.

exposições exhibitions sidelines

45

Curador CuratorJoseph Grima

Curador AssociadoAssociate CuratorElian Stefa

Design Gráfico Graphic Design Neil Donnelly

Com contribuições With contributions Haubitz+Zoche, Ulrich Pohlmann, Armin Linke, Bogdan Stojanovic, Gaia Cambiaggi, Jessica Russell, Noah Sheldon, Geoff Manaugh, Elian Stefa, Alicja Dobrucka, Grègoire Basdevant, Bruce Sterling, Ivan Kuryachiy, Igor Kuznetsov, Igor Sharovatov, Nicola Twilley, Sergey Kulikov, Minkoo Kang, Bertin & CIE

Bilhetes à venda Tickets for sale p. 123

Fundação Arpad Szenes - Vieira da SilvaPraça das Amoreiras, 56 1250-020 Lisboa+ 351 213 463 91510:00 – 18:00Encerra Ter, FeriadosClosed Tue, Holidays

Museu da Mãe d’Água Travessa das Amoreiras, 101250-020 Lisboa10:00 – 18:00Encerra Dom Closed Sun

Jardim das Amoreiras Praça das Amoreiras1250-020 Lisboa Autocarro Bus 706, 709, 758, 720, 727, 738Metro Subway Rato

UTILITASINTERRUPTAUM ÍNDICE INFRA-ESTRUTURALDE AMBIÇÕES POR CUMPRIRAN INFRASTRUCTURAL INDEXOF UNFULFILLED AMBITIONS

1 OUT – 27 NOV

exposições exhibitions utilitas interrupta

Conversas Temáticas Thematic Talks Ensino Superior, Profissionais, Público GeralUniversity, Professionals and the audience at large

5 NoVArquitecturas sem uso. Da vaidade enquanto prova de uma ideologiaUseless Architectures. Vanity as proof of an ideology

12 NoVArquitecturas do infortúnio económico e da catástrofe natural.Architectures of the economic breakdown and natural catastrophes

19 NoVArquitecturas falidas dos ideais dignos e obsoletas pela força indomável do progresso tecnológicoArchitectures of failed and honorable ideals by the technological progress

Visitas Orientadas + OficinasGuided tours Ens. Básico, Secundário, UniversitárioPrimary to middle school, High school, University

Mais Info More Info p.86

47

O derradeiro defeito dos projectos – o de morrerem – remete-nos para os seus princípios: estavam condenados à partida porque alguns engenheiros loucos confundiram sonhos com realidade. [...] Sim, tens de reler o teu Hegel porque, como sabes, a realidade tecnológica não é racional e não vale a pena racionalizá-la depois do facto consumado.Bruno Latour, ARAMIS or the love of Technology.

Desde o início dos tempos, os maiores sonhos, desafios e realizações do ser humano materializaram-se em obras de infraestrutura. Dos sistemas hidráulicos babilónicos aos arquipélagos criados por geo-engenharia no século XXI, as grandes obras de infraestrutura representam o auge da complexidade e realização arquitectónica – e muitas vezes, por virtude da sua esmagadora dimensão, tornam--se na expressão tangível do desenvolvimento, ambição e poderio de uma cultura. Canais, centrais eléctricas, fortificações, terras conquistadas à água por aterros, aquedutos, aceleradores de partículas, pontes suspensas, represas: as infraestruturas são vistas, não injustificadamente, como o registo das concretizações colectivas de uma sociedade, sendo ainda a referência histórica da visão dos seus líderes.Sob o peso de tamanha e portentosa responsabilidade, a infraestrutura acaba inevitavelmente por imortalizar os mais catastróficos falhanços da sociedade. Estes descalabros estão bem presentes à nossa volta: o coitus interruptus infraestrutural do projecto de estimação de um político, interrompido por uma crise financeira; as infames cidades-fantasma da China ou os centros comerciais abandonados da América; os esqueletos de betão de hotéis inacabados espalhados das

margens do Mar Vermelho; os 3,400 aeroportos construídos nos anos 70 e 80 por toda a antiga União Soviética e que estão hoje ao abandono, vítimas da obsessão da economia de mercado com a centralização. No entanto, o fracasso pode ser tão revelador quanto o sucesso. Utilitas Interrupta propõe-se examinar de perto obras infraestruturais que já não satisfazem o pré-requisito Vitruviano da utilidade: projectos outrora celebrados e agora esquecidos, recordações de um optimismo longínquo (ou talvez nem tanto), que permanecem escondidas à vista de todos, apagadas como que por magia da consciência colectiva apesar das suas proporções abissais. Como cicatrizes indeléveis gravadas na paisagem, estas estruturas são os repositórios de histórias esquecidas de zelo e paixão, votadas ao esquecimento para depois serem postas de parte como amantes que já não conseguem agradar. Esta exposição investiga dezassete case-studies recolhidos transversalmente em vários pontos no tempo e no espaço. A infraestrutura tornada obsoleta pela força indomável do progresso tecnológico; a infraestrutura da paranóia, por definição sem uso; a infraestrutura da vaidade, sem finalidade excepto enquanto prova da sua própria existência; a infraestrutura falida dos ideais dignos e das intenções por cumprir; a infraestrutura delapidada do infortúnio e da catástrofe; a infraestrutura do absurdo, do cómico e do trágico, histórias de gestos heróicos onde a cura é reconhecidamente pior que a doença. Se a paisagem é o pano de fundo contra o qual se encena a epopeia da história, estas cicatrizes infraestruturais são uma forte e lúcida advertência de que a história tal como a conhecemos é apenas um dos inúmeros - e igualmente fascinantes - enredos possíveis.

— Joseph Grima

The ultimate defect of projects—they die—takes us back to their beginnings: they were condemned from the start because some crazy engineers had mistaken dreams for reality. […] Yes, you have to reread your Hegel because, you know, technological reality isn’t rational, and it’s no good rationalizing it after the fact.Bruno Latour, ARAMIS or the love of Technology

Since the dawn of time, man’s greatest dreams, challenges and, ultimately, accomplishments have materialised in works of infrastructure. From Babylonian hydraulics to the geoengineered archipelagos of the twenty-first century, great infrastructural works represent the apex of design complexity and achievement—and often, by virtue of their sheer magnitude, the most tangible expression of a culture’s development, ambition and might. Canals, power plants, fortifications, reclaimed lands, particle accelerators, aqueducts, suspension bridges, dams: infrastructure is justifiably held up as the register of society’s collective accomplishment and the historical benchmark of its leaders’ enlightenment.Encumbered with such momentous responsibility, infrastructure inevitably also comes to immortalise society’s most catastrophic failures. Such debacles surround us: the infrastructural coitus interruptus of countless politician’s pet projects, stalled by a myriad of financial crises; China’s infamous ghost cities and America’s abandoned shopping malls; the abandoned concrete carcasses of unfinished hotels scattered along the banks of the Red Sea; the 3,400 airports built in the

‘70s and ‘80s throughout the former Soviet Union that today lie abandoned, victims of the market economy’s relentless drive towards centralisation.Yet failure can in itself be as revealing as success. Utilitas Interrupta sets out to closely examine infrastructural works that no longer satisfy the Vitruvian prerequisite of usefulness: projects once celebrated and now forgotten, reminders of a long-gone (or not so long-gone) optimism that lie concealed in plain sight, magically erased from collective consciousness despite their often gargantuan proportions. Like scars indelibly etched into the landscape, these structures are the repositories of forgotten stories of zeal and passion, neglected then swept aside like lovers no longer able to please.This exhibition investigates seventeen case studies, transversally sampled from various points in time and space. Infrastructure rendered obsolete by the indomitable pressure of technological progress; the infrastructure of paranoia, useless by definition; vanity infrastructure, purposeless except as proof of its own existence; the foiled infrastructure of honourable ideals and unfulfilled intentions; the dilapidated infrastructure of misfortune and catastrophe; the infrastructure of the absurd, the comical and the tragic—stories of heroic deeds in which the cure is recognised as worse than the disease. If the landscape is the backdrop against which the epic of history is acted out, these infrastructural scars are a forceful reminder that history as we know it is but one of the many possible—and equally compelling—storylines.

— Joseph Grima

exposições exhibitions utilitas interrupta

49

Joseph Grima (GB)

Joseph Grima (n. 1977) é arquitecto pela Architectural Association de Londres. A sua carreira internacional tem sido dedicada à curadoria, ensaio, crítica e investigação nos campos da arquitectura, arte e design. Entre 2007 e 2010 foi responsável pela Storefront for Art and Architecture, a famosa galeria nova-iorquina que promove novos pensamentos nas áreas da arquitectura, arte e design. Enquanto curador e investigador independente tem desenhado e organizado instalações para eventos e instituições de prestígio internacional como a Bienal de Arquitectura de Veneza, a Bienal de Arquitectura e Urbanismo de Shenzhen/ Hong Kong ou o Museu de Desenho Urbano de Pequim. Grima tem leccionado arquitectura em diferentes instituições como o Instituto Strelka de Media, Arquitectura e Design em Moscovo e na Universidade de Trondheim na Noruega. Na área editorial tem contribuído para inúmeros livros e publicações e é autor de Instant Asia (Skira, 2007), uma perspectiva crítica sobre o trabalho de jovens estudantes de arquitectura na Ásia ou Shift: SANAA and the New Museum (Lars Müller, 2008). Foi correspondente especial da revista Abitare, e publicou diversos ensaios e artigos em meios internacionais como AD, Domus, Tank, Urban China, Volume ou o jornal italiano il Sole 24. Desde Abril de 2011 é editor da Domus.

Joseph Grima (b. 1977) studied architecture at the Architectural Association in London, and since then has pursued an international career as a curator, essayist, critic and researcher in the fields of architecture, art and design. Between 2007 and 2010, he directed Storefront for Art and Architecture, the New York gallery which is globally renowned for promoting new trends in architecture, art and design. Since April 2011, he has been the editor of Domus. As a curator and independent researcher, he has designed and planned installations for events and institutions of international significance, including the Venice Architecture Biennial, the Shenzhen/Hong Kong Biennial of Urbanism and Architecture, and the Beijing Museum of Urban Planning. He is the author of several books, including Instant Asia (Skira, 2007), a critical overview of work by young and emerging architecture students in Asia, and Shift: SANAA and the New Museum (Lars Müller, 2008); he has also contributed to a range of other books and publications. He has taught architecture at several university institutes, including the Strelka Institute for Media, Architecture and Design (Moscow) and Trondheim University (Norway). As special correspondent for Abitare, he has published essays and articles in a large number of international magazines, including AD, Abitare, Domus, Tank, Urban China and Volume, as well as in the Italian newspaper il Sole 24 Ore.

Elian Stefa (AL)

Elian Stefa é um arquitecto albanês-canadiano licenciado em 2009 e que vive em Milão. Co-fundador de Concrete Mushrooms Project – uma abordagem territorial autónoma que visa a re-avaliação e transformação de 750,000 bunkers abandonados na Albânia. A iniciativa deu origem a uma organização sem fins lucrativos de promoção cultural e de turismo sustentável. Actualmente é curador e investigador, tendo colaborado em diversas exposições na La Triennale di Milano, Officine Grandi Riparazioni Torino, Helsinki Museum of Cultures, Strelka Institute, e Harvard GSD. Os seus trabalhos foram publicados na Domusweb e Abitare.

Elian Stefa is a Milan based Albanian-Canadian architect. He graduated in 2009 by co-founding the Concrete Mushrooms Project- an autonomous territorial project with the aim of reevaluating and transforming the 750,000 abandoned bunkers in Albania. The initiative has since become a non-profit organization promoting cultural planning and sustainable tourism. He currently works as a curator and researcher, having collaborated on exhibitions at La Triennale di Milano, Officine Grandi Riparazioni Torino, Helsinki Museum of Cultures, Strelka Institute, and the Harvard GSD; his published works have been featured in Domusweb and Abitare.

exposições exhibitions utilitas interrupta

© G

ER

AR

D V

AN

HE

ES

51

Uma Perspectiva ExplodidaAn Exploded View

Curador Curator Jonathan Olivares

Design Gráfico e de ExposiçãoGraphic and Exhibition Design Jonathan Olivares Design Research

Curador assistenteAssistant CuratorJerôme Nelet

Criadores representadosRepresented designers Achille Castiglioni, Enzo Mari, Ettore Sottsass, Karim Rashid, Konstantin Grcic, Mark Gonzales, Patricia Urquiola, Patrick Jouin, Philippe Starck

A ProcuraThe Wandering Pain

Curador Curator Max Bruinsma & Hans Maier-Aichen

Curador assistenteAssistant CuratorMatthias Leipholz

Design de Exposição Exhibition Design António Pedro Louro, Gonçalo Prudêncio, Pedro Ferreira e Rita João

Design Gráfico Graphic Design Vivóeusébio

Criadores representadosRepresented designers Alessandro Mendini, Atelier Van Lieshout, Barbara Visser, Constantin Boym, Daniel Eatock, Hans Maier-Aichen, Hella Jongerius, Jaime Hayon, Julia Lohmann, Jurgen Bey, Karen Ryan, Katharina Wahl, Marc Newson, Marcel Wanders, Marijn Van Der Poll, Marti Guixé, Michele de Lucci, Philippe Starck, Ron Arad, Stephane Barbier Bouvet, Stefano Giovannoni, Tejo Remy, Tord Boontje

USELESS?UMA PERSPECTIVA EXPLODIDAAN EXPLODED VIEwA PROCURA THE wANDERING PAIN

2 OUT - 27 NOV Visita + Oficina Workshop tours

A inutilidade está nos olhos de quem vê Useless is in the eyes of the beholder1º e 2º ciclo 1st to 8th grade Como se define o grau de utilidade dos objectos? Vamos inventar e construir um par de óculos para ver paisagens minimalistas ou um relógio que conte espaço em vez de tempo.How do you evaluate object ’s usefulness? Lets imagine and create a pair of glasses to see minimalist landscapes, or a clock that counts space instead of time.

Visitas orientadas Guided toursEns. Básico, Secundário, UniversitárioPrimary to middle school, High school, University

Mais info More info p.86

MUDE - Museu do Design e da Moda.Colecção Francisco Capelo Rua Augusta, 241100-053 LisboaTer - Qui e Dom Tue - Thu and Sun10:00–20:00Sex - Sáb Fri - Sat 10:00–22:00Encerra Seg Closed Mon

Eléctrico Tram 15E, 18E, 25EAutocarro Bus709, 711, 745, 36, 44, 714, 732, 740, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

exposições exhibitions useless?

Entrada

GratuitaFree

admission

53

Fruto de décadas de uma produção altamente especializada para responder às necessidades de um quotidiano cada vez mais complexo, vivemos cercados de milhares de objectos cuja utilidade está hoje mais que nunca em causa. A crise dos mercados, a problemáticaenergética, a nova ética da sustentabilidade económica, social e ambiental, estão a empurrar a sociedade contemporânea para um questionamento aprofundado daquilo que é, finalmente, útil. E por útil entenda-se necessário, pertinente, passível de cumprir uma função. Quase automaticamente, esta condição ou estado de útil é convertida em apreciações éticas ou de um “moralismo projectual” – o útil é bom, é positivo, é uma mais-valia, é pertinente e desejável. Por outro lado, o raciocínio contrário condena o “sem uso” com a mesma facilidade com que louva o “útil”; a própria palavra inútil é carregada de uma conotação tão negativa quanto irredimível. Mas se em abstracto esta lógica parece linear e facilmente aceite, tal não é o caso quando a transportamos para o campo dos objectos, para os processos de escolha e decisão que lhes são subjacentes e que, em última análise, moldam os gestos, instrumentos e hábitos do nosso quotidiano. Existirá um sistema universal, uma métrica da utilidade? Se sim, quem a elaborou e como aplicá-la? A exposição Useless? apresenta em paralelo duas narrativas curatoriais que exploram estas questões numa tentativa de esboçar uma anatomia do uso.

Autónomas mas potencialmente complementares, ambas partem de uma análise penetrante dos objectos enquanto principais sujeitos do juízo de utilidade, reflectindo perspectivas polarizadas.Useless? Uma Perspectiva Explodida, de Jonathan Olivares (US), centra-se nos efeitos e impactos dos objectos, na sua génese e operacionalização junto de indivíduos e contextos, enquanto Useless? A Procura da dupla Hans Maier-Aichen (DE) e Max Bruinsma (NL) expõe e critica as lógicas tirânicas da economia de mercado e como estas na realidade ditam, em vez de seguir, a funcionalidade intrínseca dos objectos e utilidade daí decorrente. Situando-se na génese do objecto, A Procura denuncia a forma como o processo projectual está constrangido por previsões e cálculos de natureza financeira dos quais a utilidade se torna uma função. Por seu turno, Uma Perspectiva Explodida centra-se na fase posterior da sua existência, analisando o desempenho e repercussão alargada do objecto enquanto unidade funcional e material num contexto espacial e temporal. Useless? coloca várias questões, pondo em causa a utilidade e a sua relação com a funcionalidade e a relevância – real ou fabricada – dos objectos que nos rodeiam.

As a result of decades of highly specialized production to meet the needs of an increasingly complex daily life, we live surrounded by thousands of objects whose usefulness is now more than ever in question. The global market crisis, the looming energy crisis, the new ethos of economic social and environmental sustainability, are pushing contemporary society towards a thorough inquiry of what is ultimately useful, i.e., necessary, relevant, fit to fulfill a function.Almost automatically, this condition or state of usefulness is converted into ethical judgments or a “design morality” – useful is good, positive, it represents added value and is therefore desirable. On the other hand, the opposite reasoning condemns the “useless” with the same ease with which it praises the “useful”; the word “useless” itself is charged with a connotation that is as negative as it is irredeemable.But if, abstractedly, this logic appears linear and easily accepted, this is not the case when we apply it to the field of objects, to their underlying processes of choice and decision and that, ultimately, shape the gestures, instruments and habits of our everyday existence. Is there a universal system, a measure of usefulness? If so, who came up with it and how is it applied?

The exhibition “Useless?” presents two parallel curatorial narratives that explore these issues in an attempt to outline a sort of anatomy of use. Autonomous but potentially complementary, both set out from a penetrating analysis of objects as the main subjects in the judgment of usefulness, reflecting polarized perspectives.“Useless? An Exploded View”, curated by Jonathan Olivares (US), focuses on the effects and impact of objects, their inception and operativeness with different individuals and contexts. “Useless? The Wandering Pain” curated by Hans Maier-Aichen (DE) and Max Bruinsma (NL) exposes and critiques the tyrannical imperatives of market economy and how they dictate, instead of following, the intrinsic functionality – and ensuing usefulness – of objects. Situated at the object’s inception, “The Wandering Pain” denounces the constraints placed upon the design process by revenue calculations and expected market success, of which usefulness becomes a derivation. “An Exploded View” centers on the previous stage of the objects’ existence, surveying their performance and extended repercussion as a functional and material units within a given time-space context. “Useless?” questions usefulness and its relation with functionality and relevance – real or fabricated – of the objects that surround us.

exposições exhibitions useless?

55

Jonathan olivares (US)

Jonathan Olivares (n. 1981) é licenciado em design industrial no Pratt Institute em 2004, após ter estudado design e gestão na New School University. Em 2006 fundou o seu próprio estúdio, o Jonathan Olivares Design Research (JODR), que conta entre os seus clientes com importantes fabricantes de mobiliário e iluminação contemporâneos, museus de arte e design ou editoras de design e arquitectura. Em 2008 e 2009 os produtos Smith e Territorio de JODR foram nomeados para o prestigiado prémio italiano Compasso d’oro e em 2010 foi atribuída à JODR uma bolsa de pesquisa da Graham Foundation de Chicago para estudo de espaços de trabalho exteriores. Olivares tem dirigido workshops na ÉCAL em Lausanne, e tem participado como designer convidado no mestrado em Designed Objects da School of the Art Institute de Chicago. Em 2011 o primeiro livro sobre o trabalho do seu estúdio, a Taxonomy of Office Chairs, documentando a evolução da cadeira de escritório, foi publicado pela Phaidon.

Jonathan Olivares (b. 1981) graduated from Pratt Institute’s industrial design program in 2004, after having studied design and management at the New School University. In 2006 he established Jonathan Olivares Design Research (JODR), an office dedicated to industrial design, exhibitions, and design related research and writing. The office’s clients include leading producers of contemporary furniture and lighting, distinguished museums for design and art, and publications on design and architecture. In 2008 and 2009 JODR products Smith and Territorio were nominated for Italy’s prestigious Compasso d’Oro prize, and in 2010 JODR received a research grant from the Graham Foundation in Chicago for a study on outdoor workspaces. Olivares has taught design workshops at ÉCAL in Lausanne, Switzerland and has been a guest designer in the School of the Art Institute of Chicago’s Designed Objects MFA program. In 2011 the office’s first book, A Taxonomy of Office Chairs, which documents the evolution of the office chair, was published by Phaidon Press.

JON

AT

HA

N O

LIV

AR

ES

© E

RIC

RA

Y D

AV

ID

SO

N

MA

X B

RU

IN

SM

A©

LIS

A K

LA

PP

E

HA

NS

MA

IE

R-

AIC

HE

N©

RE

GIN

E M

AIE

R A

IC

HE

N

Max Bruinsma (NL)

Max Bruinsma é editor da Items magazine, Amsterdão, e antigo editor da Eye, the international review of graphic design, Londres, tendo escrito para várias publicações de arte e design em todo o mundo. Tem sido conferencista nas áreas de design gráfico contemporâneo, novos media e cultura visual e orador em escolas de arte e congressos por todo o mundo. Max Bruinsma vê os designers como agentes culturais críticos, ao invés de neutros solucionadores de problemas.

Max Bruinsma is editor of Items design magazine, Amsterdam, and former editor of Eye, the international review of graphic design, London. His critical writings have been featured in art and design journals worldwide. A lecturer on contemporary graphic and new media design and visual culture, he has presented at art schools and congresses throughout the world. Max Bruinsma views designers as critical cultural agents, rather than neutral problem solvers.

Hans Maier-Aichen (DE)

Hans Maier-Aichen estudou pintura e escultura na Alemanha, França e nos EUA. Viveu em Florença e Roma entre 1972 e 1974, em consequência de ter recebido os Prémios Villa-Romana e Villa Massimo. Em 1983 fundou a marca de design Authentics. É membro do comité de gestão do German Design Council, professor convidado na Saint Martins College of Art & Design, University of the Arts em Londres e professor de Design de Produto na Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe, na Alemanha. Participou em diversas publicações e foi membro do comité consultivo e co-curador da publicação “Spoon, 100 designers internacionais” da Phaidon Press. Foi responsável pela curadoria de várias exposições como “Lapse in Time” para a EXD’09 em Lisboa e o Festival de Design Anual em Lodz / Polónia. Hans Maier-Aichen realiza frequentemente workshops e conferências em escolas de design chinesas. Em 2008 tornou-se professor convidado da China Academy of Arts em Hangzhou.Em 2009 publicou o livro sobre jovens designers emergentes “New Talents - State of the Arts” com a avedition, Estugarda, que se tornou um marco e livro de referência das actividades de design interdisciplinares. Recentemente foi convidado pela empresa têxtil dinamarquesa Kvadrat para ser co-curador do projecto Hallingdal 65, desafiando designers emergentes da Europa, Ásia e dos EUA, que será inaugurado em Milão em 2012.

Hans Maier-Aichen studied painting and sculpture in Germany, France and in the USA. Two renowned fine art awards Villa-Romana and Villa Massimo, allowed him to live in Florence and Rome from 1972 to 1974. In 1983 he founded the design label Authentics. He is a member of the steering committee of the German Design Council, a visiting professor at Saint Martins College of Art & Design, University of the Arts in London and professor of Product Design at the Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. In addition to his other publications he was a member of the advisory committee and co-curator for the publication of Spoon, 100 international designers, by Phaidon Press. In the last years he has curated various exhibitions such as “Lapse in time” for the EXD’09 Bienniale in Lisbon and with the Annual Design Festival in Lodz/Poland. Hans Maier-Aichen established regular workshops and lectures with Chinese design schools. In 2008 he became a visiting professor at the China Academy of Arts in Hangzhou/China. In 2009 he published a book about young emerging designers, New Talents – State of the Arts with avedition, Stuttgart which became a landmark and reference book for border-crossing design activities. The Danish textile company Kvadrat invited him to be co-curator of Hallingdal 65 project, challenging emerging designers from Europe, Asia and the USA, which will be inaugurated in Milano in 2012.

exposições exhibitions useless?

© P

AU

LA

ME

LÂ

NE

O

57

Curador Curator experimentadesign

Contribuições Booklet Booklet Contributors Delfim Sardo, Filomena Silvano, Luís Miguel Oliveira, Susana Gaudêncio, Vera Sacchetti

Contribuições Vídeo Video ContributorsJoao Pombeiro, Ruy Otero, Salomé Lamas, Miguel Duarte, Gustavo Maia

Integrado na Programação do Palácio QuintelaIntegrated in the Palácio Quintela Programme

Antigo Convento da Trindade Rua Nova da Trindade, 2010:00 – 20:00Encerra Seg Closed Mon

Eléctrico Tram 28EAutocarro Bus 1, 202, 758, 790Metro Subway Baixa-Chiado

FERNANDO BRÍZIODESENHO HABITADOINHABITED DESIGNS

29 SET - 27 NOV Por ocasião da EXD’11/Lisboa e no âmbito da direcção curatorial do Palácio Quintela, a experimentadesign inaugura a série programática Don’t Look Back. Celebrar e dar a conhecer em profundidade o trabalho de alguns dos mais importantes designers contemporâneos é o seu principal objectivo.

On the occasion of EXD’11 and as part of the curatorial direction of Palácio Quintela, experimentadesign inaugurates “Don’t Look Back”. This programme series celebrates and offers an in-depth approach to the work of some of the most important contemporary Portuguese designers.

Visita + Oficina Workshop tours

Trompe l’oeil Ensino Secundário e Universitário High School, University

Esta Visita Temática examinará conceitos específicos, ajudando os participantes a contextualizar, interpretar e reflectir os conteúdos expostos. This thematic tour will examine the main themes and concepts of this exhibition, in order to contextualize, think and interpret in a more specialized way.

Visitas orientadas Guided toursEns. Básico, Secundário e UniversitárioPrimary to middle school, High school, University

Mais info More info pág.86

exposições exhibitions fernando brízio

Entrada

GratuitaFree

admission

59

Fernando Brízio: Desenho Habitado constitui a primeira retrospectiva do mais conhecido designer português da actualidade. A sua produção consistente e conscientemente trabalhada, exposta e publicada nacional e internacionalmente, assenta na relação desafiante entre objecto e utilizador, e na criação de projectos multidimensionais que não se esgotam numa única função ou leitura. Esta exposição vai proporcionar uma visão intimista e pouco convencional deste designer. Compreendendo o período integral da sua actividade desde 1993, apresenta vários projectos em diferentes estádios de desenvolvimento e os seus processos de criação, mas também pormenores biográficos, entrevistas documentais (realizadas pela filha, a realizadora Salomé Lamas), filmes que o inspiram e livros.A exposição integra assim múltiplos formatos como animações, desenhos originais, catálogos, fotografias, maquetas e, claro, objectos, a par de conteúdos vídeo e textos de especialistas de diferentes áreas. Constituindo um marco na sua carreira, retrata no âmbito expositivo um espaço e tempo tão vastos quanto complexos. O espaço é o atelier, laboratório, armazém, arquivo e sala de ensaios, e o habitat de trabalho será trazido para o Antigo Convento da Trindade, com os objectos coleccionados, os moldes e desenhos, os subprodutos e acidentes da actividade projectual. Esta perspectiva reforça a importância do processo e da exploração material, do qual o objecto é um resultado, mas não a validação última. De igual modo, a exposição atravessa um largo espectro temporal, juntando objectos de que nunca antes coexistiram, como projectos de faculdade, peças para colectivas de artes plásticas, peças únicas nunca antes mostradas, exemplos de cenografia e design de exposição e ainda projectos inéditos em finalização e outros desenvolvidos propositadamente para esta exposição. A polissemia da obra de Fernando Brízio traduz uma riqueza conceptual que acompanha a sua prática desde o desenho—instrumento projectual incontornável e, na sua óptica, prática transformadora da realidade e do sujeito que o realiza. Consciente do papel do designer enquanto construtor de um mundo artificial que o ser humano vai habitar, Brízio

trabalha os objectos enquanto “suportes de relações” com o corpo, através da quais experienciamos a realidade. Esta intuição sensível informa projectos onde o humor, a subjectividade e a emoção se aliam a uma consciência aguda do funcionamento dos objectos e seus utilizadores num contexto que é não apenas físico mas também sóciocultural, político e económico. A concretização dos projectos constitui-se num processo de acumulação de valor e significado. Nele, o designer conduz um diálogo com os materiais e as oportunidades que estes ocasionam, os artesãos a que recorre, as particulares dos lugares onde trabalha. É nesta articulação de sensibilidades que a obra de Fernando Brízio revela o seu potencial configurador do mundo desenhado que habitamos e que, por seu turno, nos molda os gestos, o olhar, a experiência e conhecimento que dele temos.

“Fernando Brízio: Inhabited Designs” constitutes the first retrospective of one of the foremost Portuguese designers of today.His consistent and consciously crafted production, exhibited and published both nationally and internationally, hinges upon the challenging relationship between object and user, and the creation of multi-dimensional projects that evoke several functions and readings. This exhibition provides an intimate and unconventional look at this designer. Encompassing the entire period of his professional activity since 1993, it presents several projects in different stages of development and their respective creative processes, but also biographical notes, documentary interviews (conducted by his daughter, director Salomé Lamas), films that inspire him and books. Thus, the exhibition features multiple formats such as animations, original drawings, catalogues, photographs, models, and, of course, objects. It also incorporates video content and texts by experts from different areas.Constituting a milestone in his career, it portrays in the scope of the exhibition venue, a space and time that are as vast as they are complex.

The space is the studio: lab, storage room, archive, testing ground and work habitat that will be brought to the Antigo Convento da Trindade, with its collected objects, molds and drawings, as well as the byproducts and accidents of design activity. This perspective reinforces the importance of process and material exploration, of which the object is an outcome but not the ultimate validation. Similarly, the exhibition spans a broad spectrum of time, bringing together objects that never coexisted before, such as college projects, pieces for group art exhibitions, one-offs never shown before, set and exhibition designs, brand-new, unreleased projects in their final stages of completion and pieces purposedly developed for this exhibition. The polysemy of Fernando Brízio’s work translates into a conceptual wealth that accompanies his practice from the initial stage of drawing – a fundamental design tool practice and, for Brízio, a transformative practice that affects not just reality but also the individual engaged in it. Fully aware of the designer’s role as the maker of an artificial world inhabited by human beings, Brízio crafts objects as “support media for relationships” through which we experience reality. This sensitive intuitition informs projects where wit, subjectivity and emotion are met by a keen understanding of how objects and users work within a context that is not merely physical, but also socio-cultural, political and economic. The projects materialize through a process of cumulative value and meaning. The designer conducts a dialogue with the materials and the opportunities arising from them, the craftsmen with whom he engages, the specific circumstances of his work places. This is the richly interwoven backdrop for Fernando Brízio’s production and its immense potential to configure the designed world we inhabit and which, in turn, shapes our gestures, the way we look at things, our experience and knowledge.

Fernando Brízio (PT)

Fernando Brízio é licenciado em Design de Produto (1996) pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, cidade onde vive e trabalha. Desde então, tem desenvolvido objectos produzidos industrialmente bem como séries limitadas artesanais, a par de exposições, cenários e espaços interiores e exteriores para empresas e entidades como Droog, Schréder, Torino World Design Capital, experimentadesign, Câmara Municipal de Lisboa, Il Coccio, Cor Unum, Fábrica Rafael Bordallo Pinheiro, Galerie Kreo e o coreógrafo Rui Horta. Professor e coordenador do Mestrado em Design Industrial da ESAD.CR, Fernando leccionou na ECAL/École Cantonal d’Art de Lausanne e na HfG em Karlsruhe, participando em inúmeras conferências e júris em Portugal bem como no estrangeiro. Exibido e publicado internacionalmente, os seus trabalhos integram a colecção permanente do MUDE – Museu do Design e da Moda em Lisboa, bem como várias colecções particulares.

Fernando Brízio graduated in Product Design (1996) from the Faculty of Fine Arts in Lisbon, where he lives and works. He has developed products for industry and small-scale handmade production, along with exhibitions, sets, interior and public spaces for companies and organizations such as Droog, Schréder, Torino World Design Capital, experimentadesign, Lisbon City Council, Il Coccio, Cor Unum, Fábrica Rafael Bordallo Pinheiro, Galerie Kreo and choreographer Rui Horta. Fernando is professor and head of the Design Product Master’s degree at ESAD Caldas da Rainha. He has taught at ECAL in Lausanne, at HfG in Karlsruhe, and has been a frequent lecturer and member of juries in Portugal as well as abroad. Exhibited and published internationally, his designs are included in the permanent collection of MUDE – Lisbon’s Museum of Design and Fashion, and several private collections.

exposições exhibitions fernando brízio

© E

MA

NU

EL

BR

áS

© F

Ré

Dé

RIC

TE

SC

HN

ER

61

Curador Curator R2

Participantes ParticipantsConditional Design:Luna Maurer + Roel Wouters (NL) Fréderic Technner (FR)Luke Morgan + Morag Myerscough (GB)Lust (NL)Sulki & Min (KR)

Praça da Figueira

Eléctrico Tram 12E, 15E,Autocarro Bus 714, 737, 36, 44, 709, 711, 732, 740, 745, 759, 760, 790Metro Subway Restauradores, Baixa-Chiado, RossioElevador Funicular Sta Justa

REDUNDÂNCIAA UTILIDADE DA REPETIÇãOTHE USEFULNESS OF REPETITION

30 SET – 27 NOV

Cinco estúdios de design gráfico foram convidados a criar intervenções urbanas site specific sob o tema Useless. Provocadas por diferentes ocorrências de escala e volume, detalhe e vazio, elementos estruturais arquitectónicos e apontamentos decorativos, as cinco intervenções resultantes vão estabelecer um diálogo – antagónico ou empático mas sempre recíproco – tão surpreendente e idiossincrático quanto a própria cidade de Lisboa.

Five graphic design studios are invited to create sitespecific urban interventions bound by the Biennale’s theme, in one of downtown Lisbon’s most central squares. Triggered by varying instances of scale and volume, detail and emptiness, architectural features and superficial embellishments, the resulting interventions will establish a dialogue with the chosen sites, which will surely be as diverse and surprising as Lisbon itself.

intervenções urbanas urban interventions redundância

Entrada

GratuitaFree

admission

R2

© N

EL

SO

N G

AR

RID

O

SU

LK

I &

MIN

FR

éD

éR

IC

TE

SC

HN

ER

63

R2 (PT)

Em 1995, Lizá Defossez Ramalho e Artur Rebelo criaram o atelier de design R2. Têm desenvolvido projectos para instituições culturais, artistas contemporâneos e arquitectos em áreas como identidade visual, cartazes, livros, sistemas de sinalética, instalações gráficas, bem como design de exposições. Desde 1999 têm-se dedicado ao ensino de design em várias escolas portuguesas, além de integrarem júris internacionais, coordenarem workshops e apresentarem conferências em várias universidades e congressos europeus. Actualmente, são professores convidados de Design na Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade de Coimbra. Os seus projectos integraram inúmeras exposições em todo o mundo e foram publicados em livros e revistas da especialidade. Membros da Alliance Graphique Internationale, o seu trabalho tem sido distinguido com vários prémios internacionais.

Artur Rebelo and Lizá Defossez Ramalho founded the design studio R2 in 1995. Based in Porto, Portugal, R2 works on projects for a wide range of cultural organizations, contemporary artists and architects in areas such as visual identity, poster, book, sign system, graphic installation and exhibition design. R2 have lectured in Graphic Design since 1999 and coordinated various workshops and participated as speakers and jury members in numerous national and international events. Currently, they are invited professors at the Design and Multimedia Course at University of Coimbra. They integrated to a wide array of international exhibitions and their projects have been published in various specialized books and design magazines. R2 are members of Alliance Graphique Internationale, and their work has won numerous international distinctions and awards.

Sulki & Min (KR)

Sulki & Min é uma parceria entre os designers gráficos Sulki Choi e Min Choi sedeada em Seul. Estudaram design de comunicação na Coreia, na Chungang University e na Seoul National University respectivamente. Ambos detêm mestrado em design gráfico pela Yale University de New Haven, nos E.U.A. Foram investigadores na Jan van Eyck Academie em Maastricht na Holanda de 2003 a 2005. Em Seul têm trabalhado essencialmente na área cultural, colaborando com instituições como o Arko Art Center, Insa Art Space, Gyeonggi Museum of Modern Art, Festival Bo:m, ou Hyunsil Culture Studies, no design de identidades gráficas, materiais de divulgação e publicações. Em 2006 expuseram pela primeira vez a título individual na Gallery Factory em Seul, recebendo o Art Award of the Year do Conselho de Artes da Coreia. Sulki & Min têm participado em inúmeras exposições colectivas na Coreia e no estrangeiro e foram nomeados designers gráficos do BMW Guggenheim Lab. Ambos leccionam design gráfico e tipografia em Seul, Sulki Choi na Kaywon School of Art & Design e Min Choi na Universidade de Seul.

Sulki & Min is a collaboration between the Seoul-based graphic designers Sulki Choi and Min Choi. They studied communication design in Korea, at Chungang University and Seoul National University, respectively. Both earned their MFA degrees in graphic design at Yale University, New Haven, US. They worked as researchers in design at the Jan van Eyck Academie, Maastricht, The Netherlands, from 2003 until 2005. Since they came back to Seoul, Sulki & Min have worked mainly in cultural area, collaborating with such institutions as Arko Art Center, Insa Art Space, Gyeonggi Museum of Modern Art, Festival Bo:m, and Hyunsil Culture Studies, on the design of graphic identities, marketing materials and publications. In 2006, they held their first exclusive exhibition at the Gallery Factory in Seoul, for which they received the Art Award of the Year from the Arts Council Korea. They have participated in many group exhibitions in Korea and abroad. They were appointed as graphic designers of the BMW Guggenheim Lab. Both teach graphic design and typography in Seoul, Sulki Choi at Kaywon School of Art & Design and Min Choi at the University of Seoul.

Frédéric Teschner (FR)

Frédéric Teschner (1972) licenciou-se pela Escola Nacional de Artes Decorativas de Paris em 1997 e iniciou o seu percurso profissional com Pierre di Sciullo e Pierre Bernard, antes de se estabelecer como designer gráfico freelance em 2002. Desde então, tem trabalhado regularmente com arquitectos, designers, jovens coreógrafos, galerias de arte e o teatro Gennevilliers. Desde 2003 tem concebido elementos de identidade visual para diversas exposições do Centro Pompidou em Paris. Nos últimos três anos tem vindo a intensificar as colaborações com museus, centros de arte e instituições sob a alçada do Ministério da Cultura Francês, tais como o Centro de Artes Plásticas (Cnap) e a Delegação de Artes Plásticas (DAP). Frédéric Teschner lecciona design gráfico na Escola de Artes Decorativas de Amiens e na HEAD, em Genebra.

Frédéric Teschner (1972) graduated from the Paris National School of Decorative Arts in 1997 and started his professional life with Pierre di Sciullo and Pierre Bernard, before striking out as a freelance graphic artist in 2002. Since then, he has worked regularly with architects, designers, young choreographers, art galleries or the Gennevilliers Theater. Since 2003, he has devised the visual identification elements for several exhibitions at the Pompidou Center in Paris. These last three years have seen increased collaboration with museums; art centers and institutions under the French Ministry for culture such as the Plastic Arts Center (Cnap) and the Plastic Arts Delegation (DAP). Frédéric Teschner teaches graphic design at the Amiens School of Decorative Arts and in HEAD - Genève, Switzerland.

intervenções urbanas urban interventions redundância

TH

OM

AS

CA

ST

RO

- L

US

TM

OR

AG

MY

ER

SC

OU

GH

LU

KE

MO

RG

AN

LU

NA

MA

UR

ER

65

LUST (NL)

LUST é um estúdio de design gráfico multidisciplinar fundado em 1996 por Thomas Castro, Jeroen Barendse e Dimitri Nieuwenhuizen em Haia. LUST trabalha num vasto espectro de meios incluindo materiais gráficos e design de livros, cartografia abstracta e visualizações, novos media e instalações interactivas e imagens de arquitectura. A metodologia projectual de LUST, de base processual ou generativa, assenta no desenvolvimento de um processo analítico que resulta num produto final que se desenha a si mesmo. Para além disso, LUST privilegia a exploração de novos caminhos para o design na intersecção dos novos media e tecnologias de informação, com sistemas urbanos e de arquitectura e design gráfico. Este fascínio levou à criação de um novo laboratório de pesquisa em media e tecnologia designado LUSTlab, no Verão de 2010.

LUST is a multidisciplinary graphic design practice established in 1996 by Thomas Castro, Jeroen Barendse and Dimitri Nieuwenhuizen and based in The Hague. LUST works in a broad spectrum of media including traditional printwork and book design, abstract cartography and data-visualisations, new media and interactive installations, and architectural graphics. LUST’s design methodology is process- or generative-based, founded upon the development of an analytical process which leads eventually to an end-product that designs itself. Moreover, LUST is deeply interested in exploring new pathways for design at the cutting edge where new media and information technologies, architecture and urban systems and graphic design overlap. This fascination led to the establishment of a new research-based media & technology laboratory dubbed LUSTlab, in the summer of 2010.

Morag Myerscough (GB)

Morag Myerscough iniciou os estudos no Royal College of Art & Design tendo seguido design gráfico na St Martin’s School of Art, em Londres. Tendo fundado o Studio Myerscough em 1993, o seu trabalho combina metodologias de design gráfico formal (tipografia, concepção de imagem, teoria da cor) com técnicas artesanais de forte cunho individual. Em 2002 abriu a galleria/loja “her house”. Myerscough é colaboradora de longa data do Design Museum de Londres, na área de desenho de exposições. Os seus projectos têm sido nomeados e distinguidos com inúmeros prémios como o Design Week Award for Wayfinding and Environmental Graphics em 2007 e 2008. Myerscough tem sido oradora em palestras por todo o mundo e o seu trabalho encontra-se amplamente publicado.

Morag Myerscough studied at the Royal College of Art & Design and graphic design at the St Martin’s School of Art, London. Having started Studio Myerscough in 1993, she combines formal graphic design methodologies (typography, image making, colour theory) with highly individualist craft skills. In 2002 she opened ‘her house’, gallery/shop. Myerscough has had a long productive relationship with the Design Museum, London, designing different exhibitions. Her works have been nominated and received several awards for her work such as Design Week Award for Wayfinding and Environmental Graphics in 2007 and 2008. Myerscough lectures in UK and globally and her work is widely published.

Luke Morgan (GB)

Trabalhando a partir do seu estúdio em Londres, o artista Luke Morgan é conhecido pela vertente humorística da sua iconografia punk. As suas esculturas em metal e serigrafias criam tensões com as suas justaposições. Morgan escolhe e joga com palavras como ‘Bollocks’, ‘Monarchy’ and ‘King Rocker’, que reflectem as suas experiências como fetichista de marcenaria, curador de rock and roll e músico psico-billy. Morgan compõem e toca ao vivo com a sua banda The Highliners.

Luke Morgan works from his London studio and is known as an artist with a humorous twist on punk iconography. His steel sculptures and screenprints create tensions with their juxtapositions. Morgan combines his chosen words like ‘Bollocks’, ‘Monarchy’ and ‘King Rocker’ which draw on his experiences as a fetish furniture-maker, rock and roll curator and psychobilly musician, Morgan also writes and performs with his band The Highliners.

Luna Maurer (NL)

Formada em Design Gráfico, Luna Maurer trabalha como designer freelance na área do design de interacção e de media, em Amesterdão. Debruça-se sobre os desenvolvimentos tecnológicos que transformam os media em ambientes digitais fluidos e na busca de soluções projectuais para este fenómeno.Luna aplica a sua abordagem ao desenho de ambientes, situações e ferramentas a todos os suportes: media dinâmicos (web, ferramentas, animação e vídeo), bem como materiais gráficos, instalações e performances.O seu trabalho já foi exposto no Stedelijk Museum Amsterdam, Museum de Paviljoens, Almere e London Design Museum, entre outros. Actualmente Luna Maurer, em colaboração com Jonathan Puckey, Roel Wouters e Edo Paulus, desenvolvem e debatem os seus métodos de trabalho sob a designação “Conditional Design”.

Trained as a Graphic Designer, Luna Maurer works as an independent designer in the field of interaction and media design in Amsterdam. Her interests lie in technological developments that change our media into fluid digital environments and finding design solutions for it.She applies her approach of designing environments, conditions and tools to all kinds of media: dynamic media (web, tools, animation and video) but also to print, installations and performances.Her work has been exhibited among others at the Stedelijk Museum Amsterdam, Museum de Paviljoens, Almere, London Design Museum.Luna Maurer currently collaborates with Jonathan Puckey, Roel Wouters and Edo Paulus, developing and discussing their working methods under the term ‘Conditional Design’.

Roel Wouters (NL)

Estudou design gráfico e actualmente trabalha como designer / director condicional independente nas áreas da interactividade, media design e cinema. O seu trabalho foca, muitas vezes, os sistemas ou tecnologia que usamos na nossa vida diária. Aplica essa abordagem para todos os tipos de media: media dinâmica (web, ferramentas, animação e vídeo), mas também para impressão, instalações e performances. Juntamente com Luna Maurer, Jonathan Puckey e Edo Paulus, foi o autor do Manifesto Conditional Design, que promove a ideia de projectar condições em vez de resultados finais. Nos últimos anos tem ensinado design interactivo e gráfico na Gerrit Rietveld Academy, no Instituto Sandberg, na Yale University School of Art e no Instituto Piet Zwart. O seu trabalho tem sido exposto e mostrado em todo o mundo, em locais como o Stedelijk Museum em Amesterdão, Museum für Gestaltung em Zurique, no Britsh Film Institute ou no Sundance Film Festival. Roel tem sido distinguido com diversos prémio no seu país e no estrangeiro.

Trained as graphic designer, Roel works as an independent conditional designer / director in the field of interaction, media design and film. His work often reflects on the systems or technology we use in our daily lives. He applies this approach to all kinds of media: dynamic media (web, tools, animation and video) but also to print, installations and performances.Together with Luna Maurer, Jonathan Puckey and Edo Paulus he has authored the Conditional Design Manifesto, that promotes the idea of designing conditions rather than end results. For the past few years he has been teaching interactive and graphic design courses at the Gerrit Rietveld Academy, the Sandberg Institute, Yale University School of Art and the Piet Zwart Institute. His work has been exhibited and screened all over the world e.g. at the Stedelijk Museum Amsterdam, Museum fur Gestaltung Zurich, Britsh Film Institute, Sundance Film Festival. Roel won several national, and international awards.

intervenções urbanas urban interventions redundância

© P

ED

RO

SE

IX

O R

OD

RIG

UE

S

67

Set-up designLuís Ferreira assistido por assisted by Renata Candeias

LOUNGING SPACEPROGRAMAÇãO ESPECÍFICA SPECIFIC PROGRAMMEMEETING POINTLIVRARIA BABEL EXD’11BOOKSHOP BAR LOUNGEINFO & PRESS CENTERTANGENCIAIS TANGENTSSPONSORS HALLLOJA STORE

29 SET - 27 NOV

Antigo Tribunal da Boa-HoraLargo da Boa-Hora, 131200-062 LisboaDom - Qua Sun - Wed 10:00 – 22:00Qui - Sáb, Vésperas de Feriado Fri - Sat and the eve of Public Holidays 10:00 – 02:00

Eléctrico Tram 28EAutocarro Bus 36, 44, 709, 711, 714, 732, 740, 745, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

Programa Detalhado Detailed Programmewww.experimentadesign.pt

Workshops open Day Abroad

Mais info More Info pág.86

intervenções urbanas urban interventions lounging space

Entrada

GratuitaFree

admission

69

O Lounging Space é o verdadeiro coração da Bienal e principal interface de comunicação com os seus visitantes. Dando continuidade à tradição da EXD, o Lounging Space tem vindo a ocupar edifícios ou espaços pouco conhecidos do grande público mas de grande interesse patrimonial, arquitectónico ou histórico, em zonas emblemáticas da cidade. Nesta edição, a dinâmica do Lounging Space é reforçada atendendo às enormes potencialidades do edifício que o acolhe, o Antigo Tribunal da Boa-Hora. Originalmente um convento, fundado em 1633, o edifício funcionou 165 anos como tribunal, função que viria a abandonar em 2009.  Com uma localização privilegiada na zona da Baixa-Chiado e uma atmosfera propiciadora de experiências e intercâmbios enriquecedores, o Lounging Space é um espaço em constante movimento a redescobrir diariamente.

Estes espaço-referência funciona como uma plataforma de interacção com conteúdos indivíduos através de uma Programação específica que se mantém ao longo de 61 dias. Flexível e multidisciplinar, integra eventos de diferentes dimensões e áreas no espectro alargado da Bienal e envolvendo um conjunto crescente de interlocutores.Uma parte da Programação tem lugar nas salas multiusos, uma das quais totalmente equipada com sistema audiovisual, onde decorrem debates temáticos, workshops, encontros, apresentações, entre outros. Complementarmente a estas acções pontuais, a Programação integra iniciativas de carácter permanente.Fruto da sua visibilidade e vitalidade, o Lounging tem sido avidamente procurado como local de realização de Tangenciais, bem como de projectos especiais da responsabilidade de instituições parceiras da Bienal.

The Lounging Space is the heart of the Biennale and its main visitor interface. Follo-wing the EXD tradition, the Lounging Space is housed in buildings that are little known or fre-quented by the audience at large, despite their considerable architectural and historical inte-rest or heritage value. This year, the Lounging’s dynamic is further intensified by the enormous potential of the building it inhabits, the Antigo Tribunal da Boa-Hora. Originally built as a convent in 1633, it would function as Lisbon’s main courthouse for 165 years, until as recen-tly as 2009. Centrally located in downtown Lisbon and boasting a unique atmosphere, the Lounging Space is the perfect spot for fulfilling experiences and exchanges, an ever-changing venue to rediscover daily. 

This key hotspot it serves as a platform for interaction with both individuals and content, through a specific programme, which runs for 61 days. Flexible and multidisciplinary, it integrates events of different sizes and areas in the broad spectrum of the Biennale, involving a growing network of partners.Part of the programme takes place in multipurpose rooms, one of which is fully equipped with an audiovisual equipment, where themed discussions, workshops, meetings and presentations take place.In addition to these specific features, the Programme includes permanent initiatives.As a result of its visibility and vitality, the Lounging has been eagerly sought as a place to host Tangents as well as special projects by Biennale partners.

intervenções urbanas urban interventions lounging space

71

© C

OU

RT

ES

Y A

NT

HO

LO

GY

FIL

M A

RC

HIV

ES

CICLO DE CINEMAFILM CYCLENOVEMBRO NOVEMBER

O ciclo reflecte sobre diferentes abordagens possíveis à representação dos objectos e da sua utilização no cinema.Procura olhar para as relações de produção e fabrico (artesanal/industrial), os processos de transformação e finalmente o seu uso e mesmo a sua vida para lá da utilidade. Inclui filmes em que se mostram objectos, talvez próximos de nós, mas não como os conhecemos: utilizados à revelia da sua função, retirados do contexto, sem reparação possível, objectos imaginados,procurando mostrar-se a sua “incoerência funcional” tal como foi reflectida de diferentes formas através de géneros e da história do cinema.

The cycle reflects on different possible approaches to the representation of objects and their use in film. It seeks to observe the relations of production and manufacturing (handmade / industrial), the transformation processes and finally their use and even their life beyond usefulness. It includes films that show objects, perhaps familiar to us, but not as we know them: used irrespective of their function, taken out of context, beyond repair, imagined objects, seeking to reveal their “functional inconsistency” as it has been echoed in varied forms throughout film genres and history.

Programa Programme byRicardo Matos Cabo

Co-Produção Co-ProductionCinemateca Portuguesa – Museu do Cinema

Cinemateca PortuguesaR. Barata Salgueiro, 391269-059 Lisboa

Autocarro Bus 758, 773 Metro Subway Baixa-Chiado, Rato

Bilhetes à venda Tickets for sale p. 123

Programa detalhado Detailed Programme www.experimentadesign.ptwww.cinemateca.pt

ciclos cycles ciclo de cinema film cycle

73

SEM USOUSELESS A EXD’11/LISBOA aposta numa nova estratégia editorial com a publicação de um livro editado pelos críticos de design Frederico Duarte e Max Bruinsma com design de Ian Anderson, do colectivo The Designer’s Republic.“Sem Uso” é um volume em formato livro de bolso que reúne ensaios de 5 autores de diferentes áreas, proporcionando uma visão caleidoscópica do tema desta Bienal. Em contraponto a estes textos estão breves provocações, pensamentos ou afirmações de muitos dos participantes das edições anteriores, abrindo a discussão e estimulando a interpretações complementares.O lançamento terá lugar no dia 28 de Setembro no Lounging Space, marcando a abertura da Semana Inaugural da EXD’11. Uma apresentação com Guta Moura Guedes e Paulo Teixeira Pinto, bem como um debate com os editores vai dinamizar o evento. Uma intervenção de Ana de Macedo complementará um dos ensaios.Editado pela Babel, o livro compõe-se de 400 páginas e estará à venda no Lounging Space durante a Bienal.

EXD’11 / LISBOA is embarking on a new editorial strategy with the publication of a book edited by design critics Frederico Duarte and Max Bruinsma, and designed by Ian Anderson of The Designer’s Republic fame. “Useless” is a volume in paperback format that includes essays from five specialists in different fields, providing a kaleidoscopic view of the Biennale’s theme. In counterpoint to these texts are brief provocations, thoughts or statements of many of the previous editions’ participants, opening up the discussion and stimulating complementary interpretations.The book launch will take place on September 28 at the Lounging Space, marking the start of the EXD’11 Opening Week. An introduction by Guta Moura Guedes and Paulo Teixeira Pinto, and a discussion with the editors will be highlight of the event. An installation by Ana de Macedo complements one of the essays. Edited by Babel, this 400-page book will be on sale at the Lounging Space throughout the Biennale.

Editor EditorFrederido Duarte, Max Bruinsma

Design Gráfico Graphic DesignIan Anderson – The Designers Republic

Uma Publicação PublisherBabel – EXD’11/Lisboa

Ensaistas EssayistsDenis Burgierman, Johan Redström, Jorge Braga de Macedo, Marta de Menezes, Ralph Caplan

Participante ParticipantAna de Macedo

publicações publications sem uso useless

75

ACTION FOR AGEINTERGERACIONALIDADEINTERGENERATIONAL RELATIONS

2 OUT - 27 NOVBrief original original BriefRoyal Society for the Encouragement of Arts, Manufactures and commerce

Co-produção Co-productionexperimentadesign, RSA, Fundação Calouste Gulbenkian, Santa Casa da Misericórdia

Coordenação CoordinationSusana António (PT) Vicenzo di Maria (PT)

Design Gráfico Graphic DesignMarco Balesteros

Documentário DocumentaryRui Simões – Real Ficção

Participantes ParticipantsT(h)REE GENERATIoN Bruno Ferreira Mendes, Daniela Pereira Mata, Josiana Santos Vieira

Simple Phone Carolina Vieira de Sousa, Jaime Ribeiro Martins, Samuel Nogueira Cordeiro

Projecto CoR Carolina Domingues Gaspar, Joana Oliveira Ramos, Joana Moreira de Carvalho, Mª Beatriz Pinheiro Lacerda, Pedro Gomes Araújo, Rui Couto Ramos

Chat Analógico Daniela Gapo, Melissa Borges, Samuel Lemos

Com amor se paga David Teixeira dos Santos, Diana Dias da Cruz, Francisco Quaresma Bairrão, Margarida Ferreira de Pinho, Pedro Oliveira Santos, Sandra Gil Saraiva

Raízes Diogo Cruz Louro, Inês Vizinho da Maia, João Valente Silva Alves, João Lopes Carvalho, Joel Enes da Torre

GeraCity_Viana do Castelo Fernanda Araújo, Tiago Gonçalves

Saber à la Carte Joana Isabel Fernandes da Cunha, Mariana Pereira Novo

experimenta | cultivar Joana Santos Nunes, Pedro Fróis Menes

Vianna Cubo Jorge Passos, Sara Vaz

BECoNNECTED José Miguel Soares Pinto, Rita Mota Silva, Sara Silva

Projecto Oficina dos Mestres Luís Félix Viana, Maria de Fátima Cerqueira

Fundação Calouste GulbenkianAv. de Berna 45A1067-001 Lisboa10:00–18:00Encerra Seg Closed Mon

Autocarro Bus 716 / 726 / 742 / 746 / 756Metro Subway S. Sebastião / Praça de Espanha

projectos especiais special projects action for age

Entrada

GratuitaFree

admission

77

Este laboratório criativo a operar simultaneamente em Lisboa e Londres desafiou estudantes universitários finalistas e recém-licenciados a desenhar soluções que contribuíssem para melhorar a qualidade de vida dos idosos, com base no estabelecimento de relações intergeracionais. Face ao envelhecimento generalizado da população, Action for Age aborda os desafios e oportunidades de interacção enquanto meio de fomentar a coesão social, reciprocidade e envolvimento transversal, com incidência nos idosos. Action for Age arrancou com um concurso nacional de ideias em Outubro de 2010. A Bienal EXD’11 apresenta agora, na Fundação Calouste Gulbenkian, os outputs dos 12 projectos vencedores que o júri seleccionou entre os participantes de 22 escolas portuguesas. A exposição, com desenho dos coordenadores Vicenzo di Maria e Susana António e design gráfico de Marco Balesteros, permite envolver o público no desenrolar de todo o processo de trabalho. A inauguração é marcada pela projecção do documentário realizado por Rui Simões que acompanhou

de perto a dinâmica do processo e por uma conferência de contextualização.O objectivo da exposição é fazer o ponto de situação dos projectos, onde os futuros profissionais tomaram contacto com diversas fases de trabalho, como concepção, orçamentação, gestão ou acompanhamento da execução. Uma abordagem didáctica e formativa ao processo projectual, desde a reflexão elaborada sobre o programa inicial à implementação da ideia, com todos os constrangimentos inerentes. Action for Age envolve um total de 45 alunos de 5 unidades de ensino (IPVC, UA, ESAD CR, FBAUL) que desenvolveram os trabalhos em 5 diferentes localidades (Viana do Castelo, Vale do Cávado, Aveiro, Caldas da Rainha, Lisboa). A exposição dos resultados abre ainda uma nova possibilidade a outros parceiros de se juntarem e apoiarem a continuidade destes projectos. Uma demonstração do potencial do design enquanto força impulsionadora de inovação social, mediando esforços e estreitando laços entre instituições, stakeholders no terreno e utilizadores.

This creative lab operating simultaneously in Lisbon and London challenged senior college students and recent graduates to design solutions that would contribute to improving the quality of life of the elderly, based on building intergenerational relationships. Given the widespread phenomenon of the aging population, Action for Age addresses the challenges and opportunities for interaction as a means of fostering social cohesion, reciprocity, and transversal involvement, affecting the elderly. Action for Age launched a national idea contest in October of 2010. EXD’11 now presents, at the Calouste Gulbenkian Foundation, the outputs of the 12 projects selected by the jury among the entries from 22 Portuguese schools. The exhibition will engage viewers in a journey through the entire work process, which was develop throughout a 12-month mentoring programme assisted by the Action for Age coordinators. The opening is marked by the projection of the documentary directed by Rui Simões, which has followed closely the unfolding of the work process, preceded by a brief introductory conference.

The goal is to assess the current status of the projects, where there future design professionals dealt with the many phases of project development, such as design, budgeting, management or monitoring of the implementation. An educational and formative approach to the design process, from the reflection around the original brief to the implementation stage, with all its inherent challenges.Action for Age involves a total of 45 students from 5 teaching institutions (IPVC, UA, ESAD CR, FBAUL) that developed the work in five different locations: Viana do Castelo, Vale do Cávado, Aveiro, Caldas da Rainha, Lisbon.The exhibition of the outcomes also opens up new possibilities for other partners to join and support the continuity of these projects. A demonstration of design’s potential as a driving force for social innovation, mediating efforts and strengthening ties between institutions, stakeholders and users on the ground.

projectos especiais special projects action for age

79

A aposta na criatividade e no capital humano é essencial para desenvolver uma economia moderna e competitiva. A especificidade da economia criativa com a sua lógica transversal - interdisciplinar, transectorial - em que tudo está relacionado, obriga a uma nova abordagem de desenvolvimento e troca de experiências entre os vários sectores. A experimentadesign inicia um ciclo de simpósios dedicados a este tema com vista a impulsionar a capacidade de iniciativa e o empreendedorismo nacionais. O primeiro simpósio é realizado em colaboração com a Embaixada do Reino Unido em Portugal e com o Trade&Investments UK, tendo entre os oradores convidados Sir John Sorrell, Presidente do London Design Festival e da The Sorrell Foundation. O evento reúne dezenas de participantes oriundos de diferentes áreas de actividades ligadas às indústrias criativas, de 3 principais países: Brasil, Reino Unido e Portugal. Case de estudo, projectos de sucesso e insucesso, exemplos de pólos, incubadoras ou clusters criativos são analisados sob o formato de debates, apresentações e workshops. Em discussão estarão ainda os métodos e barreiras do processo criativo face à inovação social, bem como a sua relação com a indústria e influência no desenvolvimento socioeconómico.

The focus on creativity and human capital is essential to develop a modern and competitive economy. The specificity of the creative economy with its transversal logic  -interdisciplinary, trans-sectorial - where everything is related, calls for a new approach of development and experience exchange between the different sectors. experimentadesign initiates a series of symposia dedicated to this theme, looking toboost the spirit of initiative and entrepreneurship of Portuguese players. Organized in collaboration with the British Embassy in Portugal and Trade&Investment UK, this first symposium features among its guest speakers Sir John Sorrell, President of the London Design Festival and President of The Sorrell Foundation. The event brings together dozens of participants from different areas within the creative industry, from 3 main countries: Brazil, United Kingdom and Portugal. Case studies, successful and unsuccessful projects, examples of hubs and creative clusters are examined in the format of discussions, presentations andworkshops. The methods and barriers of the creative process in the face of social innovation will also be the subject of discussion, as well as its relationship with industry and influence in the socio-economic development.

1º SIMPÓSIO DE ECONOMIACRIATIVA1 CREATIVEECONOMYSYMPOSIUM

projectos especiais special projects simpósio de economia criativa creative economy symposium

ST

13 – 14 OUT

LoUNGING SPACE Antigo Tribunal da Boa-HoraLargo da Boa-Hora, 131200-062 LisboaDom - Qua Sun - Wed 10:00 – 22:00Qui - Sáb, Vésperas de Feriado Fri - Sat and the eve of Public Holidays 10:00 – 02:00

Eléctrico Tram 28EAutocarro Bus 36, 44, 709, 711, 714, 732, 740, 745, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

Produção Productionexperimentadesign

Em colaboração comIn collaboration with Trade&Investment UK

Programa detalhado Detailed Programme www.experimentadesign.pt

Entrada

GratuitaFree

admission

81

Entrada

GratuitaFree

admission

Curador CuratorEduarda Abbondanza (PT)Francisco Rocha (PT)

RETRO/FUTUREprojectos especiais special projects retro/future

LoUNGING SPACE Antigo Tribunal da Boa-HoraLargo da Boa-Hora, 131200-062 LisboaDom - Qua Sun - Wed 10:00 – 22:00Qui - Sáb, Vésperas de Feriado Fri - Sat and the eve of Public Holidays 10:00 – 02:00

Eléctrico Tram 28EAutocarro Bus 36, 44, 709, 711, 714, 732, 740, 745, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

29 SET - 27 NOV

83

A distância entre dois pontos é uma linha recta. Mas as histórias, narrativas e memórias nem sempre são geométricas nem auto-evidentes, da mesma forma que a produção de imagens não se explica exclusivamente pelo desenho das coisas representadas. Há interferências. Retro/Future é um momento de reflexão, quando a ModaLisboa completa vinte anos, e a partir do seu património gráfico, um olhar sobre um período de tempo, dos objectivos comunicacionais, da sua própria evolução e de diferentes intenções na procura de uma imagem de futuro. Um percurso, entre dois pontos, que produziu um arquivo e aponta uma direcção.

The distance between two points is a straight line. But stories, narratives and memories are not always geometrical or self evident, much in the same way that the creation of images is not solely explained by the shapes of what is represented. There are interferences.Retro/Future is a moment of reflection, on the occasion of ModaLisboa’s twentieth anniversary, and taking a cue from its visual heritage, it is also a look over a period of time, its communication goals, its own evolution and different intentions while searching for an image of future. A path, between two points, which spawned an archive, suggesting a direction.

Eduarda Abbondanza (PT)

Com formação em Design de Moda, colabora com vários ateliers nacionais e internacionais, nomeadamente com Ana Salazar, Raffaella Curiel e o Teatro alla Scala em Milão. Em 1989 integra a marca Abbondanza/Matos Ribeiro. Em 1991, nasce o projecto ModaLisboa, do qual é co-autora e Presidente a partir de 2008. Desde 1992, lecciona Design de Moda da Faculdade de Arquitectura de Lisboa (UTL), na qualidade de Professora Convidada. É investigadora, desenvolvendo a sua tese de Doutoramento na área de Design de Moda. É convidada por várias organizações enquanto conferencista e tem assento em órgãos internacionais como World Fashion Week e Maison Méditerranéenne des Métiers de la Mode.

Born in Lisbon, trained in Fashion Design, collaborates with several national and international ateliers, namely Ana Salazar, Rafaella Curiel and the alla Scala Theatre in Milano. Back in Lisbon, starts her own brand and in 1989 joins Abbondanza/Matos Ribeiro. In 1991 the ModaLisboa project is unveiled, which she co-authors and becomes a member of its Creative Direction. From 1996 she joins the Board of Associação ModaLisboa, which she has presided over since 2008. Teaches Fashion Design at the Faculdade de Arquitectura de Lisboa (UTL), as a Guest Teacher, since 1992. Currently she is researching her PhD thesis on the subject of Fashion Design. She is frequently invited as a lecturer by numerous organizations and holds a seat on international boards such as World Fashion Week and Maison Méditerranéenne des Métiers de la Mode.

Francisco Rocha (PT)

Artista Plástico e Realizador, desenvolveu paralelamente trabalho de intervenções/instalações em espaços públicos e na produção de objectos. Colaborou diversas vezes com a ModaLisboa. É representado nas colecções nacionais do MUDE – Museu de Design e Moda, Caixa Geral de Depósitos, Fundação Calouste Gulbenkian e Fundação Luso-Americana.

Artist and Director, has simultaneously developed installation/intervention work in public spaces and design production, regularly collaborating with ModaLisboa. He is represented in the national collections of the MUDE – Museu de Design e Moda, Caixa Geral de Depósitos, Fundação Calouste Gulbenkian and Fundação Luso-Americana.

projectos especiais special projects retro/future

© S

ON

IA

RIK

YE

L

85

MORTE AO DESIGN!VIVA O DESIGN!O OBJECTO EM REFLEXãO, 1980-2000THE OBJECT IN QUERY, 1980-2000

2 OUT - 15 JAN 2012

Curador CuratorBárbara Coutinho (PT)

Design Gráfico Graphic DesignJorge Silva - Silva Design (PT)

Arquitectura ArquitectureLuís Saraiva (PT)

MUDE - Museu do Design e da Moda Colecção Francisco Capelo Piso 1Rua Augusta, 241100-053 LisboaTer-Qui e Dom Tue-Thu and Sun10:00–18:00Sex-Sáb Fri-Sat 10:00–22:00Encerra Seg Closed Mon

Eléctrico Tram 15E, 18E, 25EAutocarro Bus36, 44, 709, 711, 714, 732, 740, 745, 759, 760, 781, 782, 790, 794Metro Subway Baixa-Chiado

projectos especiais special projects morte ao design! viva o design!

Entrada

Gratuita

Freeadmission

87

Em 1958, Bruno Munari dá vida a um garfo, sugerindo emoções, atitudes e estados de alma. Dezasseis anos mais tarde, Alessandro Mendini lança fogo a uma cadeira colocada sobre um pedestal, questionando o próprio arquétipo de cadeira. Hoje, vivemos uma época em que a natureza dos objectos comuns e o modo como nos relacionamos com eles passam por uma profunda mudança, dissociando-se a utilidade do seu significado e formatividade. A exposição Morte ao Design! Viva o Design! apresenta uma selecção do acervo do MUDE – Museu do Design e da Moda, Colecção Francisco Capelo, com o propósito de contribuir para o tema em debate na Bienal EXD’11 e aprofundar o estudo, divulgação e internacionalização da colecção do museu. Centramo-nos no contexto pós-modernista, onde a função se dissocia da forma, e no subsequente escrutínio à identidade, natureza e fronteiras da disciplina do design. Em debate a própria noção de objecto – valor, símbolo, representação, linguagem e estetização. A partir de 1980, os herdeiros dos movimentos Anti-Design e Design Radical – que, desde finais dos anos 60, preconizaram uma crítica ao postulado racionalista pela sua cumplicidade com o sistema de produção – aprofundam uma pesquisa que questiona a própria definição de design e o seu património, abrindo um caminho que conduz até à actualidade.Falamos de autores tão diversos como Gaetano Pesce, Ettore Sottsass, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Martin Margiela, Walter Van Beirendonck, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Peter van der Jagt, Philippe

Starck, Danny Lane, Jean Paul Gaultier, Issey Miyake e Rody Graumans... ou de obras que defendem o primado da forma ou se afastam da mera provocação por exigirem um exercício de descodificação e criarem uma relação emocional com o utilizador, exaltando o seu valor expressivo, político, poético e irónico. Foge-se a categorizações e desafiam-se as tradicionais fronteiras entre o design, a arquitectura e a arte, na esfera de influência das pesquisas conceptuais protagonizadas por Marcel Duchamp, Richard Artschwager, Donald Judd, Andy Warhol ou Joseph Kosuth. Proclama-se a morte do paradigma funcionalista para se exaltar o experimentalismo, a reinvenção e o conceptualismo. Assiste-se a uma reflexão sobre o próprio objecto e a sua utilidade, a herança cultural do Design, a imagem e o seu valor, a relação com o sistema económico e produtivo, o carácter de representação/significação e a relação com a palavra/conceito. Em consequência, o Design vive um momento de grande criatividade, afirmando-se cada vez mais plural, vivo, actuante e abrangente.

In 1958, Bruno Munari gives life to a fork, suggesting emotions, attitudes and moods. Sixteen years later, Alessandro Mendini sets fire to a chair placed on a pedestal, questioning the chair archetype. Nowadays, the nature of common objects and the way we relate to them is in deep change resulting in the split between meanings, formats and usefulness. “Morte ao Design! Viva o Design!” presents a selection of pieces from MUDE – Museu do Design e da Moda, Colecção Francisco Capelo with the aim of contributing to the topic under discussion at the Biennale EXD’11 and also developing the study, promotion and internationalization of the museum’s collection. This exhibition focuses on the Post-modernist period, which dissociates function from form, and the subsequent scrutiny identity, nature and boundaries of the discipline of Design. On debate is the notion of object – value, symbol, representation, language and aesthetics. Since 1980, the heirs of Anti-Design and Radical Design groups – who since the end of the sixties criticized the Rationalist idea of Design for its complicity with the system

of production – went deeper on a research that questions the definition of Design and its heritage, opening a path that leads to the present. We talk about authors such as Gaetano Pesce, Ettore Sottsass, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Martin Margiela, Walter Van Beirendonck, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Peter van der Jagt, Philippe Starck, Danny Lane, Jean Paul Gaultier, Issey Miyake and Rody Graumans... or about works that underline form or move away from the simple provocation requiring an exercise of decoding while creating an emotional relationship with the user, extolling its expressive, political, poetic and ironic values. Escaping from any categorization and defying the traditional boundaries between design, architecture and art, under the influence sphere of conceptual research led by Marcel Duchamp, Richard Artschwager, Donald Judd, Andy Warhol or Joseph Kosuth.The functionalist paradigm is proclaimed dead and experimentation, reinvention and conceptual research are exalted. We are seeing a reflection on the object itself and its usefulness, the cultural heritage of Design, image and value, relationship with the economic and productive system, nature of representation/meaning and its relationship with the word/concept. In result, Design is living a period of large creativity, becoming increasingly more diverse, lively, active and inclusive.

Bárbara Coutinho

Bárbara Coutinho (n. 1971) é Directora do MUDE – Museu de Design e Moda, da Colecção Francisco Capelo e Membro do Conselho de Gestão da Colecção Francisco Capelo. Professora Auxiliar Convidada (Instituto Superior Técnico) e colaboradora no Mestrado de Estudos Curatoriais (Faculdade de Belas Artes de Lisboa). Mestre em História da Arte Contemporânea, desenvolve doutoramento sobre fenomenologia do espaço expositivo. Curadora da exposição permanente do MUDE e das exposições É proibido proibir! (2009), Sementes, Valor Capital (2010) e 7 Ambientes/7 designers (2002). Autora de Sena da Silva, Designer (2009) e de Único e Múltiplo (2011), tem assinado ensaios e artigos sobre criação artística contemporânea, design, arquitectura e museologia. Tem participado em colóquios, seminários e júris. Curadora dos cursos de formação de arte/design/arquitectura e coordenadora do Serviço Educativo do Centro Cultural de Belém (1998 a 2006).

Bárbara Coutinho (b. 1971) is the Director of MUDE – Museu de Design e Moda, Colecção Francisco Capelo and Member of Francisco Capelo’s Collection Management Board. Invited Assistant Professor (Instituto Superior Técnico) and collaborator in the Curatorial Studies Master (Lisbon University). Master in Contemporary Art History, is developing a PhD on the phenomenology of the exhibition space. Curator of MUDE permanent exhibition, Sementes, Valor Capital (2010) and 7 Ambientes/7 designers (2002). Author of Sena da Silva, Designer (2009) and Único e Múltiplo (2011), she signed essays and articles on contemporary artistic creation, design, architecture and museology. Has participated in conferences, juries and seminars. Curator of courses about art/design/architecture and coordinator of the Centro Cultural de Belém’s Education Service (1998 to 2006).

projectos especiais special projects morte ao design! viva o design!

89

SERVIÇOEDUCATIVOEDUCATIONSERVICE

comunidade criativa creative community serviço educativo education service

Reforçando a dinamização cultural da Bienal EXD’11 na comunidade, o Serviço Educativo (SE) assume um papel mediador entre o público e os seus conteúdos. Como intermediário para o tema Useless, o SE promove a sua contextualização, interpretação dos conceitos curatoriais e a criação de diálogo. Face às mudanças constantes que se apresentam à sociedade contemporânea, é sua missão delinear novos caminhos metodológicos para actualizar saberes e experiências, respondendo aos desafios de forma versátil e flexível. Neste sentido são criadas actividades complementares ao percurso curricular ou profissional onde o debate, a reflexão e a criatividade são os pontos de partida fundamentais. As abordagens são transversais, de índole lúdica e participativa, reunindo vários contributos disciplinares para a compreensão do processo criativo projectual.

The Education Service (ES) reinforces the cultural drive of EXD’11 within the community, assuming a mediating role between the audience and the Biennale’s contents.Mediating the approach to the theme Useless, the ES promotes contextualization, the interpretation of the curatorial concepts and dialogue.Keeping up with the constant changes in contemporary society, its mission is to outline new methodologies to update knowledge and experience, answering challenges in a versatile and flexible way. From this perspective, complementary activities to the educational curriculum or professional practice are created, featuring debate, reflection and creativity as focal points. The approaches are transversal, both playful and participatory in their nature, bringing together various disciplinary inputs to the understanding of the creative process.

Programa Detalhado das Actidades do Serviço EducativoDetailed Programme of the Education Service Activitieswww.experimentadesign.pt

Marcações e Bilhetes Bookings and TicketsSeg - Sex Mon - Fri 10:00 — 18:00 +351 915 080 587+351 210 963 866edu@experimentadesign.pt

91

Em 2011, o programa educativo da EXD’11 propõe Workshops, Visitas Orientadas, Oficinas, Conversas temáticas, Open Day Abroad, Fóruns. Em paralelo são desenvolvidos itinerários criativos para grupos, com acompanhamento especializado, e também actividades online. O Serviço Educativo EXD’11 estabelece redes entre vários intervenientes: escolas, universidades (nacionais e internacionais), instituições culturais, associações e organizações governamentais. Convida estudantes, professores e profissionais (designers, arquitectos, editores, entre outros) a participar em actividades de grupo, apostando na partilha de conhecimento. Contempla também a participação de famílias em actividades ao fim-de-semana.

In 2011, the EXD’11 Education Service program offers Workshops, Guided Tours, Workshops, 8 Thematic Talks, the Open Day Abroad and Forums, simultaneously creative itineraries for groups, with specialized assistance, as well as online activities are developed.For EXD’11, the Education Service establishes networks between various agents: schools, universities (national and international), cultural institutions, associations and government organizations. The Education Service invites students, teachers and professionals (designers, architects, editors, etc.) to participate in group activities, focused on sharing knowledge. It also includes the participation of families in weekend activities.

wO

RK

SH

OP

MA

RC

O B

AL

ES

TE

RO

S

comunidade criativa creative community serviço educativo education service

ACTIVIDADES REGULARES —Diariamente, por marcação, nos locais de exposiçãoN.º participantes: Mín. 15 – Máx. 20

Visita orientadaPara todos os graus de ensino, público adulto e profissional, são visitas orientadas às exposições da Bienal EXD’11. As visitas são adaptadas a disciplinas e temas específicos numa lógica de debate transversal e participativo. Não limitadas a estudantes e profissionais do design, participe! Duração: 1h —

Visita + OficinaDestinadas a grupos escolares ou associativos, em cada núcleo expositivo da Bienal, desenvolveram-se oficinas pedagógicas adequadas às diferentes faixas etárias e com temáticas diversificadas. Duração: 1h30 —

ACTIVIDADES ESPECIAIS —Por inscrição, nos locais de exposição e Lounging Space

WorkshopOs workshops EXD’11 representam oportunidades de formação e actualização de conhecimento, para estudantes universitários e profissionais. Coordenados por especialistas nas áreas do design, arquitectura e artes visuais.

Conversa temáticaConduzidas por convidados especiais e partindo dos conteúdos das exposições o objectivo destes encontros é questionar e partilhar ideias, de forma viva e participativa, num diálogo que se estende ao público.

Open Day AbroadReúne diferentes universidades de países como a Suíça, Finlândia e Portugal, na apresentação dos seus programas, projectos e estratégias de ensino criativo nas áreas do design e da arquitectura. Convidamos toda a comunidade académica a participar.

FórumEncontro onde se convidam profissionais, teóricos, investigadores e o público em geral à reflexão sobre a temática da Cultura Material e Imaterial no contexto português.

REGULAR PRoGRAMME —Daily activities, conducted at the exhibition venues, booking requiredNo. participants: min. 15 – max.20

Guided TourAvailable for school groups or associations and professionals, at each of the core exhibitions of the Biennale. There are scripts for guided tours tailored to different age groups and with diverse themes directed towards debate and participation. Enriching for students of all areas, not just design! Duration: 1h —

Grupos escolares1º a 3º cicloSecundário

SuperiorProfissionais,

Associações, AdultosFamílias

School GroupsPrimary to middle school

High schoolUniversity

ProfessionalsAssociations, Adults

Families

Workshop toursAvailable for school groups or associations and professionals at each of the EXD’s core exhibitions. The Education Service has developed special educational handbooks and workshops tailored to different age groups and with diverse themes.Duration: 1h30 —

SPECIAL PRoGRAMME —By advanced booking, at the exhibition venues and the Lounging Space

Advanced workshopsEXD’11 Workshops are an opportunity to complement your knowledge in a specialized field or theme, for college students and professionals. They are coordinated by specialists in design, architecture and visual arts.

Open Day AbroadBrings together universities from different countries like Switzerland, Finland and Portugal, to present their academic curricula, projects and creative teaching strategies in the fields of design and architecture. We invite all the academic community at large to participate.

ForumTwo day meeting where students, guest professionals, theorists, researchers, artisans and the general public are invited to think about Material and Immaterial Culture, in the portuguese context.

93

© C

RY

ST

IA

N C

RU

Z

TANGENCIAISTANGENTS

Projectos independentes que se enquadram no âmbito da Bienal pela sua relevância, inovação e lógica conceptual, os Tangenciais afirmam a vitalidade da comunidade criativa portuguesa e de Lisboa enquanto pólo cultural dinâmico. Nesta edição, a EXD’11 acolhe um número recorde de mais de 60 Tangenciais. De destacar o significativo número de projectos que reflectem ou integram uma vertente de investigação ou debate crítico, numa nítida aposta na geração de novo conteúdo – material e imaterial – através de plataformas participativas.

Independent projects that fit into the Biennale’s scope due to their relevance, innovation and conceptual logic, the Tangents attest to the vitality of the Portuguese creative community and Lisbon’s position as a hotbed for boundary-pushing cultural practice. This edition, EXD’11 hosts a record number of over 60 Tangents. The number of projects that reflect or incorporate a strong feature of research or critical debate indicate the growing focus on new content generation - material and immaterial - through participatory platforms.

tangenciais tangents

95

PRé SEMANAINAUGURAL PRE OPENINGwEEKCartografias do ProcessoR2 & André TavaresAté Until 27 Nov10:00 – 20:00Encerra Seg Closed MonPalácio Quintela Rua do Alecrim, 70

Colectiva de design gráfico com criações inéditas de membros da AGI - Alliance Graphique Internationale. A exposição comissariada por R2 com André Tavares apresenta uma selecção de 64 cartazes da autoria de 55 personalidades mundiais do design, como Paula Scher ou Stefan Sagmeister. Um conjunto ímpar de representações gráficas que constituem mapas visuais do processo criativo, manifestos de reflexões, referências, técnicas e influências de marcado carácter autoral.

Collective communication design exhibition with creative works by members of AGI — Alliance Graphique Internationale. The exhibition curated by R2 with André Tavares presents a selection of 64 posters by 55 acclaimed graphic designers such as Paula Scher or Stefan Sagmeister. A set of graphic representations constituting visual maps with references, techniques and personal influences, manifesting different reflections on the creative process.

22 SETEMBRO19:00

IntrospectiveFilipe AlarcãoAté Until 15 Jan 2012Ter-Qui e Dom Tue-Thu and Sun10:00–18:00Sex-Sáb Fri-Sat 10:00–22:00Encerra Seg Closed MonMUDE – Museu da Moda e do Design Rua Augusta, 21

Introspective é uma viagem sincrónica no pensamento e modus operandi do designer Filipe Alarcão. Apresenta, na 3ª edição do Creative Lab, um conjunto de objectos diversificado em termos de escalas e grau de desenvolvimento: projectos em fase experimental e conceptual, séries limitadas bem como projectos preparados para produção industrial e outros que aqui são mostrados pela primeira vez. Respeitando a filosofia do Creative Lab, também o desenho da exposição e a concepção do livro que a acompanha, são fruto da reflexão e abordagem criativa do autor e do seu método de trabalho projectual.

Introspective is a synchronous journey through the process and modus operandi of the designer Filipe Alarcão. In the 3rd edition of Creative Lab, it presents a set of very diverse objects in terms of scale and stage of development: projects in their experimental and conceptual phase, limited series, projects ready for industrial production and others shown here for the first time. Respecting the philosophy of Creative Lab, the exhibition design and the design of the book acompanying it, are the product of the author’s thought process and creative approach and his working method in design project.

Vídeo Home SystemRuy Otero, Bruno Cecílio e Fernando FadigasAté Until 2 Out12:00 – 00:00Espaço NimasAvenida 5 de Outubro, 42B

É um evento que conjuga várias áreas artísticas em torno da cultura visual do sistema VHS que marcou os anos 80. Comissariada por Ruy Otero, Bruno Cecílio e Fernando Fadigas, VÍDEO HOME SYSTEM (VHS) resulta de um processo de criação baseado no diálogo entre mais de 40

artistas portugueses de diferentes gerações. A programação alia conteúdos permanentes - exposição-instalação nas zonas exteriores à sala de cinema - com estreias e sessões únicas de curtas-metragens, sessões de video-screening, performances de palco, a par de concertos de música experimental e Jazz. VHS termina com uma conferência ligada ao sub-tema do evento – Desobediência civil – na óptica das artes do espectáculo e suas linguagens actuais.

An event that brings together several artistic areas around the visual culture of the VHS system that marked the 80s. Curated by Ruy Otero, Bruno Cecílio and Fernando Fadigas, Video Home System (VHS) is the result of a creative process based on a dialogue between more than 40 Portuguese artists of different generations. The program combines permanent content - an exhibition-installation in the areas outside the movie theater – with single sessions and premieres of short films, video-screening sessions, stage performances, as well as concerts of experimental music and jazz. VHS closes with a conference connected to the sub-theme of the event - Civil disobedience – in the perspective of the performing arts and their current languages.

28 SETEMBRO00:00

Useless but not amuselessDesign playerswww.not-amuseless.comAté Until 27 Nov

Como interagir com um objecto que nos indica várias direcções? Quando a sua linguagem nos dribla a função? Entre o simples e o lúdico surgem objectos que nos deixam num impasse de escolhas múltiplas e nos fazem pensar sobre a sua função e na importante comunicação com o utilizador. A função tem uma voz ambígua. O ambiente cósmico remete para o futuro, mas nós prevemos objectos toscos, subtis e mais comunicativos. Surge assim um serviço de chá para um momento de pausa e reflexão, sendo o conceito desmistificado não só na utilização como também na forma que estes objectos expressam. No âmbito deste

projecto lançou-se um concurso para artistas e designers para a produção de objectos a partir da sua leitura deste conceito, expressando a sua previsão para os objectos do futuro.

How to interact with an object that points to multiple directions? When the object’s language confuses us about its function... Between simplicity and playfulness, some objects generate multiple choices, making us think about their function and the importance of the communication with the user. Function is ambiguous. The cosmic ambience directs us to the future, but we predict unpolished, subtle, more communicative objects. That is how this tea set came to be. Meant for a break or moment of reflection, its concept is desmystified not just through use but also through the objects’ expressed form. As part of this project a contest was launched among artists and designers to produce objects reflecting their interpretation of the concept and expressing their prediction of the objects of the future will look like. Portugal ImaginadoJoana & MarianaAté Until 27 Nov00:00–24:00 Todos os dias 24 / 7Montra Shopwindow Palácio Foz Praça dos Restauradores

Este projecto surge de uma investigação em curso e consiste num estudo histórico e crítico da identidade nacional através da análise e construção da produção gráfica desenvolvida em contexto português. Esta busca pela iconografia gráfica aborda os métodos de representação e promoção dos aparelhos de Estado, nomeadamente o Turismo, ao mesmo tempo que procura reflectir sobre a sua construção social e colectiva. A parte do projecto agora apresentado, iniciado em 2009, é um levantamento do nome Portugal na variação cronológica da sua expressividade e sentido.

This project emerges from an ongoing research, consisting in an historical and critical study of national identity, through the analysis and construction of graphic production developed in the Portuguese context. This search through graphic iconography deals with the methods of representation and promotion of government bodies, namely Tourism, while seeking to reflect on their collective and social construction. The part of the project now presented, initiated in 2009, is a survey of the chronological variation, in both expressiveness and meaning, of the name Portugal. RefiladorNada + thecommunicationofficeAté Until 28 Nov 00:00–24:00 Todos os dias 24 / 7Portugal

REFILADOR (Serviço Público para as Pessoas) é um projecto experimental de design social em formato linha telefónica que questiona a ideia da (in)utilidade da sua própria existência no actual enquadramento sócio-económico repleto de material “refilador”. Actua como agent provocateur de interacção que desafia ao acto de refilar e reflecte sobre a sua função e mais-valia social. Na abertura oficial da linha (28 de Setembro às 0h) o REFILADOR faz o convite nacional: Liga e deixa a tua mensagem (as chamadas são anónimas).

REFILADOR (Public Service for People) is an experimental social design project in the form of a phone line that questions the idea of the useless of its own existence in the current socio-economic environment, filled with reasons to complain about (in Portuguese, refilar). It acts as an agent provocateur of interaction that challenges people to engage in the act of complaining, reflecting on its role and social added value. At the official opening of the line (September 28 at midnight) REFILADOR puts out a nation-wide invitation: Call and leave your message (all calls are anonymous).

06:30

Um prédio na pradariaBruno CarvalhoSemana Inaugural Opening WeekEstações Metro Subway Stations Rossio, Restauradores, Cais Sodré, Terreiro Paço

tangenciais tangents

97

The Santini ice-cream shop is the perfect excuse for talking about design with the same delight that one tries the available flavors. The authors create a series of souvenirs that hide meanings dear to those who know by heart all the colors of these ice creams (or even to the ones that try them for the first time). They are simple (and maybe insignificant) objects that keep the precious memory of a spoonful shared on some sunny Summer afternoon. SOUVENIR is a visual installation that feeds itself from the pleasure of the useful act of creation, materializing in the useless pleasure of taking with us the range of flavors that wait us in the shop. Flavors tried and repeated over and over again now belong to us too— to remember some time later, on a boring Winter afternoon.

16:00

PedritaPedrita (Rita João e Pedro Ferreira)Até Until 28 NovPor marcação By appointment Qua Wed 16:00 – 18:00Estúdio PedritaCalçada do Tojal, 71A

Já houve outras histórias dos Pedrita que começaram com bolos e esta é mais uma. Até 28 de Novembro, todas as quartas-feiras entre as 16h e as 18h, convidam para o lanche. Bolo, sumo, café e conversa é o que sugerem para dar a conhecer o espaço do estúdio na Calçada do Tojal nº71A em Benfica. O objectivo é mostrar o que fazem, partilhar ideias e métodos de trabalho, contar e ouvir histórias, rever amigos ou colegas e conhecer outras pessoas.

There have been other stories from Pedrita studio that started with cakes... this is just one more. Till November 28, every Wednesday between 4 and 6pm, they invite you to tea with cake, juice, coffee and a chance to chat. This is an invitation

to visit their new studio at Calçada do Tojal nº71A in Benfica. The goal is to show what they do, share ideas, methodologies, ways of working, to both tell and listen to stories, catch up with friends and colleagues or meet new people.

17:00

SHoW ME - Design EditorsVários autores Several authorsAté Until 4 OutSeg - Sáb Mon - Sat 11:00 – 19:00Dom Sun 14:00 – 19:00Bairro Alto, Rua Diário de Notícias, 59

Marca de produção de design cuja finalidade é acompanhar, produzir e promover projectos cujo resultado se materializa em edições limitadas e peças únicas exclusivas da galeria Show me - design & art gallery, em Braga. Nesta exposição estão representados 15 designers e diferentes tipologias projectuais. Nas muitas expressões artísticas de uma actividade multidisciplinar como o design, procurar características diferenciadoras e apurar a sua coerência estética independentemente da vertente utilitária, em cada projecto e na posterior produção, é um dos objectivos Show me – design editors.

Show me - design editors is a design production trademark that aims at accompanying, producing and promoting projects in the design area. Its end results materialize in limited editions and unique pieces exclusive to the Show me – design & art gallery in Braga. This exhibition presents 15 designers and different design typologies. In the many artistic expressions of a multidisciplinary activity such as design, one of the goals of the Show me - design editor trademark is to look for differentiating features and determine their aesthetic coherence, regardless of their utilitarian aspects, in each project and its subsequent production.

18:00

Liminoid EcologiesFilipa ValenteAté Until 27 NovTer - Sáb Tue - Sat 10:00 – 20:00Seg Mon 14:00 - 20:00Loja gourmet Nuts&Spices Av. Maria Helena Viera da Silva, 31B

Um postal de uma casa numa pradaria portuguesa. Um ponto de partida.Através da técnica de corte e colagem são realizadas diversas paisagens utópicas, de tipologia urbana; construídas com materiais tradicionais para um novo contexto rural. “ ...no Portugal rural, do antigamente, a construção de casas era feita pela comunidade, num verdadeiro espírito de entreajuda. As pessoas andavam menos endividadas!”

A postcard from a house on a Portuguese prairie. A starting point.Through cut and collage technique, several utopic landscapes are made, within an urban typology; built with traditional materials for a new rural context. “...in the rural Portugal of the old days, houses were built by the community based on a true spirit of mutual assistance. People were less in debt!”

11:00

SouvenirCatarina Carreiras + Marta Villar Até Until 4 Out Seg - Dom Mon-Sun 11:00 – 00:00Gelataria Santini Rua do Carmo, 9

A geladaria Santini é a desculpa para se falar de design com o mesmo deleite que se experimentam os sabores. As autoras criam uma série de souvenirs que escondem significados queridos a quem conhece de cor as cores destes gelados (ou mesmo a quem experimenta pela primeira vez). São objectos simples (e talvez insignificantes) que guardam a memória preciosa de uma colherada partilhada em mais uma tarde de Verão. Souvenir é uma instalação visual que se alimenta do prazer útil de criar e se materializa no prazer inútil de levar connosco um espectro de sabores que espreitam na loja. Sabores que se experimentam, se repetem e que agora nos pertencem também - para mais tarde, numa aborrecida tarde de Inverno, recordar.

© G

US

TA

VO

MIL

LO

N

O projecto foi desenvolvido para o contexto de Downtown Los Angeles, onde um conjunto de agentes mediadores do ambiente são integrados no espaço urbano criando um “jardim liminoid”. Surge face à problemática dos espaços urbanos transitórios e à desertificação da cidade, quase exclusivamente votada ao automóvel. A intervenção propõe criar espaços de interacção com o contexto urbano, possibilitando ao habitante manipular a estrutura do jardim, que ao mesmo tempo apresenta um comportamento independente gerado pelas condições envolventes, como poluição e actividade nas ruas. Um jardim urbano interactivo que respira e se alimenta dos movimentos e actividades que ocorrem em tempo real na cidade.A exposição e o website incluem posters e desenhos ilustrativos do projecto e documentação/filme do protótipo, testado em Downtown Los Angeles.

This project was developed for the context of Downtown Los Angeles, where a group of environment mediating agents is integrated into the urban space to create “liminoid gardens”. It responds to the desertification of transient urban spaces and urban desertification, as cities are almost exclusively dedicated to cars. This intervention proposes urban spaces of interaction with the surrounding environment providing the city dweller with the opportunity to manipulate the garden structures in real time. At the same time the garden displays independent behavior, generated by the surrounding environment conditions such as pollution levels and street and pedestrian activity. The exhibition and website includes drawings/illustrations of the project in poster format as well as a video of the physical prototype that was tested in Downtown Los Angeles.

19:00

Ensaio EssayFilipe PintoInaugurações Exposições da EXD’11 EXD’11 Exhibition Openings

Ensaio_Essay consiste num livro com 20 páginas, impresso a preto e branco em 2011. Contém um ensaio

com o título “Para Que Serve a Arte?”. A função deste texto é ensaiar uma resposta à pergunta do título. Esta peça apresenta, por isso mesmo, uma estrutura em mise en abyme.

Ensaio_Essay consists of a twenty-page book, printed in black and white in 2011. It includes an essay entitled ‘What’s Art For?’ The function of this text is to try to answer its title’s question; therefore, the piece presents a structure close to a mise en abyme.

Most Things relate when they are in a circleJoana Astolfi & Lidija KolovratAté Until 12 OutSeg - Sáb Mon - Sat 12:00 – 19:00Sotão do Espaço Kolovrat Rua D. Pedro V, 79

Esta instalação é a criação de uma ‘loja’ no sótão do espaço Kolovrat, através de peças de mobiliário manipuladas, tornadas disfuncionais, ‘incapacitadas’, desfiguradas ou ‘absurdas’. A intervenção nas peças retira-lhes a função, criando uma nova relação entre objectos e público. O layout da instalação será em formato circular, onde as peças expostas, umas de Lidija e outras de Joana, comunicam directamente entre si, em lados opostos. Cada designer aborda o tema na sua perspectiva, ganhando as peças um poder “performativo”, directamente associado à arte do “display”.

This installation is the creation of a “shop’ in the attic of Kolovrat space using manipulated furniture pieces, renderend dysfunctional, disfigured, ‘incapacitated’ or ‘absurd’. The interventions on these pieces remove their function, creating a new relationship between them and the public. The layout of the installation will be in a circular format, where Lidija’s and Joana’s

pieces will be exhibited at opposite ends, communicating directly with each other. Each designer will approach the theme from her own perspective, endowing the pieces with performative qualities that are directly related to the art of ‘display’.

20:30

Objectos ReflectidosCátia Veríssimo, Maria Joana Monteiro & Oficina Design StudioAté Until 28 OutSeg - Sex Mon - Fri 10:00 – 18:30Largo Raphael Bordallo Pinheiro, 29, 2º

É um projecto onde vários designers industriais, com diferentes visões e metodologias, foram desafiados a transgredir com a utilização tradicional dos materiais espelhados. São explorados novos caminhos de utilização ao nível tecnológico e produtivo, estabelecendo novas e sustentadas relações entre designer e Indústria, promovendo o desenvolvimento económico. Divide-se em 3 fases: lançamento de um concurso nacional; convite a jovens designers emergentes a desenvolverem propostas de projecto sob o tema; e por fim a mostra de Design de Produto dos vencedores do concurso e dos designers convidados.

A multi-author project that gathers and challenges a group of industrial designers with different backgrounds and methodologies to be disruptive with traditional use of reflective materials. It explores new ways of using them on a technological and industrial level, setting new and sustained relationships between themselves and the industry, promoting economic development. The project was divided into 3 phases: launching of a national contest; inviting young designers to develop new projects under the theme; and finally the exhibition that will gather both winners of the contest and invited designers.

21:00

Coelhos AlentejanosPedrita (Rita João & Pedro Ferreira)Até Until 27 NovTer - Sex Tue - Fri 14:00 – 19:00Sáb Sat 11:00 – 14:00Galeria 56 Artes Rua D. João V, 56 Loja A

tangenciais tangents

99

sem objectivo aparente que não a experiência de experimentar. Tal criança perante um novo brinquedo, quando muitas vezes o uso dado supera o imaginado. O desafio lançado a Agualusa foi “encontrar” novos Inutensílios, escolhendo a “máquina para alisar nuvens e amaciar trovoadas”.

Jácome, the inventor of impossible things, is a character from José Eduardo Agualusa’s book “Estranhões e Bizarrocos”, that creates a series of Useless Tools. In this project we have faced a double challenge: to interpret the useless tools created by the writer and to find an approach or language that may fit this universe. A useless tool, by definition, has no use. But it may be tried, built, touched or merely observed, with no other purpose than the experience of the experience. Just like a child’s attitude towards a new toy, as he uses it in so many different ways that the function is surpassed by imagination. To find out new useless tools was the challenge proposed to Agualusa, choosing the “Thunder Softener and Clouds Smoothing Machine”.

LOUNGING SPACE —22:30

(in)útil Flúor

A Flúor, empresa fundada em 2000, dedica-se ao branding e ao design. Questiona: O que é o útil, o que é o inútil? Pensamentos filosóficos e sociais sobre conceitos de necessidade, consumo e produção são referência para procurar uma resposta e levantar novas questões sobre a prática projectual. Até que ponto o papel do designer pode beber destas reflexões e utilizá-las enquanto elemento percursor no seu trabalho? Pede-se neste contexto ao designer que estimule reflexões abrangentes, que tenham como pressuposto a colaboração e promovam a própria cultura do design.

Flúor is a design and branding company founded in 2000. It poses the question: What is useful, what is useless? Philosophical and social considerations on the concepts of necessity, consumerism and

production are the reference when looking for an answer and raising new questions on design practice. To what extent can the designer’s role absorb from reflections and use them as a precursor in his/her work? In this context, it is asked of the designer to stimulate comprehensive reflections, which assume collaboration and promote design culture.

Afixação permitidaPedro Soares Neves

Espaço onde é permitido afixar, livre de constrangimentos, elementos gráficos sem regra nem limite. Espaço de análise e exercício de leitura que se relaciona com outros fenómenos do espaço público, como situações onde é indicado “afixação proibida”. Contrapondo, aqui é sugerida a versão positiva “afixação permitida”. O exercício consiste na análise do desenho do espaço público, em particular no campo da comunicação que se desenvolve informal e espontânea. Por um lado aborda temas em torno das regras e sua subversão e por outro, foca a abertura que o desenho do espaço público deverá contemplar de forma a absorver positivamente todas as formas de apropriação.

It is a space where the posting of graphic elements is allowed, free of constraints, without rules or limits. A space for analysis and a reading exercise, which relates to similar phenomena in the public space, normally in situations where it is indicated “no posting alloud”. Here, its positive counterpart “posting allowed” is suggested. The exercise is to analyze the design of public spaces, particularly in the area of communication that develops informally and spontaneously. It addresses issues that revolve around rules and their subversion on the one hand, and on the other, it focuses on the openness that the design of public spaces should consider in order to positively absorb all forms of appropriation.

Esta é uma colecção que cresceu em torno de conversas, da memória da olaria, das pessoas, de São Pedro do Corval e dos coelhos que tomam conta da paisagem alentejana. A convite da 56 Artes, o estúdio Pedrita em conjunto com a Olaria Polido & Filho prepararam a 2a edição da colecção “Coelhos Alentejanos”. Assim como na 1a edição, realizada em 2004 no âmbito de uma acção de dinamização da Olaria de São Pedro do Corval organizada pelo Cencal, as peças agora apresentadas pela 56 Artes reflectem tipologias tradicionais e exploram novas ferramentas de decoração.

This is a collection that grew around conversations, the memory of pottery, the people of São Pedro do Corval and the rabbits that often take over Alentejo’s landscape. At the invitation of 56 Arts, Pedrita studio together with the pottery manufactureds Polido & Filho prepared the second edition of the collection “Coelhos Alentejanos”. As in the first edition, realized in 2004 in an initiative organized by Cencal for the preservation of Corval’s legacy, the pieces now presented at 56 Artes also reflect traditional typologies and explore new decorating techniques.

Inutensílios ExperimentáveisPedro America & Eduardo AgualusaAté Until 27 NovSeg - Sex Mon - Fri 10:00 – 19:00Sáb Sat 11:00 – 19:00A Linha da VizinhaAv. Cons. Fernando de Sousa, 27A

Jácome, inventor de coisas impossíveis, é uma personagem do livro “Estranhões e Bizarrocos” de José Eduardo Agualusa, que realiza uma série de Inutensílios. Este projecto encerra um duplo desafio: interpretar o conceito de Inutensílios criado pelo escritor e encontrar uma abordagem ou linguagem que se adapte a esse universo. Por “definição” um Inutensílio não tem utilidade. Mas pode ser experimentado (construído, manuseado ou apenas observado) ©

CR

YS

TIA

N C

RU

Z

# Another Contemporary ChairJoão Valente

Este projecto tem como ponto de partida a experimentação conceptual do objecto cadeira e existe enquanto conceito que contém a informação da sombra do próprio objecto. A cadeira é a peça de referência do designer, pois ao reflectir o pensamento de quem a desenha é a que melhor tem comunicado as diferentes correntes estéticas do design de produto. O projecto explora o conceito de Useless que possa estar associado a este objecto, criando assim um contraste entre o “vazio” da sala e a importância que a cadeira tem no espaço expositivo.

This project is based on a conceptual experimentation of the chair, existing as a concept that contains in its shape the information of the shadow of the object itself. The idea is that the chair functions as a reference piece, given how designers tend to use this object as a canvas to express their points of view, concerns and thoughts. The project explores the concept of Useless, which can be associated with this object, thus creating a contrast between the “emptiness” of the room and the importance that this chair has in the exhibition space.

Ben DinatWORKXFOOD

A colecção de objectos de vidro Ben Dinat (“Comer Bem” em catalão) é uma referência de presenças e ausências. São esculturas coleccionáveis que geram uma reflexão sobre o consumo: a memória do consumível, a realidade da embalagem vazia do seu uso e as possibilidades de adquirirem um novo valor. Este trabalho sobre objectos de consumo comum leva-nos a uma conexão formal com a produção de designers conhecidos, induzindo à ideia de luxo, aparente ausência de uso e valor de mercado ligados à autenticidade e autoria. Para os

autores, o valor do conteúdo é um factor tão ou mais importante que o do contentor.

The collection of glass objects Ben Dinat (“Eating Well” in Catalan) is a reference of presences and absences. These are collectible sculptures that generate reflection on consumption: the memory of the consumable, the reality of the empty package, its use and possibilities of acquiring new value. This work dealing with common consumption objects leads to a formal connection with the production of well-known designers, alluding to the idea of luxury, the apparent absence of use and market value linked to authenticity and authorship. For the authors, the content’s value is a factor as important or more important than that of the container.

Design ActEdited by Magnus Ericson & Ramia MazéDebate Lecture 30 Set 18:00 - 20:00

“Design Act, Socially and politically engaged design today - critical roles and emerging tactics” é um projecto que apresenta e discute práticas de design contemporâneo envolvendo questões políticas e sociais. Exemplo do pensamento crítico aplicado e táctica experimental, o processo por detrás do projecto é considerado como actividade curatorial, participativa e aberta. Vai ser apresentado e discutido o livro Design Act, que complementa este projecto. Contendo perspectivas históricas e contemporâneas, conduz à discussão de tácticas e temas emergentes e questiona o papel dos designers na actualidade. O livro é produzido por “Iaspis” em colaboração com o Interactive Institute, co-publicado pela Sternberg Press em 2011, e editado por Magnus Ericson e Ramia Mazé.

“DESIGN ACT Socially and politically engaged design today – critical roles and emerging tactics” is a project that presents and discusses contemporary design practices that engage with political and social issues. Itself an example of applied critical thinking and experimental tactics, the process behind the DESIGN ACT project is considered as a curatorial, participatory and open-ended activity.

The DESIGN ACT book complements the project, presenting historical and contemporary perspectives, a discussion of emerging themes and tactics, and platforms discussing the role of designers today. The book is produced by “Iaspis” in collaboration with the Interactive Institute, co-published by Sternberg Press in 2011, and edited by Magnus Ericson and Ramia Mazé.

La ClinicaCiszak Dalmas

La Clinica é uma colecção de mobiliário fabricado por artesãos de Madrid, lançada por Ciszak Dalmas em 2010. Compõe-se de peças de madeira maciça pintada, desenhadas para serem totalmente desmontáveis diminuindo assim o custo de transporte e espaço de arrumação. Surge da interacção entre jovens designers e artesãos experientes, combinando novas ideias com saberes centenários. Os 18 meses de investigação, desenho e experimentação resultaram num conjunto de peças que combina simplicidade formal e construção de elevada qualidade. Cada peça é eficiente, natural e única: uma homenagem à incrível técnica dos artesãos que dão vida à colecção.

In 2010 Ciszak Dalmas launched La Clinica, a collection of handcrafted furniture produced by local artisans in Madrid. Each piece is made from solid wood and painted with water-based colors. They are designed to be completely disassembled, lowering the costs of shipping and storage. La Clinica is based on the interaction between young designers and experienced artisans, combining new ideas with century-old know-how. Eighteen months of research, design and experimentation have led to a collection that combines simplicity of design and quality of production. Each product of this collection is simple, efficient, natural and unique: a testament to the amazing carpentry skills of the artisans, who give a “soul” to the furniture.

tangenciais tangents

101

ControlBernardo Gaeiras

Objectos manufacturados que se relacionam com a esfera tecnológica mas rompem com características-padrão do design: Inutensílios (2009) e Gizmo 2010, são peças que procuram associar-se ao pensamento de carácter operativo. Inutensílios inspira-se numa falsa arqueologia para se fazer passar por “objet trouvé”, e Gizmo 2010 faz alusão ao mundo tecnológico contemporâneo onde “gadgets” e interfaces são parte intrínseca de tarefas diárias. Gizmo 2010 incorpora 3 elementos iguais de forma a contextualizá-la em meios industriais de produção em massa. A peculiaridade das 2 peças é que, apesar de serem arquétipos de ferramentas funcionais, não assumem uma função específica. Simplesmente porque não a têm.

Manufactured objects that clearly relate to the technological realm but break with standard attributes of design. Examples that illustrate such an idea are Inutensílios (2009) and Gizmo 2010, which aim at conveying a direct association with operative thinking. Inutensílios draws inspiration from fake archaeology and seeks to disguise itself as “objet trouvé”, and Gizmo 2010 alludes to the contemporary technological world where gadgets and interfaces are intrinsic parts of everyday activity. Gizmo 2010 is made of three identical objects so to situate it in industrial means of mass-production. What is peculiar in both cases is that, although the objects are archetypes of functional tools, they do not assume a specific functionality. Simply because they lack one.

CoLoRS 79 “Collector”Sam Baron

No seu 20º aniversário, a revista COLORS dedicou o seu número de Inverno 2010-2011 a coleccionadores: aqueles que recolhem, organizam e catalogam a mesma tipologia de objectos. Criações da natureza, obras de arte, objectos de uso quotidiano, etc. Estes objectos de desejo, procurados, cobiçados, trocados, são o pretexto para uma viagem à história do design, das artes gráficas e da produção industrial, mas também aos hábitos, interesses e necessidades

humanos. COLORS 79 “Collector”, organizada por Sam Baron em colaboração com o Departamento de Design da Fabrica, é uma revista e também uma exposição internacional itinerante. Mostra-nos uma selecção de histórias e objectos compilados na revista. É uma revista que se pode ver, tocar e ler ao vivo e a cores.

In the year of its 20th anniversary, COLORS magazine decided to dedicate the 2010-2011 winter edition to collectors: those who amass, categorize and catalogue objects of the same type. Collectors of nature, works of art, everyday objects, etc. These objects of desire, refined, coveted and exchanged, thus become the pretext for a journey into the history of design, graphics and industrial production, and at the same time, into the habits, interests and needs of human beings. COLORS 79 “Collector”, edited by Sam Baron, in collaboration with the design department at FABRICA, is a magazine but also a travelling exhibition. Its a selection of stories and objects from the issue. It is now a magazine that you can see, touch, and enjoy live.

Edition of SixEdition of Six

Qual a fronteira entre artesanato e design? Esta exposição propõe uma resposta através da edição limitada de objectos de 6 designers internacionais, desenvolvidos com artesãos italianos. As qualidades típicas do “saber fazer” artesanal, como a escolha de materiais, o rigor no detalhe e o cuidado no acabamento, recebem novo olhar graças a propostas inovadoras dos designers. O trabalho artesanal tradicional completa-se com a pesquisa de novos campos de intervenção, através da experimentação da técnica, explorando novas tipologias e limites

Como recordar o que nunca aconteceuAmbas as duas + uma

É uma abordagem ao projecto de Design como ficção. A ideia parte da Lis’81 – Bienal Internacional de Desenho de Lisboa que, prevista para acontecer na Galeria Nacional de Arte Moderna de Belém, acabou consumida por chamas, durante a montagem, restando apenas o catálogo como modo de a ficcionar. Convidaram-se os artistas que há 30 anos “participaram” na Lis’81 a projectar para o não-acontecimento. O mote é recordar o que nunca aconteceu e como palco de exposição têm um espaço cultural de Lisboa que, actualmente, não exista, esteja devoluto ou tenha outras funções. A possibilidade de acesso a estes não-acontecimentos é através da produção de objectos de comunicação para as exposições/apresentações ficcionadas. A comunicação é aqui o único acontecimento.

It is an approach to the Design project as fiction. The idea stem from Lis’81 – The International Drawing Biennale of Lisbon, which was expected to take place at the National Gallery of Modern Art of Belém, but ended up consumed in a fire, during its installation, the only thing left is the catalogue, as a way of fictionalizing it. The artists that 30 years ago “participated” in Lis’81 were invited to design for the non-event. The idea is to reminisce on what has never happened, and as an exhibition stage has a cultural space in Lisbon that, nowadays, does not exist, was unoccupied or has other functions. The possibility of access to these non-events is through the production of communication materials for fictionalized exhibitions/presentations. Here, communication is the only event.

dos materiais. Com a colaboração da CNA Vicenza, Edition of Six é a continuação de “AAA - Cercasi nuovo artesiano” (2010), programa que ensaiou novas hipóteses de colaboração entre designers e artesãos.

Can craftsmanship go together with design? This exhibition approaches a new answer, introducing a limited edition of pieces by 6 international designers, made together with Italian artisans. Craft traditions and materials, careful high-quality finishing and attention to details receive new impulses from innovative design. Traditional craftwork is complemented by research into new action fields and applications expertising with techniques, new typologies and pushing the limits of materials. Organized in collaboration with CNA Vicenza, Edition of Six is the follow-up of “AAA - Cercasi nuovo artigiano” (New artisan wanted, 2010), a program that tested new avenues of collaboration between designers and artisans.

Eye for an eyeUVA

É uma reflexão sobre o consumo hedonista. Esbate-se o correlato entre capital e mercadoria, e desvitaliza-se o dinheiro da normal utilização para o celebrar enquanto objecto de prazer per se. As máquinas de venda de brindes, objectos por natureza excessivos, idealizados e orientados para o encontro com a surpresa – uma alternativa ao tédio do consumo – são o símbolo infantilizado de uma economia próspera e sedenta de objectos. Eye for an eye sublinha a inutilidade desta máquina, da sua utilização e da carga simbólica do dinheiro.

Eye for an eye is an insight into hedonist consumption. The relationship between capital and goods is fading, and money loses its value and regular use to instead celebrate itself as an object-of-pleasure, per se. Vending machines, by their very nature excessive objects, idealized and oriented towards momentary surprise – a substitute for the boredom of consumption – are infantile symbols of a thriving economy that is still thirsty for more objects to own. Eye for an eye

underlines the futility of this machine, its use and the symbolism of money.

HUGS: Hydroponic Urban Growing Systemwww.urbangrow.com

Aquaponia é um sistema simbiótico que surge da junção entre aquacultura (produção de peixe) e sistemas de cultivo sem terra (hidroponia). A Urbangrow instalou um módulo que combina os conceitos de Aquaponia, Vermiponia, Hidroponia Vertical e Cultivo de interior, reunidos numa proposta de modelo de Agricultura Urbana revolucionário, onde se pode produzir uma grande quantidade de vegetais e alguns peixes e crustáceos, de qualidade orgânica, com o mínimo de recursos de água, energia e espaço. O facto de se usar um sistema simbiótico reduz os custos: a fertilização de plantas é conseguida com os dejectos dos peixes; a filtragem da água dos peixes, é efectuada pela plantas.

Aquaponics is a symbiotic system that arises from the junction of aquaculture (fish production) and growth systems without soil (hydroponics). The Urbangrow installed a module that combines the concepts of Aquaponics, Vermiponics, Vertical Hydroponics and indoor growing, cobined in a proposal for a revolutionary model of urban agriculture, which can produce a large amount of vegetables and some fish and crustaceans, of organic quality, with minimal water resources, energy and space. Using a symbiotic system reduces costs: the fertilization of plants is achieved with fish waste, the water for the fish is filtered by the plants.

JoIoColectivo Joio

A exposição JOIO surge da vontade de vários designers recém-licenciados mostrarem o seu trabalho, revelando

as características e qualidades individuais de cada elemento do grupo. Depois da primeira mostra nos antigos Silos de cereais das Caldas da Rainha, foi feita uma actualização aos trabalhos e um convite a novos reforços com o objectivo de se mostrarem no seu melhor durante a Bienal EXD’11.

The exhibition JOIO derives from the wish of several designers who recently graduated from college, to show their work, revealing the characteristics and individual qualities of each element of the group. After the first showcase at the old Grain Silos in Caldas da Rainha, they updated their works and invited new elements with the purpose of showing themselves at their best during the EXD’11 Biennal.

Linha BrancaMade Out Portugal

Linha Branca assume um conjunto de intenções, traduzidas em projectos indefinidos, temporariamente de cor branca no contexto da exposição. São ideias ausentes de marca e sem linha de produção - projectos Useless! Uma exposição de ideias pensadas para um contexto português e que procuram uma colaboração com Portugal - projectos Useful! Linha Branca é uma proposta da plataforma Made Out Portugal e um desafio a designers portugueses actualmente a residir no estrangeiro, para desenvolverem projectos pensados fora e sentidos por dentro.

Linha Branca assumes a group of intentions translated into undefined projects, temporarily colored white in the exhibition’s context. Ideas without a settled production line or label – Useless! An exhibition of ideas thought out for the Portuguese reality and looking to collaborate

tangenciais tangents

© M

AN

UE

L A

MA

RA

L N

ET

TO

103

with usefulness”, questioning the “uselessness” inherent to the presence and absence of a jewel, either on the body or in society.

Processo nº2010/11ESAD.CR

Exposição de uma selecção de trabalhos dos 2 últimos anos desenvolvidos por alunos das Licenciaturas em Design da ESAD.CR. Exemplos das abordagens variadas dos cursos, estes projectos são fruto de exercícios pensados por professores ou resultado do processo individual de aprendizagem. A prática pedagógica centra-se no fazer, onde a actividade projectual assume um papel central. Os projectos são realizados até à execução, desenvolvendo capacidades de reflexão crítica e concretização, fundamentais na prática do design. Alguns são de natureza experimental outros respondem mais directamente ao contexto profissional, numa atitude crítica e proactiva face à actualidade.

Exhibition of a selection of works from the last two years, developed by design students from the ESAD.CR. Examples of the different curricular approaches, these projects are the result of exercises designed by teachers or the result of the individual learning process. The teaching practice focuses on “doing”, where project-oriented activity is central. The projects are developed to implementation, developing skills for critical reflection and completion, the basis for design practice. Some have an experimental nature, others respond more directly to the professional context, in a critical and proactive attitude towards the current context.

Projeto coração / razãoGregory Brunisholz / Anaïde Davoudlarian

O projecto questiona o facto de alguns objectos ocuparem lugar no nosso coração. Para base de reflexão escolheu-se um estendal da roupa, visto ser um exemplo de objecto que não suscita grandes sentimentos. O produto é concebido de modo a ser o mais discreto e eficiente (dobrável/arrumável = período de vida useless). Os autores lançam a hipótese de que entre o design e o uso se origina um ciclo que tende a manter o objecto numa posição desagradável. Ciclo que pode ser quebrado ao dar uma presença real ao objecto dentro do habitat. O projecto propõe uma visita através de desenhos e instalações que destacam a poesia deste produto pouco convidativo.

The project questions the fact that some objects have a place in our hearts. As a basis for reflection, a drying rack was chosen, as an example of an object that doesn’t stir any significant sentimental attachments. This product is always designed in order to be as discreet and efficient as possible (foldable/storeable = useless period of life). The authors hypothesize that between design and use, a cycle is created which tends to keep the object in an unpleasant position. This cycle can be interrupted if we decide to give this object a real presence within the habitat. Projecto coração/razão proposes a journey through drawings and installations that highlight the poetry of this uninviting product.

Reflection Toni Grilo

Apresenta uma seleção de mobiliário desenvolvido no último ano, em parceria com uma fábrica do Norte de Portugal. A pesquisa alia uma reflexão estética e técnica à volta de um material único, o Aço Inox, sempre com a visão da realidade de uma marca num contexto de mercado. As peças tomam forma de espelhos volumétricos, esculturas onde o material foi trabalhado à mão, sendo polido durante horas até reflectir o mundo à sua volta.

Features a selection of furniture developed in the last year, in partnership with a factory in northern Portugal. The research combines a technical and aesthetic reflection around a single material, the stainless

with Portugal – Useful projects! Linha Branca is a proposition from the Made Out Portugal Platform and a challenge to Portuguese designers currently residing outside Portugal, to design ideas thought abroad and felt within.

PIN AnonimumPIN - Associação Portuguesa de Joalharia Contemporânea

Compõe-se de 3 partes: repto internacional para realizar um pin sob o tema “Useless”; exposição anónima; venda, angariando fundos para a PIN. Um work/expo in process que começa por apresentar uma colecção de pins de autores de múltiplas disciplinas. Também o público pode realizar o seu pin para exposição. Os pins são doados à PIN e vendidos por um valor simbólico. Só após a venda se divulga o autor. PIN questiona o valor do objecto enquanto obra plástica per se, independente da mais-valia autoral bem como do valor material intrínseco. É o reavaliar de conceitos - e preconceitos - ligados à utilidade, questionando a “inutilidade inerente” à presença e à ausência da jóia no corpo e na sociedade.

The project is composed of 3 parts: the launch of an international challenge to make a pin under the theme “Useless”; an anonymous exhibition; sale as a form of fund raising for PIN. This is a work/expo in process starting with the presentation of a collection of pins created by authors from multiple disciplines. Audience members are invited to make their own pin, which will later also become part of the exhibition. The pins are donated to PIN’s collection and sold for a symbolic price. Only after the sale is the pin’s author revealed. Thus, PIN’s intention is to question the value of the object as a creative plastic work per se, independent of values such as authorship and material worth. PIN hopes to contribute to”the re-evaluation of concepts - and prejudices - connected

steel, always with the vision of the reality of a brand in a market context. The pieces take the form of volumetric mirrors, sculptures where the material was worked by hand, being polished for hours to reflect the world around.

Step into my officeGonçalo Campos

Este é um convite para visitar o espaço de trabalho de um designer, com todas as ferramentas que utiliza e objectos que o rodeiam, contribuindo para um clima propenso à criação. Um estúdio em plena função, onde se poderá conversar com o designer e testemunhar todo o percurso de projecto, desde esboços iniciais até aos produtos finais, compondo um espaço que varia entre o processo e o resultado, entre o caos e a ordem.

This is an invitation to visit the work space of a designer, surrounded by all his tools and objects that inspire, providing the perfect climate for creation. A working studio where one can dialogue with the designer to understand the entire course of the project, from the early sketches to final products, making for a setting that shifts from process to results, chaos to order.

Typography in architecture: Useless artifacts or useless to care about ?Exposição Exhibition Workshop 29 Set:Joana Lessa + Paulo T. SilvaRuben Dias, Ricardo Santos, Luís Ferreira, Manuel Leça

Este projecto centra-se em artefactos que veiculam desenhos tipográficos e/ou letterings que consideramos contributos valiosos para a construção da identidade e história do lugar urbano, pelas sua presença temporal, qualidade do desenho

e relação com o espaço. Face ao seu silencioso desaparecimento dos lugares de origem e perda de ligação à função original, é urgente reconhecer o seu valor patrimonial. Não reflectem estes artefactos uma história artística/gráfica/tipográfica, que justifica a sua manutenção, renovação, e sobretudo classificação? Ou deveremos descartá-los como parte de um momento e função que chegaram ao fim? A exposição e workshop propostos centram-se nestas questões.

This project focuses on artifacts that transmit typographic designs and/or letterings, seen as valuable contributions to the construction of identity and history of the urban space, given their presence in time, the quality of the design and their special relation. Faced with the quiet disappearence of these artifacts from their original places and loss of connection from their intended function, it is essential to acknowledge their heritage value. Don’t they reflect an artistic / graphic / typographic history that justifies their preservation, renovation and above all their classification? Or should we discard them as part of a moment and function that have come to an end? This exhibition and workshop will focus on these questions.

USMACabracega + André Gonçalves

A tendência mundial de desertificação rural é sentida também em Portugal, onde a população urbana continua a crescer a um ritmo de 1.5% ao ano. O mundo urbano, onde tempo é dinheiro e cada segundo conta, move-se cada vez mais rápido. Usma funciona como um relógio mas sem interface visual, apenas emitindo o som dos sinos de igreja a cada 30 minutos. Pretende-se assim trazer a noção e visualização de tempo próprias de um contexto rural para o contexto urbano, num objecto que para além do som não terá qualquer referência temporal.

The worldwide trend of rural depopulation is also felt in Portugal, where the urban population continues to grow at a rate of 1.5% per year. The urban world, where time is money and every second counts, moves increasingly faster. Usma works as clock but without visual interface, only playing the sound of church bells every 30 minutes. The goal is to bring the notion and perception of time from a rural contenxt to an urban one, with an object that will have sound as its sole reference to time.

WallRui Aleixo

Mais do que o mural resultante da justaposição de postais – aparentemente idênticos, mas individualizados no reverso – a acção de longa duração da instalação (por parte do artista) e a sucessiva desinstalação (por parte do visitante) são a imagem resultante em Wall. A forma padronizada sofre constante transformação desde o começo da instalação até que dela reste apenas a sua memória e documentação. O projecto funciona como uma máquina em que todas as engrenagens são visíveis. Na sala encontram-se materiais de apoio à acção e indica-se o custo de produção de cada módulo do padrão. O visitante pode escolher as parcelas (postais) que deseja retirar da parede e contribuir para que o artista deixe de ser o mecenas. Ao ser concluída a desinstalação, o trabalho terá um custo zero para o artista.

More than the wall resulting from the juxtaposition of postcards – apparently identical, but individualized in the back – the longdrawn action of the installation (by the artist) and subsequent disinstallation (by the visitor) are the resulting image in Wall. The standardized form undergoes constant transformation from the start of the installation until nothing remains of it except its memory

tangenciais tangents

105

Branca-Lisboa is a new label of home furniture and accessories that introduces a product collection where each piece is the result of an experimental approach, based on detailed research into the aesthetic and structural qualities of materials. Taking pride in working with highly skilled craftsmen, it combines their experience and expertise with the latest digital production tools. The Branca-Lisboa products represent design culture, as each one is the result of an ongoing dialogue and experiments between the craftsman and the designer. By uniting Portuguese craft traditions with contemporary aesthetics, Branca-Lisboa hopes to rekindle the spirit of a bygone era, when produts were developed with integrity, experiencia and knowledge.

Coralie Bickford-SmithAté Until 25 Nov Seg - Sex Mon - Fri 9:30 – 19:00Espaço BÁRua do Barão, 10

Nesta exposição, Luis Royal levanta uma série de questões sobre o trabalho de Coralie Bickford-Smith para a Penguin Books, relacionando-o com o tema Useless: “Numa era tecnológica, em que os livros virtuais conquistam cada vez mais leitores, que sentido faz continuar-se a desenhar e a produzir livros em papel?”; “Poderá o design transformar o livro num objecto, com uma memória e uma vida, perto da realidade dos nossos objectos?”; “O que motiva Coralie, uma designer com a sua idade, a perseguir linguagens de outras épocas e a transformá-las em capas de livros? Podem os clássicos continuar a ter abordagens novas e contemporâneas na nossa sociedade virtual? Quão úteis podem ser?”

In this exhibition, Luis Royal raises a series of questions on the work of Coralie Bickford-Smith for Penguin Books, in relation to the theme Useless: “In a technology era, when e-books get more and more readers, what sense does it make to continue designing and producing paper books?”; “Can design transform a book into an object, with a memory and a life, close to our objects’ reality?”; “What motivates Coralie, a young designer, to pursue languages of other times and transform them into book covers? Can the classics still have a new and contemporary approach in our virtual society? And how useful can they be?”

18:00

Luxury DesignSílvia TundidorAté Until 27 NovSeg - Sex Mon - Fri 10:00 – 19:00Ourivesaria Sarmento Rua do Ouro, 251

Exposição das colecções Gorgeous, Rainbow e Blues num espaço de Arquitectura Pombalina, em simbiose com o requinte e charme natural das peças. Pretende aliar formas e técnicas do passado, à arte e design contemporâneos. Acreditando na junção da tecnologia com técnicas de fabrico tradicional e artesanato criativo, conferindo um carácter único, inovador e surpreendente, de elevada qualidade e diferenciação de valor acrescentado ao design. Demonstra-se que é possível ter e usar arte de forma funcional num espaço doméstico, personalizando os ambientes e destacando divisões, numa re-interpretação do mobiliário.

An exhibition of the collections Gorgeous, Rainbow and Blues set in a “Pombalina” architecture space, in symbiosis with the natural refinement and charm of the works. It seems to combine forms and techniques from the past, art and contemporary design. Believing in the joining of technology, traditional handmade techniques and creative crafts, to archive a unique, innovative and surprising character, one whose quality and differentiation, adds value to design. It shows that it is possible to own and use a functional form of art in a domestic space

and documentation. This Project works like a machine in which all gears are visible. In the room the materials to perform the activity are gathered and the production cost for each pattern module is clearly indicated. The visitor can choose the portions (postcards) he/she wants to remove from the wall and contribute accordingly so the artist ceases to be the patron. Once it has been completely taken apart, the work will have zero cost for the artist.

29 SETEMBRO17:00

Branca-LisboaMarco Sousa SantosAté Until 9 Out 11:00 – 20:00 BCT Design Store Largo do Príncipe Real, 20

Branca-Lisboa é uma nova marca de mobiliário e acessórios domésticos, que apresenta uma colecção de produtos onde cada peça resulta de uma abordagem experimental, apoiada na análise das qualidades estruturais e estéticas dos materiais. Fazendo ponto de honra em trabalhar com artesãos de alta qualidade, combina a experiência e conhecimento destes com as novas tecnologias digitais de produção industrial. Os produtos Branca-Lisboa refletem cultura do design e cada objecto resulta de um diálogo entre designer e artesão. Unindo a tradição artesanal à estética contemporânea, Branca-Lisboa espera reeditar a atitude de integridade, experiência e conhecimento com que noutros tempos os produtos utilitários eram desenvolvidos.

© M

AR

CO

SO

US

A S

AN

TO

S

by customizing the environment and highlighting rooms in a new interpretation of furniture.

19:00

o Paradigma entre Livre Arbítrio e JuízoIpotz StudioAté Until 27 NovTer - Sáb Tue - Sat 10:00 – 20:00Av. de Ceuta, Ed. Alcântara Rio, 5 A/B

Numa sociedade aparentemente aberta, transparente, globalizada constata-se a progressiva e abrupta opacidade das relações interpessoais. É difícil criar o próprio caminho, fazer escolhas e lidar com juízos de valor de terceiros. Procurar uma nova identidade, construindo um novo “eu” alicerçado num mundo imaginário e criativo é fundamental. É importante estabelecer uma dialéctica entre conceitos como: da Ideia à Matéria, do Sagrado ao Profano, da Ética à Estética. Vivemos numa sociedade em que dificilmente se distingue o que se pode, o que é imposto e o que se quer, sem ter a noção do que é útil, inútil e quiçá fútil. Desta forma estabelece-se e representa-se a dualidade entre mundos distintos, mas simetricamente reflectidos: um criativo (opaco) e um real (transparente). A liberdade de escolha, opinião e juízo final de cada indivíduo, é a grande questão desta intervenção.

In a seemingly open, transparent, globalized society we encounter a progressive and abrupt opacity in interpersonal relationships. It is difficult to create your own way, to make your own choices and deal with other people’s judgment. To search for a new identity, building a new self rooted in an elusive and creative, imaginary world is crucial. It is important to establish a dialogue between concepts such as: from Idea to Matter, from Sacred to Profane, from Ethics to Aesthetics. We live in a society where it is difficult to distinguish what can be done, what is compulsory and what is desired, of each individual notion of what is useful, useless or even futile. In this way we establish and represent the duality between different yet symmetrically reflected worlds: one creative (opaque) and one real (transparent). The freedom of choice,

the opinion and the final judgment of each individual, is the big issue to be taken into account in our intervention.

FáBRICA DO BRAÇO DE PRATA —Rua da Fábrica do Material de Guerra, 1 19:30

A Bolha InvisívelLe Journal de la Maison Até Until 27NovQua - Qui Wed - Thu 20:00 – 02:00Sex e Sáb Fri and Sat 20:00 - 04:00

O projecto A Bolha Invisível tem como ponto de partida a reutilização da cabine telefónica. Este objecto cada vez mais em desuso é visto como uma bolha, um espaço individual de conforto e segurança. Estes, por sua vez, estão colocados num espaço exterior amplo, a esplanada da Fábrica Braço de Prata. Cada cabine apresenta uma instalação site specific, cujo principal suporte é a fotografia. O espectador é convidado a interagir e explorar os trabalhos, que abordam o tema da distância e da comunicação interpessoal.

The project “The Invisible Bubble” has, as a starting point, the reuse of the phone booth. This object, which is increasingly falling into desuse, is seen as a bubble, an individual space of safety and comfort. In turn, these are placed in an ample exterior space, the terrace of the Fábrica Braço de Prata. Each phone booth presents a site specific installation, whose main medium is photography. The visitor is invited to interact and explore the works on display, which encompass the themes of distance and interpersonal communication.

Folha de rascunhoEnabelAté Until 27NovTer - Qui Tue - Thu 18:00 – 02:00Sex e Sáb Fri and Sat 18:00 - 04:00Dom Sun 15:00 - 00:00

Tal como a folha de rascunho que amarrotamos e aparentemente não serve para nada, algo foi escrito e pensado para desenvolver uma ideia. Este projecto faz a ligação entre a folha de papel em branco, início da criação, e a sua perda de utilidade, ao ser lançada no lixo após usada, escrita, rabiscada, passando de suporte útil a ferramenta inútil. Será que estas folhas rejeitadas estão inutilizadas? Este é o ponto final do seu percurso e já nada podemos fazer delas? Interrogamo-nos se com elas irá alguma coisa que temos medo de perder... Então desdobramo-las, abrimo-las e, quem sabe, damos início a uma descoberta e a um novo momento de criação, abrindo o desafio ao conhecimento.

Just like a draft sheet that we have crumple and serves no apparent purpose, something was thought and written to develop an idea. This project makes the connection between the blank sheet of paper, the starting point for creation, and its loss of usefulness when thrown in the trash, after having been used, written and scribbled on, going from a useful medium to a useless tool. Are these discarded sheets of paper useless? Is this the end of their journey, when there is nothing else we can use them for? We wonder if along with them goes something that we fear to lose... So then we uncrumple them, we open them, and maybe we find a new beginning, a new possibility of discovery, a new moment of creation, opening up the challenge to knowledge.

LightNessJoana Guedes Cabrita MartinsAté Until 27NovQua, Qui e Dom Wed Thu and Sun 18:00 – 02:00Sex e Sáb Fri and Sat 18:00 – 04:00

Lightness - bebe um café e ilumina-te… é a concretização de ideias que surguram há 3 anos, que têm vindo a ganhar corpo. Embora nunca tenha sentido o aroma dos cafés Nespresso, as cápsulas fascinaram a autora pela cor, brilho, forma, tamanho… perfeitas ou… um perfeito desperdício. Na era do consumo vs ecologia, a reutilização destes objectos foi adquirindo variados contornos até se fazer “luz” e dar forma a diversos novos objectos.

tangenciais tangents

107

formas individuais que não são determinadas pela designer, mas pelas possibilidades programadas no material. Os materiais afeiçoam-se ao corpo que revestem atingindo a forma final consoante o uso. Respeitar as diferenças na expressão física do indivíduo é o caminho para encorajar a tolerância e a diversidade.

WEAROUT emerges from a social study on the function and use of clothing. Clothes are the most visible and immediate manifestation of the self but they also convey the values of society and give away precious information about its context. Is it possible to approach fashion design without imposing a certain fashion-dictated model? Since movement is as individual as our fingerprints, a design that takes into account motion becomes singular to each person. The mechanism applied to the fabric breaks when there is pressure and adjusts to the wearer. By using movement as a catalyst forchange in the object, the garment achieves its final shape once each person has used it. Valuing differences and respecting individual specificities is the best e path to encourage tolerance and celebrate diversity.

LESSPedro Sottomayor Inauguração Opening 20:00Até Until 5 NovTer - Sex Tue - Fri 10:00-19:00Sáb Sat 15:00-19:00 WHO Galeria Rua Luz Soriano, 71

A questão da utilidade poderá ter uma conclusão dicotómica como ser ou não ser, preto ou branco. Sob a perspectiva do uso dos recursos materiais do planeta e sua finitude, as respostas tornam-se complexas. A exposição “LESS”aborda o tema jogando com as leituras que poderá ter como “USE LESS”. Sob o ponto de vista da economia de recursos ou de comunicação, na medida em que o abuso e/ou excesso de utilização de recursos materiais, ou de linguagem, poderão ter resultados inúteis, o abuso é compreendido como uso

em demasia do que é estritamente necessário; o designer propõe a fronteira entre útil e inútil. “LESS” apresenta peças inéditas que perdem o excesso que as compõe, mantendo a funcionalidade.

The question of usefulness may have a dead conclusion, such as to be or not to be, black or white. Under a perspective of earth’s material resources’ use and their finitude, the answers complexify. The ‘LESS’ exhibition approaches the theme by playing with the various possible readings, such as ‘USE LESS’. From the viewpoint of an economy of resources or communication, in that abuse and/or an excessive use of material resources or language may have useless results, abuse is understood as the excessive use of what is strictly necessary; the designer proposes this boundarie between useful and useless. ‘LESS’ presents new works that lose the excess that forms them, maintaining their function.

PLATAFORMA REVÓLVER —Rua da Boavista 84 – 2º

22:00

Elogio da SombraAndreia Tocha Até Until 10 NovTer - Sáb Tue - Sat 14:00 – 19:30

Um apresentação de “objectos de luz” criados a partir do conceito de Bruno Munari “Das coisas nascem coisas” em que a plataforma de criação é a reutilização. Os objectos são feitos na sua maioria, de desperdícios, como embalagem de pastilhas elásticas, garrafas ou até botões e toda esta matéria-prima origina um novo objecto e nova função. As luzes/sombras produzidas conferem um forte sentido estético à peça, formando padrões semelhantes a bordados na parede. Estes efeitos são também uma componente explorada no projecto, em que as sombras são desenhadas e expostas, criando uma imagem independente do objecto.

This is a presentation of a series of “light objects” that originate in Bruno Munari’s concept : “Things born from things”, in which the basis of all creation is reutilization. In this installation, the objects have been

Reutilizar cápsulas na composição de estruturas de iluminação, parte do imaginário de todos, dos clássicos lustres até à iluminação contemporânea, é o mote da exposição que se propõe que os visitantes degustem... Num jogo de palavras, fundem-se 2 conceitos inerentes às peças levando a um terceiro: lightness (leveza) = Light (luz) + ness (nespresso).

“Lightness- drink a coffee and be illuminated... is the materialization of ideas that came to life 3 years ago and have been taking shape since then. Although the author never felt the aroma of the Nespresso coffee, she has always been fascinated by their capsules color, shine, shape, size... Perfect or... a perfect waste. In the era of consumption vs ecology, the reuse of these objects acquired varied contours until “light” appeared, shaping severalnew objects. Reusing capsules in the composition of lightning structures, part of a collective imaginary, from classic chandeliers to contemporary lightning, is the theme of the exhibition that visitors are invited to savour... In a wordplay, the fusion of 2 concepts closely related to the objects exhibited leads to a third: lightness = Light + ness (nespresso).

WEARoUTCarolina ReisAté Until 27NovTer - Qui Tue - Thu 18:00 – 02:00

WEAROUT nasce de um estudo social sobre a função e o uso do vestuário. Se o discurso da moda actual valoriza a expressão individual, a verdade é que ela continua a ser um modelo de uniformização, identificação e estratificação social. Será possível criar vestuário sem impor uma moda? A exposição apresenta peças de vestuário que quando usadas se transformam segundo o movimento do corpo. Este processo revela

© N

IC

HO

N G

LE

RU

M

created from everyday materials like chewing gum packs, bottle or even buttons, and all these materials give life to a different object and an unexpected function. The light and shadows produced by these assemblages confer a strong aesthetic sensibility, many of them producing patterns and motifs which have the appearance of being stitched onto the surrounding environment. These subsequent effects are a further component explored in this project, in that the shadow plays are exposed and drawn as an image independent from their source object.

MáquinaGBNTAté Until 15 OutTer - Sáb Tue - Sat 14:00 – 19:30

Reflexão sobre a “Máquina” enquanto metáfora de “coisa que transforma uma coisa noutra”, sob a forma de um “metaprojecto”, um projecto sobre o projecto. É a diferença entre uma abordagem científica do “Projecto” e uma abordagem auto-performática de tipo artístico. Tem como fim definir o futuro do “Projecto” e adaptar a metodologia de análise e de trabalho, fazendo progredir em cada projecto a “Cultura do Processo” a empregar. Porque cada projecto se insere em contextos únicos de recursos, autoria, produção, tecnologia, prazos, públicos, etc, actuando em cenários complexos e em constante mutação, a metodologia do design não pode permanecer invariável ou estática, tem que ser dinâmica, repensada, re-inventada.

Reflection on the “Machine” as a metaphor for “a thing that turns one thing into another”, presented as a “metaproject”, a project about the project. It is the difference between a scientific approach to the “Project” and an artistic self-performative approach. Its goal is to define the future of the “Project” and adapt the methodology of analysis and work, advancing in each project the “Process Culture” to apply. Since each project is involved in unique contexts regarding resources, authorship, production, technology, timelines, audience, etc, acting in complex and ever-changing scenarios, the design methodology cannot remain unchanged or static, it has to be dynamic, rethought, reinvented.

30 SETEMBRO17:00

G.ptGonçalo PrudêncioAté Until 15 OutSeg - Sex Mon - Fri 07:45-19:00 Leitaria Camponeza

Rua dos Sapateiros 155-157Um projecto de mobiliário concebido, produzido e vendido pelo GPOD | Gonçalo Prudêncio Office for Design. Inspira-se naquilo que o movimento Indie representa na Indústria Musical. Ao manter-se independente, conquista o espaço necessário para a reflexão e para a definição do seu conjunto de regras operacionais - formais mas não só. Neste caso, mais do que formal, a reflexão incide nos aspectos de ordem social e económica intrínsecos à Indústria Manufactora. O projecto aposta em perceber a forma como os produtos chegam ao cliente final e o seu impacto social e ambiental, bem como a qualidade dos mesmos e dos mecanismos necessários à sua obtenção. O projecto tem 4 premissas orientadoras base - Economia de Escala; Customização em Massa; Glocal e Ética.

G.pt is a furniture project designed, manufactured and sold by GPOD | Gonçalo Prudêncio Office for Design. It is inspired on what Indie means to the music industry. By remaining independent it conquers the necessary space for pure reflection, and for defining its own set of operating rules - aesthetic and otherwise. Its reflection, more than formal, focuses mostly on the social and economic aspects surrounding the design industry. It is aimed at understanding quality and the necessary mechanisms to achieve it, as well as how design products become part of everyone’s life. The project follows 4 structutral premises - Ecolomy of Scale; Mass Customization; Glocal and Ethical.

18:00

BeautifullessSam BaronAté Until 10 OutSeg - Sáb Mon - Sat 10:00 – 19:00 Vista Alegre Largo do Chiado, 20-23

É uma colecção limitada, desenvolvida pelo designer francês Sam Baron e a Vista Alegre, fabricante de porcelana de projecção internacional. Consiste num conjunto de peças rejeitadas por estarem for a dos padrões de qualidade. Objectos com fendas, formas irregulares e colagens aleatórias são recuperados pelo designer com elementos decorativos do reportório da VA. As peças adquirem assim um novo valor, são elevadas a um novo paradigma estético sendo-lhes conferida uma nova utilidade. Esta série representa a fragilidade, humanismo e complexidade da porcelana, um material delicado que requer um conhecimento e paciência profundos.

Introducing a limited collection developed by French designer Sam Baron and Vista Alegre, a porcelain manufacturer of international standing. It consists of a set of pieces rejected for not fitting into the quality standards. The designer recovers objects with cracks, irregular shapes and random collages as decorative elements of the VA repertoire. These pieces thus acquire a new value, they are elevated to a new aesthetic paradigm, and a new usefulness is conferred to them. This series represents the fragility, humanism and complexity of porcelain, a delicate material that requires profound knowledge and patience.

Blackware ColoniaAté Until 29 OutSeg - Sáb Mon - Sat 10:00 – 20:00 Fabrica Features Lisboa Rua Garret, 83, 4º

tangenciais tangents

© A

NT

ÓN

IO

NA

SC

IM

EN

TO

109

em peças contemporâneas e utilitárias, que interrogam a percepção do design e sublinham tantos outros valores que vão além do útil — são promessa de uma dimensão mais humana na produção em design.

We are expert collectors of life souvenirs without obvious utility. Sam Baron invites Gonçalo Campos and Catarina Carreiras to work on the relation between the emotional value and the functional/formal value of essentially decorative objects. Stories are told and useful details are added to useless shapes through the re-interpretation of objects belonging to different universes. “Les Choses” are bibelots transformed into contemporary useful design pieces that question our perception of design and underline values that exist beyond utility — they are the promise of a more human perspective in design production.

Lisbon - It’s Useless To Show YouMariana Fernandes, FabricaAté Until 29 OutSeg - Sáb Mon - Sat 10:00 – 20:00 Fabrica Features Lisboa Rua Garret, 83, 4º

Lisboa é desmontada e são-lhe retirados todos os museus, monumentos, circuitos turísticos e edifícios de óbvio interesse, para ser reconstruída através de detalhes eventualmente inúteis mas que, de alguma forma, são mapas feitos por quem vive o dia-a-dia da cidade. Delineou-se um percurso alternativo em postais ilustrados, onde se podem descobrir algumas particularidades. Uma exposição e o lançamento de um desdobrável de postais destacáveis que reúne as ilustrações. Este objecto, sendo interventivo, completa o conceito do projecto: depois do convite à visita, pode também fazer parte da experiência de cada lugar e por fim, ser partilhado.

The city of Lisbon is dissaembled and bared of all its museums, monuments, buildings and tourist itineraries of obvious interest to be reconstructed through useless details which are, somehow, maps drawn by the people who live in the city. An alternative route was outlined in the form of picture postcards in which one some peculiarities may be found. All the illustrations are included in the

exhibition and released in a foldout postcard collection. This object completes the project’s concept: after the actual visit, you may include it in your experience of each site and finally, share it.

SLoW DATINGMunnaAté Until 2 Out12:00 – 22:00Hotel da Estrela Rua Saraiva de Carvalho, 35

Numa sociedade intensa que promove o individualismo e o relacionamento virtual e efémero, é necessário recuperar o amor, como vivido noutros tempos. Esta instalação centra-se no conceito da peça clássica “namoradeira”, recuperando o seu sentido original: proporcionar uma conversa discreta entre duas pessoas, de intimidade e cumplicidade, unindo-as num diálogo de amor. A peça apresentada, a namoradeira “Yes No Maybe So” tem 5 cores que simbolizam 5 etapas de uma relação: Atracção, Desejo, Flirt, Compromisso, Amor. O público, casais e não casais, é convidado a relacionar-se, a explorar possibilidades e a reflectir sobre os seus relacionamentos.

In a fast-paced society that promotes individualism and virtual and ephemeral relationships, it is necessary to recover the concept of love, as it was lived in times gone by. This installation focuses on the concept of the classical piece “the tête-à-tête sofa”, recovering its original intent: to enable a discreet, face to face conversation between two people that preserves a sense of intimacy and involvement, originating a love talk. The tête-à-tête sofa presented, “Yes No Maybe So”, has 5 different colors, which stand for the 5 stages of a relationship: Attraction, Desire, Flirt, Compromise, Love. Visitors are encouraged to relate to one another, to explore possibilities and think about their own relationships. own relationships.

Projecto de design ficcional sobre um micro-dispositivo que armazena os dados encriptados do seu proprietário. Funciona como um buraco negro identitário, uma cápsula contentora que se situa no pólo oposto da lógica das redes sociais. É usado para des-partilhar e des-publicar, obscurece a informação, encriptando-a para além da desencriptação. Diferente do que é disponibilizado no mercado, o dispositivo é algo que pode ser camuflado e ir além do mero transporte da nossa informação pessoal, com mais significado. Blackware explora novas utilizações da nossa informação mais sensível, questionando de que forma esta pode ser usada e relacionada com o nosso corpo através de um dispositivo contentor imperceptível.

This is a fictional design project about a micro-device that stores its owner’s encrypted data. It functions as an identitary black hole, a container capsule that is situated in the opposite end of the logic of social networks. It is used to un-share and un-post, obscuring information, encrypting it beyond decryption. The device is different from what is available on the market, in the sense that it is something that can be camouflaged and go beyond the mere transportation of our personal information, with more meaning. Blackware explores new uses of our most sensitive information, questioning in what way it can be used and related to our body through an imperceptible container device.

Les ChosesSam Baron invites Catarina Carreiras & Gonçalo CamposAté Until 5 Out11:00 – 19:00 Sam Baron & Co Largo de Barão de Quintela, 3, R/C Dto

Somos coleccionadores peritos de souvenirs de vida sem utilidade aparente. Sam Baron convida Gonçalo Campos e Catarina Carreiras a trabalhar sobre a relação entre o valor emocional e o valor funcional/formal de um objecto essencialmente decorativo. Através da re-interpretação de objectos que pertencem a universos distintos, contam-se histórias e adicionam-se detalhes úteis a formas inúteis. “Les Choses” são bibelots transformados

19:00

Lagarta by CorqueAna Mestre / CORQUE DESIGN Até Until 31 OutSeg - Sáb Mon - Sat 11:00 – 22:00 Fabrico Infinito Rua D. Pedro V, 74

LAGARTA BY CORQUE é o lançamento oficial da colecção de 2011 em Portugal, centrado na apresentação da peça “LAGARTA”. Trata-se de um assento esférico e lúdico, baseado num sistema modular infinito, flexível e multi-funcional produzido a partir de Aglomerado Negro Expandido, um dos compósitos de cortiça mais eco-eficientes e finalizado com uma camada de verniz à base de água. Design de Ana Mestre, com a colaboração de Inês Pereira. As suas dimensões são 940 x 640 x 640 mm.

LAGARTA BY CORQUE is the official launch of the 2011 collection in Portugal and is centred on the presentation of the “LAGARTA” stool. This is an interactive, flexible, multi-functional, playful infinite modular seating system made from expanded agglomerate cork, one of the most eco-efficient cork composites, and finished with a water base varnish. Designed by Ana Mestre, with the collaboration of Inês Pereira. Its dimensions are 940 x 640 x 640 mm.

23:00

FRoM A To CMiguel Vieira BaptistaAté Until 12 Nov 12:00 – 22:00Encerra Seg Closed MonLoja da Atalaia – Av. D. HenriqueCalçada da Pedra a S. Apolónia

From A to C - Novos objectos de Miguel Vieira Baptista.

From A to C - New objects by Miguel Vieira Baptista.

1 OUTUBRO16:00

SwoonJúlio DolbethAté Until 12 NovSeg - Sáb Mon - Sat 15:00 – 20:00 Loja Alexandra Moura Rua D. Pedro V, 77

Swoon em tradução livre do inglês quer dizer desmaio ou desfalecimento, e surge como tema para esta exposição de Ilustração. Retrata uma série de personagens reais ou inventadas no momento de suspensão entre o êxtase e a perda dos sentidos. O motivo do desmaio está relacionado com a contemplação de algo que não é referido no desenho. Esta ambiguidade está reforçada por uma certa ironia onde a dor se pode confundir com o prazer ou o delírio com o êxtase. Nesta exposição procura-se explorar através dos retratos, uma perturbação psicossomática conhecida como síndrome de Stendhal. A definição surgiu publicada pela primeira vez em 1817, quando Stendhal descreve a sua experiência da seguinte forma: “Absorto na contemplação de tão sublime beleza, atingi o ponto no qual me deparei com sensações celestiais. Tive palpitações, a minha vida parecia estar a esvair-se…”.

Swoon stands for fainting or collapse and appears as the subject for this Illustration exhibition. It proposes a series of portraits of real or imaginary characters in the moment of suspension between ecstasy and loss of consciousness. The reason for fainting is related to the contemplation of something that is not mentioned in the drawing. The ambiguity is reinforced by a certain irony, where pain can be confused with pleasure or delirium blends with ecstasy. Swoon will try to explore what a psychosomatic disorder known as Stendhal syndrome. It first appeared in print in 1817, when Stendhal thus describes his experience: “Absorbed in the contemplation of such sublime beauty, I reached the point where I came across heavenly sensations. I had palpitations, my life seemed to be draining away...“

17:00

Do ModernoCarolie Pagés GalleryAté Until 29 OutSeg - Sáb Mon - Sat 15:00 – 20:00 Caroline Pagés Gallery Rua Tenente Ferreira Durão, 12, 1º Dto

A Caroline Pagès Gallery vai exibir design capaz de questionar paradigmas da criação artística, cultura material e a sua criação tal como a entendemos. Trabalhando sob esta condição, Toni Grilo (PT) e Daniel Enoksson (SE) representam duas vertentes possíveis deste design. Criam objectos cujo valor ultrapassa o argumento prático a que se proporiam enquanto objectos. São respostas funcionais, conceptuais e estéticas para fazer frente à arte, sem outra função ou utilização que não a de ser apenas arte. O estranho luxo dos objectos de ambos os autores tem uma acuidade formal que lhes acrescenta um valor essencial, numa abordagem pós-moderna que os liga aos modernistas do início do século XX.

The Caroline Pagès Gallery in Lisbon will show design that is able to question the paradigms of artistic creation, material culture and its creation as we understand it. The two selected designers, Toni Grilo (PT) and Daniel Enoksson (SE) operate under this condition and create objects whose value exceeds the practical aspect they propose as objects. They are functional, aesthetic and conceptual responses that are confronted with art with no other function than to just be art. The strange luxury of their objects has a formal perceptiveness that conveys an essential value, in a postmodern approach that links them to the early modernists of the 20th century.

tangenciais tangents

© A

UG

US

TO

BR

áZ

IO

111

época, as capas garantem que o ouvir é acompanhado pelo ver e tocar, coleccionar, guardar, partilhar. De capa em capa, ligando as várias histórias, escrevemos outra ao som de uma música que repete: i need nothing, i’ve everything i need. Foram convidados 15 artistas gráficos portugueses para ilustrar e a Moopie para filmar. A música é dos Parenthetical Girls e a Matéria Prima foi cúmplice de tudo.

Repositories of stories and itsenriching emotions, the covers that accommodate the existing multitudeof musical genres are the motto for this exhibition. Album covers that often capture our attention when the music has still just barely reached our ears. Major graphic disasters or revered icons, unfairly ignored or zeitgeists, these covers provide listening with a visual and tactile dimension, bringing it into the sphere of collecting and sharing. From cover to cover, going through all the stories (and histories), we wrote a new one to the sound of a song on repeat: I need nothing, I’ve everything I need. 15 portuguese graphic designers were invited to illustrate and Moopie to shoot the video. The music is by the Parenthetical Girls and Matéria Prima helped make it all happen.

PÓS SEMANAINAUGURALPOST OPENINGwEEK

2 OUTUBRO21:30Super Pecha Kucha DeluxLounging Space

Pecha Kucha (em japonês “o som da conversa”), concebida por Astrid Klein e Mark Dytham (Klein Dytham architecture), teve origem em 2003 em Tóquio com o objectivo de criar uma plataforma para jovens profissionais das diversas áreas criativas se reunirem, conhecerem e apresentarem publicamente o seu trabalho. O evento segue um formato específico de conferência: 20 oradores por sessão; 20 imagens por orador num total de 6’40 minutos por intervenção, promovendo um discurso fluido e dando oportunidade a mais pessoas de participar. Uma plataforma de visibilidade informal e flexível, Pecha Kucha é hoje um fenómeno global, tendo-se espalhado a centenas de cidades em todo o mundo.

Pecha Kucha (Japanese term for the sound of conversation - “chit chat”), Night was devised in Tokyo in 2003 by Astrid Klein and Mark Dytham (Klein Dytham architecture), as a platform for young designers to meet, network, and show their work in public. The organizers outlined and patented a specific format (4 year editions; 20 speakers for session; 20 images per speaker; 20 seconds per image in a total of 6’ 40’’ by presentation) that promotes a fluid speech, catches the audience and gives opportunity to more people to present their work on the same night. Pecha Kucha is a global phenomenon that expanded globally to hundreds of cities all over the world.

18:00

CUT furnitureMariana Costa e SilvaAté Until 30 OutSeg - Sáb Mon - Sat 11:00-19:00 BCT Design Store Praça do Principe Real, 20/21

Juntando menos material, menos mão-de-obra, menos ferramentas e menos espaço obtem-se a CUT furniture®. Escolha o material: Valchromat® – um painel de fibras de madeira, hidrófugo, não tóxico e colorido em toda a espessura. Desenhe peças de mobiliário estruturadas e estáveis com as formas de cada componente aninhadas evitando desperdício. Em poucos minutos, corte uma placa numa fresadora CNC. Acabe com uma fina camada de verniz para que sejam mais fáceis de limpar. E está pronto, divirta-se! Monte e desmonte sem ajuda de ferramentas, sem pregos, parafusos, cola ou ferragens.

Put together less material, less labour, less tools, less space and you’ll have CUT furniture®. Choose one material: Valchromat® – a wood fiberboard, moisture resistant, non-toxic and colored throughout. Design structured and stable pieces of furniture with all components nested to reduce waste. Take a few minutes to cut out the board in a CNC milling machine. Finish with a slight layer of varnish to make it easier to clean. And there you have it, enjoy! Assemble and disassemble without the need for tools, nails, screws, glue or fittings.

I need nothing-uma odisseia quase inútilCãoceito + BurdmanAté Until 26 NovSeg - Sex Mon - Fri 14:00 – 20:00 Sáb Sat 14:00 – 21:00Encerra Dom Closed SunMatéria Prima Rua da Rosa, 197

Repositórios de histórias e emoções que as enriquecem, as capas que acomodam os diversos estilos musicais são o motivo da exposição. Capas de discos que tantas vezes conquistam quando a música ainda mal se ouve. Verdadeiros desastres gráficos ou ícones, injustamente ignoradas ou testemunhos de uma

© C

Lá

UD

IA

DA

MA

S

6 OUTUBRO6Th Unidcom/Iade International ConferenceLounging Space

Organizada pelo IADE, é um dos pontos altos da actividade da sua Unidade de investigação e pesquisa em Design e Comunicação. De 6 a 8 de Outubro apresenta um intenso programa de comunicações sobre áreas ligadas à cultural visual e criatividade contemporânea como o marketing, publicidade, desenho e ergonomia, desenho analógico e digital, exclusividade e espaço público, fotografia, entre outros. Destacam-se os oradores principais: Gillo Dorfles, Clive Dilnot e Mário J. Miranda. Será antecedida por um evento em rede no dia 5 de Outubro, o Drawing Research Network Conference.

Hosted by IADE, this is one of the highlights on the Investigation and Research Unit in Design and Communication activity. From October 6 to 8 it integrates an intensive program of papers presentations on areas related to visual culture and contemporary creativity as marketing, advertising, design and ergonomics, analog and digital design, exclusivity and public space, photography, among others. The keynote speakers are Gillo Dorfles, Clive Dilnot and Mário J. Miranda. It will be preceded by a network event on October 5, the Drawing Research Network Conference.

7 OUTUBRO18:00

DES/GN FBAUL’2011 - Design de ComunicaçãoFaculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa – Largo da Academia Nacional de Belas-Artes

É uma exposição de projectos dos alunos do curso de Design de Comunicação da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa no âmbito dos estudos nas áreas de Projecto, Edição, Tipografia, Multimédia e Web. Um acompanhamento da evolução do

percurso dos discentes para que a partir da reflexão crítica e história da cultura e prática do design, se edifique um corpus digno de ser contemplado pelos visitantes.A exposição multiplica-se por vários espaços da Faculdade de Belas-Artes e o programa integra também workshops, conferências, apresentações e visitas guiadas.

It is an exhibition of student’s projects from the Communication Design Major of the Fine Arts Faculty of the University of Lisbon, incorporated in the study areas of Project, Edition, Typography, Multimedia and Web. It is an accompaniment of the student’s progress so that from the critical reflection and the history of design practice and culture we can identify a corpus worth being pondered by visitors. The exhibition multiplies itself through several spaces within the Fine Arts Faculty and the programme also integrates workshops, conferences, presentations and tours.

8 OUTUBRO18:30

ARGUMENTo ARQUITECTURA:“4 DIAS, 4 PRITZKERS”8/15/22/29 Out-Oct Sáb Sat 18:30 Lounging Space

No âmbito das comemorações do Dia Mundial da Arquitectura 2011 (3 de Outubro), a Ordem dos Arquitectos e a Muestra Internacional de Programas Audiovisuales apresentam 4 documentários de arquitectura. São testemunhos e leituras individuais dos realizadores sobre um determinado território e os seus principais protagonistas - os arquitectos. “How much does your building weigh Mr. Foster?” (Norberto López Amadro e Carlos Carcas); “Oscar Niemeyer - An architect committed to his Century” (Marc-Henri Wajnberg); “I. M. Pei - First Person Singular” (Peter Rosen); “Sky - Jørn Utzon” (Pi Michael).

As part of the celebrations of World Day of Architecture 2011, (October 3), the Ordem dos Arquitectos and the Muestra Internacional de Programas Audiovisuales present

tangenciais tangents

4 documentaries on architecture. They are testimonies and individual readings of directors on a given territory and its main protagonists - the architects. “How much does your building weigh Mr. Foster?” (Amadro Norberto Lopez and Carlos Carcas), “Oscar Niemeyer - An architect committed to his Century” (Marc-Henri Wajnberg) “I. M. Pei - First Person Singular “(Peter Rosen);” Sky - Jørn Utzon “(Pi Michael).

4 NOVEMBRO20:00

ArgamatrizHugo MadureiraAté Until 26 NovSeg - Sáb Mon - Sat 11:00 – 20:00 KOLOVRAT 79 Rua Dom Pedro V, 79

Vade-mecum/matriz: Uma marca (ou mais) impressa em artigos de metais preciosos certificam o seu nível de pureza; este sentido pode ser transportado da joalharia para o significado do corpo. Num ambiente ou material no qual alguma coisa nasce, a sua estrutura circundante determina o domínio, o reino da disciplina. A joalharia cinge ambos, significado e sistema. Este último pode tornar incerto o espectador devido à possibilidade de furar qualquer coisa e transformá-la num anel. Argamatriz fala também da grande quantidade de matéria, átomos e moléculas retratados em formas clássicas de jóias, ourivesaria, prataria e de maquinetas.

Vade-mecum/matrix: A mark (or more) stamped on items made from precious metals certifies their purity level; this sense can be conveyed by portable arts such as jewelry to the meaning of the body. In an environment or material where something develops, its surrounding structure determines the domain, the realm of the discipline. Jewelry enfolds both meaning and system. The latter may

113

É uma instalação de arte contemporânea que estabelece um diálogo com as peças da Casa Museu Medeiros e Almeida. Apresenta-se como um arranjo ornamental de grandes dimensões feito de plantas invasoras e de postais retratando plantas, criados a partir de fichas do Projecto Invader: “Plantas Invasoras em Portugal”. Não sendo irónico, o trabalho reage a possíveis noções de dominação e superficialidade associadas às plantas, arranjos e postais. Inspira-se em marcos temporais e espaciais de forte carga social e simbólica, como cerimónias de Estado ou entregas de prémios. It is a contemporary art installation that seeks to establish a dialogue with the pieces in the Casa Museu Medeiros e Almeida. It presents itself as a large-sized ornamental arranjement made of invasive plants and postcards portraying plants, created from cards from the Project Invader: “Invading Plants in Portugal”. The project does not seek to be ironic, though it reacts to possible notions of invasion and superficiality associated with plants, flower arrangements and postcards. The work is inspired by socially and symbolically charged temporal and spatial landmarks, such as State and award ceremonies.

24 DE NOVEMBRO

“Zeitgeist becomes form –German Fashion Photography 1945–1995”Até Until 22 Jan 2012Ter - Sex Tue - Fri 10:00 – 19:00Sáb - Dom Sat - Sun 14:00 – 19:00Encerra Seg Closed MonGaleria Torreão Nascente da Cordoaria

A exposição apresenta um riquíssimo panorama de 50 anos de fotografia de moda na Alemanha. No entanto, ela inclui muito mais do que apenas temas ligados à moda. O curador F.C.Gundlach seleccionou 39 fotografias de moda, procurando agrupar tematicametne até 6 imagens relacionadas que ilustrassem as características do trabalho de cada fotógrafo. Para além de retratar as tendências da moda, estas imagens constituem também um retrato social do denominado “Zeitgeist”, das transformações sociais, dos códigos

morais e dos sentimentos e desejos das pessoas de uma determinada época.

This exhibition covers fifty years of fashion photography in Germany but is more than just a history of fashion and how it was photographed. The curator F.C. Gundlach has selected 39 photographs and wherever possible, a thematic sequence of up to 6 pictures was selected, in order to show what is especially typical of the work of the respective photographer. More than portraying fashion trends, these images give information of extraordinary interest about the so-called Zeitgeist, or spirit of the times, about changes in society, moral codes and the feelings and longings of people at a certain period in time.

leave the viewer uncertain due to the possibility of drilling a hole into an object and transforming it into a ring. Argamatriz also deals with the large body of matter, atoms and molecules depicted in classical shapes found in jewels, goldsmithery, silverware and small devices and contraptions.

11 NOVEMBRO22:00

Retrato Possível e Concerto Triangular(Performance )Andrea Brandão e João Ferro MartinsAppleton Square Rua Acácio Paiva, 27, R/C

Este evento reúne 2 trabalhos diferentes na formalização mas que partilham a mesma génese no processo: a construção de um objecto por acumulação. Trata-se de enunciar um terceiro objecto, simultâneo. “Retrato possível”, performance de Andrea Brandão e “Concerto triangular”, improviso para percussão de João Ferro Martins.

This event brings together 2 works different in their formalization but that share the same origin in their process: the construction of an object by accumulation. The purpose is to enounce a third, simultaneous object. “Possible Portrait”, performance by Andrea Brandão and “Triangular Concert”, improvisation for percussion by João Ferro Martins.

22 NOVEMBRO18:30

Azedas e IntrometidasHenrique NevesAté Until 27 NovSeg - Sex Mon - Fri 13:00 – 17:00 Casa-Museu Medeiros e AlmeidaRua Rosa Araújo, 41

tangenciais tangents

BIB

LIO

TE

CA

MU

NIC

IP

AL

CA

MÕ

ES

MU

SE

U A

RQ

UE

LÓ

GIC

O D

O C

AR

MO

115

ESPAÇOS VENUES

Cinema São Jorge

Quando o Cinema São Jorge abriu as suas portas em 1950 era a maior e mais sofisticada sala de espectáculos do país, com lugar para 1827 pessoas, com ar condicionado, dois foyers e sala de projecção privada. Construído com capitais luso-britânicos, distinguia-se pelas suas excelentes condições técnicas, acústicas e modernidade das linhas que valeu ao seu arquitecto, Fernando Silva, o Prémio Municipal de Arquitectura em 1951. Propriedade da Rank Filmes até 1985, o Cinema São Jorge sofreu obras profundas em 1982, sendo a sua sala principal dividida em três salas independentes. Adquirido em 2000 pela Câmara Municipal de Lisboa, o Cinema reabriu ao público em Maio de 2006 após extensas obras de beneficiação que permitiram alargar a sua oferta para incluir além do cinema, a música, o teatro exposições e debates. Estas novas valências e dinâmica programática visam afirmar o Cinema São Jorge como pólo central na revitalização cultural da Avenida da Liberdade

When Cinema São Jorge opened its doors in 1950, it was the largest and most sophisticated performance hall in Portugal, with a seating capacity of 1827 as well as air conditioning, two foyers and a private screening room. Built with Portuguese and British capital, it boasted superb technical and acoustic conditions as well as the sharp modernist lines that would earned its architect, Fernando Silva, the City’s Architecture Prize in 1951. The property of Rank Filmes until 1985, Cinema São Jorge underwent severe changes in 1982, when its main auditorium was divided into 3 independent rooms. Acquired in 2000 by the City of Lisbon, the Cinema reopened in May 2006 following extensive renovations that have allowed this venue to broaden its offer by hosting, in addition to film projections, music and theatre performances, exhibitions and debates. These new features and programme drive seek to turn Cinema São Jorge into a central element in the cultural revitalization of Avenida da Liberdade.

CONFERÊNCIASDE LISBOALISBON LECTURES

SIDELINES Biblioteca Municipal Camões

A Biblioteca funciona no Palácio Valada-Azambuja ou Palácio dos Condes de Azambuja, inicialmente edificado no século XVI na freguesia de São Paulo. Após o terramoto de 1755 foi objecto de total reconstrução e desde os finais do século XIX tem sofrido profundas alterações que modificaram por completo a sua traça original. No entanto, a sua fachada mantém as características setecentistas e o átrio de entrada exibe um interessante conjunto de painéis de azulejos da época. A partir do ano de 1925 o edifício foi a sede do jornal “A Lucta”, vindo posteriormente a tornar-se num equipamento municipal denominado Biblioteca Municipal Camões em Outubro de 1981. Dentro das actividades que a Biblioteca oferece ao público de todas as idades, como a consulta de publicações generalistas, debates ou projecções, os apreciadores de literatura policial podem consultar mais de 6000 volumes de autores portugueses e estrangeiros do género.

The Library operates on Valada-Azambuja Palace or Palace of the Condes de Azambuja, first built in the sixteenth century in the parish of São Paulo. After the 1755 earthquake it was subject to total reconstruction, and since the late nineteenth century it has undergone profound alterations that have completely changed its original features. However, its façade maintains the eighteenth-century characteristics and the lobby displays an interesting set of tile panels of the time. From 1925 the building was the headquarters of the newspaper “A Lucta”, but eventually it became a municipal facility called Biblioteca Municipal Camões in October of 1981. Among the activities the library offers to the public of all ages, as the consultation of general publications, debates or projections, lovers of crime fiction have available to them more than 6000 volumes of Portuguese and international authors of the genre.

Museu Arquelógico do Carmo

Ocupa as ruínas do Carmo, antiga Igreja do Convento de Nossa Senhora do Vencimento do Monte do Carmo fundado por D. Nuno Álvares Pereira e sagrado em 1423. Extremamente danificada pelo terremoto de 1755, esta importante igreja gótica foi alvo de reconstrução no reinado de D. Maria I, que não viria todavia a ser concluída por motivos de ordem financeira e operacional. Com a constituição da Real Associação dos Architectos Civis e Archeólogos Portugueses em 1863, o Museu Arqueológico do Carmo foi fundado um ano depois pelo arquitecto Joaquim Possidónio da Silva. O objectivo inicial foi o de preservar peças recuperadas de instituições religiosas após a extinção das casas monásticas em 1834. Desde então o Museu tem vindo a ampliar o seu espólio de enorme valor histórico, incorporando hoje um vasto conjunto de peças datadas da Pré-História à contemporaneidade. O icónico edifício do Museu, com os seus arcos sem cobertura a enquadrar o céu, constitui hoje uma imagem ímpar na silhueta de Lisboa.

It occupies the ruins of Carmo, the former Church of the Convento de Nossa Senhora do Vencimento do Monte do Carmo, founded by D. Nuno Álvares Pereira and consecrated in 1423. Badly damaged by the 1755 earthquake, this important Gothic church was rebuilt during the reign of Queen D. Maria I, however, it would not be completed for financial and operational reasons. With the establishment of the Real Associação dos Architectos Civis e Archeólogos Portugueses in 1863, the Museu Arqueológico do Carmo was founded a year later by the architect Joaquim Possidónio da Silva. The initial goal was to preserve recovered pieces of religious institutions after the dissolution of monastic houses in 1834. Since then the Museum has been expanding its estate of enormous historical value, which now incorporates a wide range of pieces dating from Prehistory to the contemporary. The iconic building of the Museum, with its roofless arches framing the sky, is today a unique image of Lisbon’s silhouette.

espaços venues

MU

SE

U D

AS

AR

TE

S D

EC

OR

AT

IV

AS

PO

RT

UG

UE

SA

S

117

Museu de Artes Decorativas Portuguesas - FRESS

O Museu ocupa o Palácio Azurara, um edifício seiscentista situado entre duas torres da Cerca Moura, em Alfama. Em 1947 foi adquirido pelo mecenas e coleccionador Ricardo do Espírito Santo Silva que, com a colaboração do arquitecto Raul Lino, deu início ao seu restauro. A sua intenção era transformar o Palácio numa casa aristocrática do século XVIII, expondo peças decorativas da sua colecção particular numa cenografia museológica. Inaugurado em 1953, o Museu oferece um contacto privilegiado com peças representativas do património das Artes Decorativas Portuguesas do século XV ao XIX. Organiza-se segundo as diversas áreas temáticas: Mobiliário, Têxteis, Prataria e Ourivesaria, Porcelanas portuguesas e chinesas, Faiança, Pintura, Desenho, Encadernação.

The Museum occupies the Azurara Palace, a seventeenth-century building situated between two towers of the Cerca Moura, in Alfama. In 1947 it was purchased by patron of the arts and collector Ricardo do Espírito Santo Silva who, in collaboration with the architect Raul Lino, began its restoration. His intention was to transform the Palace into an eighteen-century aristocratic house, to exhibit decorative pieces from his own collection in a museum scenography.Opened in 1953, the Museum offers a privileged contact with representative pieces of the heritage of fifteenth and sixteenth century Portuguese Decorative Arts. It is organized according to different thematic areas: Furniture, Textiles, Silver and Gold Jewelry, Portuguese and Chinese Porcelains, Ceramics, Painting, Drawing, Binding.

Museu da Farmácia

Inaugurado em 1996, este Museu localiza-se na sede da Associação Nacional das Farmácias, um palacete construído em 1860 sobre as ruínas da antiga Igreja de Santa Catarina. O seu acervo abrange 5000 anos de história da Farmácia e da Saúde, com peças de culturas e locais tão diversos quanto o Egipto, Roma ou Mesopotâmia. Entre os milhares de peças utilizadas no estudo e prática da farmácia, desde a Antiguidade até à contemporaneidade, apresenta a reconstituição integral de 4 farmácias, destacando-se a Farmácia de Macau e as farmácias portáteis utilizadas na expedição ao Pólo Norte em 1911, na viagem espacial do Space Shuttle “Endeavour” 2000 e na prova desportiva Lisboa-Dakar 2006.

Opened in 1996, this museum is located at the headquarters of the Associação Nacional das Farmácias, a mansion built in 1860 on the ruins of the former Church of Santa Catarina. Its collection spans 5000 years of Pharmacy and Health history, with pieces of cultures and places as diverse as Egypt, Rome and Mesopotamia. Among the thousands of pieces used in the study and practice of pharmacy, from antiquity to the present, it presents a full reconstitution of four pharmacies, in particular the Macau Pharmacy and the portable pharmacies used on the expedition to the North Pole in 1911, on the Space Shuttle “Endeavour” 2000 space voyage, and at the Lisbon-Dakar 2006 sports event.

MU

SE

U D

E S

ãO

RO

QU

E©

CIN

TR

A &

CA

ST

RO

CA

LD

AS

, L

DA

MU

SE

U D

O T

EA

TR

O R

OM

AN

OM

US

EU

DA

FA

RM

áC

IA

MU

SE

U G

EO

LÓ

GIC

O

Museu Geológico

Funciona no 2º andar do edifício do antigo Convento de Nossa Senhora de Jesus da Ordem Terceira de S. Francisco. O edifício começou a ser construído em finais do século XVI, prolongando-se a obra por dois séculos. O traçado desenvolve-se em torno de um claustro quadrangular maneirista com um pequeno jardim e uma cisterna em pedra. Pertence a um conjunto edificado classificado de Interesse Público que inclui os vestígios da cerca conventual, a Igreja, a Capela e o Hospital adjacentes. Com a expulsão das ordens religiosas em 1834, o edifício foi doado à Academia das Ciências de Lisboa, sendo parte do espaço cedida à Comissão Geológica em 1858. A constituição da colecção do Museu começou em 1859 com os trabalhos de pesquisa e recolha de amostras dos Serviços Geológicos de Portugal e do Instituto Geológico e Mineiro. A mostra hoje existente tem a singularidade de apresentar referências museológicas do século XIX, pela sua disposição, mobiliário e características espaciais, um “Museu dos Museus” como é referido por especialistas.

The Museum operates on the 2nd floor of the former Convento de Nossa Senhora de Jesus da Ordem Terceira de S. Francisco. Building began in the late 16th century, and the construction work continued for the next two centuries. Its design was developed around a square cloister with a small garden and a stone cistern. It belongs to a group of buildings classified of Public Interest, which also includes the remains of the convent’s wall and the adjacent Church, Chapel and Hospital. With the expulsion of religious orders in 1834, the building was donated to the Academia das Ciências de Lisboa, and part of the space transferred to the Comissão Geológica in 1858. The establishment of the Museum’s collection began in 1859 following research work and sampling by the Serviços Geológicos de Portugal and the Instituto Geológico e Mineiro.The exhibition that exists today has the particularity of displaying museological references of the 19th century, for its layout, furniture and spatial characteristics; it is the “museum of museums”, as stated by experts.

Museu de São Roque

O Museu está instalado na antiga Casa Professa da Companhia de Jesus, um edifício contíguo à Igreja maneirista de São Roque, um conjunto edificado no século XVI no perímetro do Bairro Alto. A designação original de 1905, Museu do Tesouro da Capela de São João Baptista, referia-se à colecção de arte italiana que acolhia. Tendo diversificado o seu espólio de crescente riqueza, na década de trinta surge como Museu de Arte Sacra de São Roque e trinta anos depois a própria Igreja de São Roque foi associada ao seu conteúdo museológico. Recentemente recuperaram-se os espaços de ligação entre a Igreja e a Casa Professa e também o seu claustro, permitindo uma maior unidade de conjunto.

The Museum is housed in the former Casa Professa da Companhia de Jesus, a Mannerist building adjacent to the church of São Roque, a set built in the sixteenth century in the perimeter of Bairro Alto. The 1905 original designation, Museu do Tesouro da Capela de São João Baptista, referred to the collection of Italian art that it housed. Having diversified its estate of increasing wealth, it appears in the thirties as como Museu de Arte Sacra de São Roque, and thirty years later the Church of São Roque itself was attached to the museum’s content. Recently, the linking spaces between the Church and the Casa Professa as well as its cloister were recovered, allowing a greater unity of the aggregation.

Museu do Teatro Romano

Inaugurado em 2001, este Museu de cariz arqueológico pretende contextualizar o legado do Teatro Romano existente na encosta da colina do Castelo de São Jorge. A narrativa museológica é formada pelas escavações arqueológicas do local, reflexo da intensa romanização da cidade de Felicitas Iulia Olisipo, e pela exposição de testemunhos arqueológicos e históricos no edifício seiscentista contíguo, que pertenceu ao Cabido da Sé. Os vestígios integram não só a época de construção do Teatro (século I d.C.) mas também a evolução da ocupação desta zona.

Opened in 2001, this museum of archeological nature aims to contextualize the legacy of the Teatro Romano located on the hillside of the Castelo de São Jorge. The museological narrative is formed by archaeological excavations of the site, which reflects the intense romanization of the city of Felicitas Iulia Olisipo, as well as by the display of archaeological and historical evidence in the adjoining seventeenth century building, which belonged to the Cathedral’s congregation of priests. These traces comprise not only the time of construction of the Theater (first century AD) but also the evolution of the occupation of the area.

espaços venues

119

UTILITASINTERRUPTA Fundação Arpad Szenes -

Vieira da Silva

Instalada na antiga Fábrica de Tecidos de Seda no Jardim das Amoreiras, a Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva inaugurou em 1994. Integra o Centro de Documentação e Investigação dedicado ao estudo e divulgação da obra deste casal de artistas plásticos e também o Museu, que apresenta exposições temporárias. O edifício situa-se no bairro operário das Amoreiras fruto da planificação de Carlos Mardel na fase pós-terramoto de 1755, época em que Sebastião José de Carvalho e Melo, Marquês de Pombal era Primeiro-Ministro plenipotenciário e foi o responsável pela reconstrução de Lisboa. Integrando residências operárias e oficinas associadas à produção de sedas, o edifício do século XVII tem hoje a classificação de imóvel de Interesse Público. A sua recuperação e adaptação foi dirigida pelos arquitectos José Sommer Ribeiro e Richard Clarke. Mantendo a sua traça original de características geométricas simples e uma escala harmoniosa com a cidade, este Museu intimista e discreto alberga um valioso acervo de doações feitas por Vieira da Silva.

Installed at the former Fábrica de Tecidos de Seda (Silk Textile Factory) in the “Jardim das Amoreiras”, the Arpad Szenes-Vieira da Silva Foundation was inaugurated in 1994. It integrates the Research and Documentation Center, which is dedicated to the study and dissemination of these two artists’ work, and also the Museum, which features temporary exhibitions. The building is located in the working-class neighborhood of Amoreiras, the result of Carlos Mardel’s planning in the 1755 post-earthquake phase, at which time Sebastião José de Carvalho e Melo, Marquis of Pombal was the plenipotentiary Prime Minister and responsible for rebuilding Lisbon. Combining workers’ residences and workshops associated with the production of silks, the seventeenth-century building now has the classification of property of Public Interest. Its recovery and adaptation was conducted by the architects José Sommer Ribeiro and Richard Clarke. Maintaining its original features of simple geometric characteristics and a harmonious balance with the city, this intimate and discreet Museum houses a valuable collection of donations made by Vieira da Silva.

FU

ND

AÇ

ãO

AR

PA

D S

ZE

NE

S V

IE

IR

A D

A S

IL

VA

JAR

DIM

DA

S A

MO

RE

IR

AS

MU

SE

U D

A M

ãE

D’á

GU

A

Jardim das Amoreiras

Com a toponímia de Jardim Marcelino Mesquita em homenagem ao escritor e dramaturgo, situa-se na Praça das Amoreiras, e foi inaugurado em 1759 pelo Marquês de Pombal. O jardim integrava-se num bairro de características operárias, projectado durante a reforma urbanística da cidade após o terramoto, para instalação de um conjunto de equipamentos e recursos complementares à indústria da seda. De características românticas, integrava uma plantação de 331 amoreiras que alimentavam o bicho da seda, tendo sido retiradas em 1863. Com uma área de 6.000m2, o jardim é delimitado pelos arcos do Aqueduto das Águas Livres (1748), pela capela de Nossa Senhora de Monserrate (1878), pela antiga Fábrica de Tecidos de Seda, hoje Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva e por diversas habitações operárias do século XVIII. Um sítio de excepção para um momento de pausa, protegido da azáfama do contíguo Largo do Rato.

Museu da Mãe D’Água

O reservatório da Mãe d’Água das Amoreiras foi iniciado segundo o plano do arquitecto húngaro Carlos Mardel em 1752, por ordem do Marquês de Pombal. Após a morte do autor, o projecto foi retomado por Reinaldo Manuel dos Santos em 1772, que alterou o desenho inicial sendo a obra concluída em 1834, no reinado de D. Maria II. Com uma cisterna de 5.500m3 de capacidade, a 7,5m de profundidade, a sua função era armazenar e distribuir à cidade de Lisboa a água trazida pelo Aqueduto das Águas Livres. Com um ambiente interior singular, esta edificação classificada como imóvel de Interesse Público oferece ainda na sua cobertura um amplo terraço com vista sobre Lisboa. É actualmente um dos núcleos do Museu da Água da EPAL, utilizado para exposições, concertos, performances e outras iniciativas culturais.

The Mãe d’Água das Amoreiras reservoir was initiated according to the plan of the Hungarian architect Carlos Mardel in 1752, at the request of the Marquis of Pombal. After the death of the author, the project was taken up by Reinaldo dos Santos in 1772, who altered the initial design, and the work was completed in 1834, during the reign of Queen D. Maria II. With a tank capacity of 5.500m3, and of 7.5 m of depth, its function was to store and distribute through the city of Lisbon the water brought by the Águas Livres Aqueduct. With a unique interior environment, this building, which has been classified as property of Public Interest, also offers in its coverage a large terrace overlooking Lisbon. It is currently one of the centers of the do Museu da Água da EPAL, and is used for exhibitions, concerts, performances and other cultural initiatives.

With the toponymy of Jardim Marcelino Mesquita in honor of this writer and playwright, it is located at the Praça das Amoreiras, and it was inaugurated by the Marquis of Pombal, in 1759. The garden is part of a neighborhood of working-class characteristics, designed during the urban reform of the city after the earthquake, to install a series of facilities and resources complementary to the silk industry. Of Romantic characteristics, it was part of a plantation of 331 mulberry trees that fed silkworms, but that were withdrawn in 1863. Comprising an area of 6.000m2, the garden is enclosed by the arches of the Águas Livres Aqueduct (1748), the chapel of Nossa Senhora de Monserrate (1878), the former Fábrica de Tecidos de Seda (now the Arpad Szenes-Vieira da Silva Foundation), and several eighteen-century workers’ dwellings. It is an exceptional site ideal for a relaxing pause, protected from the bustle of the adjacent Largo do Rato.

espaços venues

121

USELESS?MUDE - Museu do Design e da Moda.Colecção Francisco Capelo

O MUDE está instalado no edifício do antigo Banco Nacional Ultramarino, um projecto inicial de 1952 do arquitecto Cristino da Silva que ocupa um quarteirão da Baixa Pombalina. Em 2009 o edifício foi adquirido pela Câmara Municipal de Lisboa, iniciando-se a sua adaptação a Museu, projectada por Ricardo Carvalho e Joana Vilhena. A imagem actual integra o impressionante balcão de atendimento em pedra, a estrutura de betão à vista e outros materiais pouco comuns como telas, paletes, réguas fluorescentes e pinturas industriais. O MUDE funciona como uma instalação provisória em constante transformação que vive como um work in progress, não estando a própria obra ainda concluída. O MUDE destaca as várias áreas do design através de mostras da colecção e programação temporária, contemplando o debate, a área editorial e actividade educativa. Desde a sua abertura em Maio de 2009 tem sido um equipamento da maior importância na revitalização da Baixa, atraindo milhares de visitantes nacionais e estrangeiros.

MUDE is installed in the building of the former bank “Banco Nacional Ultramarino”, a 1952 initial project of the architect Cristino da Silva, which occupies a block of the Pombaline downtown area. In 2009 the building was acquired by the Lisbon City Hall, which began to adapt it into the Museum, designed by the architects Ricardo Carvalho and Joana Vilhena. The current image includes the impressive stone service desk, the exposed concrete structure and other unusual materials such as canvases, pallets, fluorescent rulers and industrial paintings. MUDE acts as a temporary installation in constant transformation that exists as a work in progress, even the building itself is not yet completed. MUDE highlights several areas of design through collection exhibitions and a temporary programme, focusing on debate, the editorial field and educational activity. Since opening in May 2009, it has been one of the most important facilities in the revitalization of downtown Lisbon, attracting thousands of national and international visitors. It is fundamentally a vibrant urban cultural center, a space for experimentation, and a generator of dialogue between the various fields of creativity, whether technical, artistic or of performance.

FERNANDOBRÍZIO Antigo Convento da Trindade

Situado sobre um antigo convento do século XIV e retendo características da arquitectura religiosa, este edifício pombalino de planta rectangular irregular destaca-se pela marcada horizontalidade e regularidade formal da fachada, pontuada por janelas e uma varanda corrida no andar nobre. Um dos principais atractivos é a decoração em azulejo, encontrando-se a fachada principal revestida a azulejo barroco e joanino de padrãoaproveitado do Antigo Convento da Santíssima Trindade. No interior, as paredes do átrio de entrada estão revestidas a meia altura por azulejo joanino de figura. Decorada com azulejo cobalto e azul com albarradas, a escadaria secundária no terceiro piso é encimada por um nicho embutido Maneirista do antigo convento da Trindade em mármore branco e rosaVendido em 1836 aquando da extinção das Ordens Religiosas em Portugal, o primeiro andar deste edifício acolhe desde essa data a já célebre Cervejaria Trindade, que ocupa o antigo refeitório do Convento.

Situated on the sight of an ancient 14th century convent, this building retains traits of religious architecture, still visible through its predominantly 18th century Pombaline features: rectangular floorplan, markedly horizontal layout and a geometrically even, formal façade with windows at regular intervals and a balcony running the length of the third and last floor. The building is set apart by its ceramic tile decoration: its main façade is entirely covered with Baroque and 18th century Joanine patterned tiles recovred from the former Santíssima Trindade Convent. Inside, the walls of the ground floor hall are covered mid-height in Joanine figurative tile. Lined with cobalt and blue tile depicting “albarradas” or floral vases, the secondary staircase is topped on the third floor by a Mannerist niche in white and pink marble embedded into the wall, also salvaged from the former Convent. Sold in 1836 following the extinction of Religious Orders in Portugal, the first floor of this building has since housed the now famous Cervejaria Trindade, that occupies the Convent’s former refectory.

espaços venues

© P

ED

RO

SE

IX

O R

OD

RIG

UE

S

123

Praça da Figueira

É uma das Praças centrais de Lisboa, concebida no âmbito dos planos pós-terramoto, sobre as ruínas do Hospital de Todos os Santos. Inicialmente teve a função de mercado central para venda de frutos e legumes em regime aberto, vindo a ser modificado em 1882 com a decisão de construir um edifício rectangular em estrutura metálica que cobria uma área de quase 8.000m2.Era um espaço animado, pela sua centralidade e bulício da actividade comercial, onde se realizavam grandes arraiais por ocasião dos Santos Populares. Em 1947 o Município decidiu que o mercado seria demolido, com vista à melhoria da circulação viária na cidade. Em 1971 é erguida a estátua equestre de D. João I, da autoria de Leopoldo de Almeida, que ainda hoje é um elemento marcante neste espaço.

It is one of the central squares of Lisbon, designed within the plans after the earthquake, on the ruins of the Hospital de Todos os Santos. Initially, it had the function of a central market to sell fruits and vegetables in the open, but it was modified in 1882, with the decision to build a rectangular building in a metal structure covering an area of nearly 8.000m2. It was a lively space for its centrality and the bustle of commercial activity, where large festivals were held on the occasion of the popular saints holidays. In 1947, the municipality decided that the market was to be demolished in order to improve road circulation in the city. In 1971, it was erected a statue of King D. João I, authored by Leopoldo de Almeida, which is still today a striking element in this space.

REDUNDÂNCIA

LOUGINGSPACE

CICLODE CINEMA Cinemateca Portuguesa

A Cinemateca Portuguesa – Museu do Cinema está instalada em Lisboa, desde o princípio dos anos 80. O seu edifício, antiga moradia construída em 1887, foi restaurado e ampliado em 2002. Desde que reabriu, em 2003, a Cinemateca possui duas salas de cinema (com cinco sessões diárias de segunda a sábado), um espaço museográfico conhecido como 39 Degraus, a melhor cabine de projecção de Lisboa, salas de exposição permanente e temporária, biblioteca, centro de documentação, restaurante e esplanada (que no Verão acolhe sessões de cinema ao ar livre). A divisão de Arquivo da Cinemateca, o ANIM (Arquivo Nacional das Imagens em Movimento) está instalada no Freixial, num edifício construído de raiz e inaugurado em 1995. No Palácio Foz funciona a Cinemateca Júnior, com exposições permanentes na área do pré-cinema e uma programação de cinema dirigida sobretudo a crianças e jovens.

The Cinemateca Portuguesa – Museu do Cinema is based in Lisbon since the early 80’s. Its building, an old family house built in 1887, was restaurated and expanded in 2002. Since its reopening in 2003, the Cinemateca has two cinemas rooms (hosting five daily screenings from Monday to Saturday), plus a museum area (The 39 Steps), the best projection room in Lisbon, permanent and temporary exhibitions rooms, library, documentation centre, a restaurant and a terrace (that in summer hosts outdoor sessions). The Cinemateca Portuguesa archive, ANIM (National Archive of Moving Pictures) is located in Freixial, in a brand new building that opened in 1995. Cinemateca Júnior is based in Palácio Foz, with permanent exhibitions in the area of pre-cinema and a film selection targeting mainly children and young audiences.

Antigo Tribunal da Boa-Hora

Originalmente um convento fundado em 1633 por D. Luís de Castro do Rio, o edifício albergou várias congregações e ordens religiosas durante as décadas seguintes. Seriamente danificado pelo terramoto de 1755, foi reconstruído pelo arquitecto Eugénio dos Santos, sob indicações de Manuel da Maia, autor da Baixa Pombalina. Com a extinção das Ordens Religiosas em 1834, o convento serviu de quartel ao 1o Batalhão dos Voluntários do Comércio e de sede da Guarda Nacional de Lisboa antes de ficar na dependência do Ministério da Justiça, transformando-se no Tribunal da Boa-Hora. Palco de julgamentos marcantes sobre as leis da liberdade de imprensa durante a Primeira República, aí viria a funcionar o Tribunal Plenário, instrumento de perseguição política durante o regime de Salazar, onde foram arguidos, entre outros, Álvaro Cunhal e Mário Soares. Com 165 anos de história, este espaço emblemático da justiça criminal portuguesa foi encerrado em 2009.

Originally a convent founded in 1633 by D. Luís de Castro do Rio, the Tribunal da Boa-Hora sheltered several religious orders and congregations in the decades following. Seriously damaged by the 1755 earthquake, it was rebuilt by the architect Eugénio dos Santos, under the tutelage of Manuel de Maia, who was responsible for the iconic 18th century architecture of downtown Lisbon. With the extinction of the Religious Orders in 1834, the convent served as barracks for the 1st Battalion of the Commerce Voluntaries and as headquarters for Lisbon’s National Guard before it became attached to the Ministry of Justice, thus becoming the Tribunal (courthouse) da Boa Hora. The backdrop of notable trials on liberty laws during the Portuguese First Republic, the courthouse would come to function as the Tribunal Plenário, a political persecution instrument during Salazar’s dictatorial regime, where important resistance figures such as Álvaro Cunhal and Mário Soares stood trial. With 165 years of history, this emblematic space of Portuguese criminal justice was closed in 2009.

espaços venues

125

BILHETES TICKETSbilhetes tickets

CONFERÊNCIASDE LISBOALISBON LECTURES1 dia 1 day Normal Regular5,00 €

Estudantes e +65 Students and + 653,00 €

Passe 3 dias 3 days Pass Normal Regular12,00€

Estudantes e +65 Students and + 657,50€

Bilhetes à venda no localTickets for sale at the venue

SIDELINESPasse 5 Museus 5 Museum Pass4,00 €

Passe à venda exclusivamente no Lounging Space. Válido até 27 Nov.Pass for sale at Lounging Space onlyValid Until 27 Nov.

Museu Geológico2,50 €

Museu da Farmácia5,00 €

Biblioteca Municipal CamõesEntrada Gratuita Free Admission Museu Arqueológico do Carmo3,50€

Museu de S. Roque2,50 €

Museu do Teatro RomanoEntrada Gratuita Free Admission

Museu das Artes Decorativas Portuguesas4,00€

Bilhetes à venda no localTickets for sale at the venue

UTILITASINTERRUPTAFundação Arpad Szenes - Vieira da Silva + Museu da Mãe d’Água 3,00 €

Bilhetes à venda nos locais.O bilhete comprado num dos locais dá acesso ao outro no mesmo dia.Guarde o seu bilhete.Tickets for sale at the venues.The ticket purchased at one of the venues is valid for the other if used on the same day. Keep your ticket.

CICLO DE CINEMAFILM CYCLECinemateca Portuguesa 3,00 € por sessão per session

Bilhetes à venda no localTickets for sale at the venue

127

PARCEIROS INSTITUCIONAISINSTITUTIONAL PARTNERS

Com o Alto Patrocínio de Sua Excelência o Presidente Da República Prof. Dr. Anibal Cavaco Silva. Estatuto de Interesse Cultural no âmbito da Lei de Mecenato.

With the High Patronage of the Presidentof the Portuguese Republic, Professor Aníbal Cavaco Silva.Statute of Cultural Interest under the Patronage of the Arts’ Law.

PATROCINADO PORSPONSORED BY

129

PATROCINADOR OPEN TALKSOPEN TALKS SPONSOR

MARCAS ASSOCIADAASSOCIATED BRAND

PARCEIROS ACTION FOR AGEPARTNERS ACTION FOR AGE

CO-PRODUTORESCO-PRODUCERS

131

PROTOCOLOS DE COLABORAÇãO & PARCERIASCOOPERATION PROTOCOLS

Câmara Municipal

PARCEIROS MEDIAMEDIA PARTNERS

APOIOSSUPPORTERS

™

133

APOIOS MEDIAMEDIA SUPPORTERS

PARCERIAS SERVIÇO EDUCATIVOEDUCATION SERVICE PARTNERS

SET 201120.000 exemplares copies

Fonte Typeface Lexia Storno

Gráfica Ondagrafe

EQUIPA TEAM

Directora Director Guta Moura Guedes 

Director Executivo Executive DirectorMário Carneiro 

Directora Financeira Financial ManagerTeresa Oliveira 

Assistente de DirecçãoAssistant to the BoardAna Caldeano

Assistente de Direcção FinanceiraFinancial Manager AssistantRaquel Prazeres

Assistente AdministrativaAdministrative AssistantTeresa Sequeira 

PRODUÇãO E DESENVOLVIMENTO

PRODUCTION & DEVELOPMENT

Coordenadora de Produção e DesenvolvimentoHead of Production and DevelopmentCarla Cardoso 

Produção ProductionLuís Ferreira, Sofia Baptista, Inês Vidal, Luís Santos, Ana Palma, Marta Padilha, Renata Candeias

DEPARTAMENTO DE COMUNICAÇãO COMUNICATION DEPARTMENT

Director CriativoCreative DirectorIan Anderson

Coordenadora de ComunicaçãoHead of CommunicationSara Battesti

Assessoria Media NacionalNational Press Officer Ana Abrantes

Assessoria Media InternacionalInternational Press OfficerVera Sacchetti

Edição EditorRute Paredes, Paula Melâneo

Web Design Marco Reixa 

Assistentes de ComunicaçãoCommunication AssistantsCatarina Monteiro, Inês Honrado,Mafalda Carvalho

Designer Gráfico SéniorSenior Graphic DesignerNuno Luz

Designers Gráficos Graphic DesignersCarolina Cantante, Tiago Machado

Coordenadora Serviço Educativo Head of Education ServiceSusana Gaudêncio

Assistente Serviço Educativo Education Service AssistantMaria João Vieira

Coordenador Design ResponseHead of Design Response Pedro Rocha Vieira

135

AGRADECIMENTOSACKNOwLEDGEMENTS

A. Manha e Cerca; Alberto Perazza; Alexandra Martins; Amy Silver; Ana Mestre; Ana Patrícia Resende; Ana Pinho; Ana Teresa; António Pinhão Botelho; Artecnica; Atelier Van Lieshout; Authentis; Barbara Visser; Bertílio ; Bonaldo; Carlos Pereira; Cervejaria Trindade; Cervejaria Trindade; Chiara Saini; Chris Taylor; Claudia Oliva; Colgate/Palmolive; Constantin Boym ; Cristina Lamas; Cutipol; Daniel Basiletti; Daniel Eatock; Despomar; Dimensão; Droog; Ekaterina Golovatyuk; Elke Doppelbauer; Eugénio; Fabrizio Gallanti; Fátima Reis; Federação Portuguesa de Golf; Francisco Barbosa; Fredrico Duarte; Fundação Galp Energia; Galerie Kreo; GlaxoSmithKline; Hélder Cotrim; HELMRINDERKNECHT Gallery; Igor; Ikea; Inês de la Jardinière Aresta Branco; Inês Silva; Interecycling; Isabel Antunes; Isabel Nunes; Isabel Pereira; Ivan Martins; Jaime Hayon; Jessica Pearson; Jiang Jun; Joana Nunes; João Pombeiro; João Tiago Freire; Jorge Nápoles; Jorge Rodrigues; José Coelho; José Reis Nunes ; José Viriato; Julia Lohmann; Jurgen Bey; Karen Ryan; Kartell; Katharina Wahl; Keren Cheung; Kim Bruinsma; Kimberly Clark; Konstantin Gricic; Laboratórios Vitória, S.A.; Laura Rossi; Laurence Leon Boym; Lorraine Two; Lotte van Grimbergen; Luis Henriques; Luis Jardim; Magis; Manuel Moutinho; Manuel Reis; Margarida Serra; Maria do Carmo Rosa; Maria Santos; Mario Moura; Martin Rinderknecht; Mason White; Michael Renner; Miguel Vieira Baptista; Mikko Koria; Moda Lisboa; Moroso; MUDE - Museu da Moda e do Design; Murray Moss Gallery; Nuno Rodrigues; Nymphenburg; Padre Américo Aguiar; Parque Escolar; Patrícia Gonçalves; Paulo Mendes; Pedro Franco; Pedro Silva; Philip Cabau; Plank; Plusmark; Raffaella Dallosto; responsável pela obra OPWAY; Rita Palma; Rita Pires dos Santos; Rosário Melo; Ruy Otero; Safak Kurkut; Salomé Lamas; Sampleskate; Sandra Borges - Design de Interiores, LDA; Sandra Clara; Siemens; Sofia Gonçalves; Sónia Graça; Steelcase; Stephane Barbier Bouvet; Swann-Morton; Teresa Vendeirinho; Thomas Demand; Titleist; Tord boontje; Victor Almeida; Vipex; Volker Albus; Volvocars; Xana ; Yougkwang Cho.

Ás famílias da equipa da EXD’11 e a todos os que colaboraram nesta ediçãoThe families of the EXD’11 team members and all those who collaborated in this edition