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TEODOR CURRENTZIS conducts

THE MAHLER CHAMBER ORCHESTRA

STEVEN ISSERLIS celloFrom the CONCERTGEBOUW, BRUGES

1 Opening · Vorspann · Générique début 0:45

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

Cello Concerto No. 1, op. 107

2 I. Allegretto 6:43

3 II. Moderato 10:53

4 III. Cadenza 3:42

5 IV. Allegro con moto 6:26

Benjamin Britten (1913-1976)

6 Sinfonietta, op.1 14:53

Dmitri Shostakovich Symphony No. 1, op. 10

7 I. Allegretto – Allegro non troppo 9:10

8 II. Allegro – Meno mosso 4:48

. III. Lento – Largo – attacca 9:19

0 IV. Allegro molto – Lento – Allegro molto – 10:20

Meno mosso – Allegro molto – Molto meno mosso – Adagio

q Applause & End Credits · Applaus & Abspann · Applaudissement & Générique fin 2:05

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Listen to the music in Shostakovich

Two decades have passed since the disappearance of the Soviet Union from the stage of world history. In that period, the music of Dmitri Shostakovich conquered international venues. In the glasnost years, the final stage of the Soviet Union under the leadership of Mikhail Gorbachev, Shostakovich’s music has already become a symbolic settlement with the political and ideological foundations of the Soviet regime. After the abolition of the state that Shostakovich had served his entire life, his music became the embodiment of the resistance against a suspended form of dictatorship, characterized by artistic repression and a goal of totalitarian mind control. The way to Shostakovich’s post-Soviet success was paved by the publication of Testimony, claimed to be the composer’s memoires, by Solomon Volkov. The apocryphal text from 1979 contributed considerably to the establishment of a heroic image of the artist who turned against a repressive state. In the post-Soviet era, the composer’s image was thoroughly tweaked to become that of the life-long dissident who spoke the truth about the crimes of the Soviet dictatorship through hidden codes in his music.

Meanwhile, twenty years have passed. The sharp polemics between supporters and opponents of the authenticity of Testimony has largely subsided. The time of excesses born of revisionism is over. The view that Shostakovich can only be understood in the context of the society in which he lived is gaining popular support. He was not an outsider who withdrew into his work as a personal exile. At first, it is hard to comprehend that he was both part of the system and a critical, independent mind who continuously pointed out problems, failings and even crimes of the society in which he lived. Yet this is precisely the social reality from which Shostakovich’s art sprouted. It is impossible to separate Shostakovich’s unmistakable independence of mind from the way in which he moved in the musical establishment and was successful according to the standards of his time.

Recently, works by Shostakovich with the greatest emotional and symbolic impact have been well-received. Heroic symphonies, like the Fifth or the Leningrad Symphony, or the intense pathos of the first violin concerto as well as the fifteen string quartets dominate the repertoire. The prevalence of music with symbolic weight elicited the exhortation from the star Russian conductor Valeri Gergiev that it is high time that we started hearing less politics and more music in Shostakovich. This plea may not be a call to return to modernistic view of the post-war avant-garde and their social relevance. The modern view of art is that every great artistic oeuvre comes into being as an interaction between individual creativity and its social context. Gergiev’s call to hear more music in Shostakovich may serve to broaden the experience of his music to areas less marked by political factors.

The programme composed by the Mahler Chamber Orchestra and conductor Teodor Currentzis may mark a new stage in dealing with the music of Shostakovich. Their emphasis is not on works with a political aura but rather on the various expressions of Shostakovich’s untamable music imagination. The only work on the programme with a political impact is the Ninth Symphony. However, with this work the question remains whether the composer

intended it as a public statement or that it only acquired its political association because of the context of its inception. The complement of the Mahler Chamber Orchestra was decisive for the choice of works a chamber orchestra can execute. Both the First and the Ninth Symphonies are delicately orchestrated and the First Cello Concerto was written for a small orchestra with woodwinds, a single horn, kettle-drums and strings. The Fourteenth Symphony was even composed for a chamber orchestra: the Moscow Chamber Orchestra of Rudolf Barshai.

Coupling Shostakovich with the celebration of Benjamin Britten’s 100th birthday has both biographical and artistic bases. Britten and Shostakovich met each other on 21 December 1960 at the English premiere of Shostakovich’s First Cello Concerto by the legendary cellist Mstislav Rostropovich. They stayed in touch thereafter and Rostropovich, who regularly commuted between Russia and Britten’s Aldeburgh, remained their common friend. The friendship reached its artistic pinnacle in 1969 when Shostakovich dedicated his Fourteenth Symphony to Benjamin Britten. The composition of this work was partly inspired by the impulse to provide an answer to Britten’s War Requiem. Shostakovich had found a kindred spirit in Britten. In an interview in 1968, he expressed the desire to “see more Brittens. Russian ones and English ones, and German ones. Many. And of different generations. What attracts me to Britten? The power and integrity of his talent, his outward plainness and the intensity of his emotional effect.”

Crystal tearsMelancholia is a characteristic of many pieces of great art. In the Mahler Chamber Orchestra programme it is most clearly present in Britten’s Serenade and particularly in the songs Elegy, Dirge and Sonnet. Melancholia is created in these songs from the awareness of the vulnerability of the conscience, an awareness John Keats described as a mole burrowing into the darkness of the mind. Britten was an eminent authority on John Dowland’s lute songs and Henri Purcell’s vocal music. The influence of his English predecessors comes through most clearly in his songs.

Melancholia also runs through Shostakovich’s oeuvre. In the Mahler Chamber Orchestra programme, it bursts forth primarily in the meditation on death that forms part of the Fourteenth Symphony. However, throughout the Shostakovich-Britten trilogy, this melancholia is balanced against other aspects of Shostakovich’s talent, like his sharp expressions of satire, creative energy and exuberance. The moment that shows melancholia in its purest form is the moderato from the First Cello Concerto. In its pure simplicity and its subtle elegiac tone, resonantly emphasized by the poetic horn solo and the preternatural sound of the celesta, this music comes closest to the elegiac quality of Britten’s Serenade.

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conductor who had given the work a first-rate premiere, described the slow movement as being rather weak. The view that Shostakovich needed to work on the intensity of his composition’s lyrical slow movements was shared in the conservatories circles. A commonly remarked problem with the First Symphony is the sudden change in tone between the first and the second halves of the work. The first half, movements one and two, is light and satirical while the second half (movements three and four) follows the model of the heavy romantic symphony. In the second half, Shostakovich follows the model of Tchaikovsky’s Fourth Symphony fairly closed whereby his piece shares the F-minor key. The use of “fate motifs” parallels Tchaikovsky’s famous model and at moments refers to the motive technique from the symphony by César Franck.

The first half, however, is radically different, with the beginning refering openly to Stravinsky’s Petrushka. The parallel becomes even more obvious in the abrupt piano solo in the scherzo and in the folkloristic profiled trio. In the movements one and two, Shostakovich uses the satirical style of the modernism of the time, including the grotesque plot changes and the use of the mechanical ostinato. In addition, the sound image of the first half is also less pronounced than the more monumental symphonic sound of the continuation.

Benjamin Britten modelled his Sinfonietta after Arnold Schönberg’s First Chamber Symphony from 1906. It is comparable in that it was arranged for ten instruments comprising a wind quintet and a string quintet. The first movement most clearly demonstrates the orientation towards the harsh style of Schönberg. A critic discerned influences of Hindemith in it, but later, he concluded, Britten found his own voice. Despite Britten’s usual melodic spontaneity the modernism in the Sinfonietta is a bit forced and goes against the aforementioned impulsiveness. In the second movement, the pastoral tone surfaces. The finale is a tarantella with a moto perpetuo character and documents Britten’s talent for modernization of historic idioms.

Dmitri Shostakovich Cello Concerto no. 1 in E flat major, opus 107The Russian cello virtuoso Mstislav Rostropovich wanted nothing more than for Shostakovich to write a cello concerto for him. Nina Varzar, the composer’s first wife, had advised him never to make the request. If he really wanted it, he was to remain silent about it. Varzar’s advice turned out to be correct, because on 20 July 1959, Shostakovich had finished the concerto. Rostropovich accepted the score on 2 August. On 6 August, he played the concerto for Shostakovich from memory and the composer would dedicate it to him.

On 4 October 1959, the public premiere took place in Leningrad with Yevgeny Mravinsky conducting. The enormous success was repeated in Moscow under the baton of Alexander Gauk and Rostropovich soon took the work abroad. On 6 November, the American premiere took place with the Philadelphia Orchestra conducted by Eugene Ormandy. The composer was present and supervised the historic recording made by Rostropovich and Ormandy.

Shostakovich’s incentive for the composition was his discovery of the Symphonic Concerto by Sergei Prokofiev. This composition was a revision, upon Rostropovich’s recommendation, of Prokofiev’s First Cello Concerto.

Benjamin Britten Sinfonietta, opus 1Dmitri Shostakovich Symphony no. 1 in F minor, opus 10It is rare that the recognized oeuvre of great composers opens with works from their study period. This happened to both Shostakovich and Britten. Dmitri Shostakovich composed his First Symphony in 1924-25 as diploma work for his studies at the Leningrad conservatory. Benjamin Britten wrote his Sinfonietta in 1932 during his studies at the Royal College of Music in London. Both Shostakovich and Britten were 19 when they completed their respective works. Neither of the composers initially considered anything beyond an execution by a student orchestra.

Shostakovich was considerably more fortunate than Britten with his First. Spurred on by Boleslav Yavorsky, a musicologist from Moscow who took an interest in the young Shostakovich’s work, he showed the symphony to Nikolai Malko, who was lecturer in orchestral conducting at the Leningrad conservatory in 1925. Malko was also the music director of the Leningrad Philharmonic. He decided to give the symphony of the young composer a chance in a public performance. The piece was first performed in the Great Hall of the Philharmonic on 12 May 1926 and its success surpassed the composer’s wildest expectations. Shostakovich was clearly satisfied with the result of his work and strengthened in the conviction of his abilities. The State Music Publisher accepted the work for publication, but the success spread even further. In the 1920s, Shostakovich was given ample opportunity to meet great international composers. In the relatively liberal years of the NEP, there was a great openness towards international artists. Shostakovich met Franz Schreker, Darius Milhaud, Alban Berg, Arthur Honegger and the conductor Bruno Walter. His meeting with the latter turned out to be very important. Shostakovich played his First Symphony for the great conductor who immediately decided to perform the symphony in Berlin with the Berliner Philharmonisches Orchester. This performance was held on 6 February 1928 and contributed to the growing international reputation of the young composer.

Benjamin Britten’s road to recognition was somewhat more difficult. His Sinfonietta turned out to be too difficult for the student ensemble of the Royal College of Music to play. The music was played privately but not yet publicly. Iris Lemare, a conductor who organized a concert series together with violinist Anne Macnaghten and composer Elisabeth Lutyens, came to rescue. The Macnaghten-Lemare Concerts took place in the Ballet Club Theatre in Notting Hill Gate, with the audience comprised only critics, the composers of the works played, publishers and family. Nonetheless, the performance of the Sinfonietta was enough to draw attention to the young Britten. On 20 June, the BBC broadcasted a performance of the work under the baton of Edward Clark, the husband of Elisabeth Lutyens. A review was only published in August in the Musical Times, in which critic William McNaught accused Britten of being a composer who wanted to show “how knowing I am, how much wiser than my years”.

Works at the beginning of an artistic development typically show the burgeoning personal talent as well as the examples models to which they owe tribute. The critical reactions to Shostakovich’s First Symphony were not entirely euphoric. Nikolai Malko, the

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financed primarily by concert revenues, with help from donations and sponsors. The MCO is managed cooperatively by orchestra management and orchestra board and decisions are made democratically with the participation of all members. The MCO’s management is located in Berlin.

Daniel Harding is, alongside founder Claudio Abbado, the conductor who has played the most significant role in the orchestra’s history. After eight years as its leader, he was named Conductor Laureate for Life. Norwegian pianist Leif Ove Andsnes became the orchestra‘s official Artistic Partner in 2012. Andsnes and the MCO carry out the concert and CD cycle “The Beethoven Journey” in the years 2012-2015, with Andsnes leading the orchestra from the piano. Beethoven’s five piano concertos and the Choral Fantasy will be performed in more than 60 concerts in over 10 countries. The Mahler Chamber Orchestra accompanies the cycle with the outreach project series “Feel the Music” which invites hearing-impaired children across Europe to experience music with all of their senses.

Further significant artistic partnerships include the composer George Benjamin, the conductors Daniele Gatti, Andris Nelsons and Teodor Currentzis, and the soloists Martha Argerich, Mitsuko Uchida, and Isabelle Faust.

Shostakovich’s First Cello Concerto is in four movements but the third movement is in fact a single lengthy transposed cadence. The most unrecognizable quality of the concerto is the use of a second soloist. The horn solo functions as an obligatory voice in dialogue with the soloist and is also the only wind instrument in the arrangement. An extra sonorous effect is the use of the celesta at the end of the poetic second moderato movement. The preternatural sonority of the instrument clears the path for the meditative beginning of the cadenza of the third movement. Furthermore, the moderato is a poetic reverie that offers a distant echo of the intense elegy from the third movement of the Fifth Symphony.

The poetry of the two middle movements is framed by a humorous march based on the theme from the music for the 1948 film The Young Guard. In the final movement, Shostakovich wove into the first theme an adapted version of the beginning of Stalin’s favorite song, Suliko.

Francis Maes

The Mahler Chamber Orchestra

In its 16 years of existence, the Mahler Chamber Orchestra (MCO) has developed into one of the most artistically interesting and successful ensembles on the international classical music scene. With extensive touring throughout the world and regular longer stays in its residences, the MCO is on the move all the year around. The orchestra has performed in 36 countries on four continents thus far, including its Iceland debut in summer 2014. The MCO has been orchestra in residence in the northern Italian city of Ferrara since 1998. Since 2003, the orchestra resides at LUCERNE FESTIVAL each summer, where it also forms the core of the LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA founded by Claudio Abbado. With the MCO Academy and the outreach programme MCO Landings, the orchestra is involved in teaching and community work. The European Union appointed the Mahler Chamber Orchestra an official European Cultural Ambassador 2011-2013.

The MCO was founded in 1997 by former members of the Gustav Mahler Youth Orchestra who wished to continue making music together. With support from Claudio Abbado, they created their own ensemble to fulfil their vision of an independent international orchestra that plays at the highest level. The ensemble had its breakthrough in the summer of 1998 with a production of Mozart’s “Don Giovanni” under the direction of Claudio Abbado at the opera festival in Aix-en-Provence. The 45 core members of the MCO come from 20 different countries and live all over Europe.

The orchestra’s name stems from the ensemble’s roots in the Gustav Mahler Youth Orchestra. The word “chamber” refers less to the ensemble’s size than to the chamber music approach that characterizes the MCO musicians’ style of ensemble playing. The Mahler Chamber Orchestra is not supported by a government funding structure, and it is

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Die Musik Shostakovichs

Zwei Jahrzehnte sind vergangen seit die UdSSR von der Bildfläche verschwunden ist. Musiker Dmitri Shostakovich eroberte in diesem Zeitraum die internationale Bühne. In den Glasnost-Jahren, welche die Endphase der Sowjetunion unter Mikhail Gorbachevs Regierung markierten, war Shostakovichs Musik bereits zu einer symbolischen Beilegung der politischen und ideologischen Grundwerte des Sowjetregimes geworden. Nach dem Ende der UdSSR, der Shostakovich sein ganzes Leben gedient hatte, verkörperte seine Musik den Widerstand gegen eine außer Kraft gesetzte Art der Diktatur, die von künstlerischen Repressionen und totalitärer Gedankenkontrolle charakterisiert ist. Die Veröffentlichung von Testimony, den angeblichen Memoiren des Komponisten aus der Feder von Solomon Volkov, ebnete Shostakovich den Weg für seinen postsowjetischen Erfolg. Der zweifelhafte Text aus dem Jahre 1979 trug bedeutend zur Errichtung des Heldenbildes jenes Künstlers bei, der sich gegen den unterdrückerischen Staat gewandt hatte. In der Zeit nach dem Ende der Sowjetunion wurde das Image des Komponisten gewissenhaft so justiert, damit aus ihm der lebenslängliche Dissident wurde, der mittels versteckter Botschaften in seiner Musik die Wahrheit über die Verbrechen der sowjetischen Diktatur verbreitete.

Seit damals sind 20 Jahre vergangen. Der scharfe Disput zwischen Befürwortern und Gegnern hinsichtlich der Authentizität von Testimony ist größtenteils verstummt. Die Zeit der Ausschreitungen auf Grund von Revisionismus ist vorbei. Stattdessen erhält die Ansicht, dass Shostakovich nur im Zusammenhang mit der Gesellschaft, in der er lebte, verstanden werden kann, immer mehr Zuspruch. Er war kein Außenseiter, der sich in seine Arbeit als persönliches Exil zurückzog. Zunächst mag es nur schwer zu verstehen seien, dass er einerseits Teil des Systems und andererseits ein Freigeist war, der beständig auf Probleme, Missstände und selbst Verbrechen in der Gesellschaft, in der er lebte, aufmerksam machte. Doch dies ist genau jene soziale Realität aus der Shostakovichs Kunst gedieh. Es ist unmöglich Shostakovichs unverkennbare Eigenwilligkeit von der Art und Weise zu trennen wie er sich im musikalischen Establishment bewegte und nach den damaligen Standards Erfolg verzeichnete.

In jüngster Zeit wurden die emotionalen, symbolischen Werke von Shostakovich gut aufgenommen. Darunter fallen zum Beispiel heroische Sinfonien wie die Fünfte und die Leningrad Sinfonie oder der intensive Pathos des 1. Violinen Concertos sowie die 15 Streichquartette, die sein Repertoire dominieren. Die Vorherrschaft von Musik mit symbolischem Charakter sorgte für eine Aufforderung seitens Russlands Stardirigent Valeri Gergiev, dass es höchste Zeit sei, weniger Politik und mehr Musik in Shostakovich zu hören. Seine Bitte mag vielleicht kein Aufruf sein, sich wieder den modernen Ansichten der Avant Garde der Nachkriegszeit und deren sozialer Bedeutung zuzuwenden, denn der moderne Blick auf Kunst ist der, jedes künstlerische Gesamtwerk im Austausch zwischen individueller Kreativität und sozialem Kontext zu sehen. Gergievs Aufforderung mehr Musik in Shostakovich zu hören mag vor allem dazu dienen, seine Musik weniger im politischen Kontext zu sehen.

Das Programm, das vom Mahler Chamber Orchester und Dirigent Teodor Currentzis zusammengestellt wurde, stellt einen neuen Weg dar, wie mit Shostakovichs Musik umzugehen. Dabei liegt der Schwerpunkt nicht auf Werken mit einer politischen Aura sondern vielmehr auf den verschiedenen Ausdrücken von Shostakovichs unzähmbarer, musikalischer Fantasie. Das einzige Werk im Gesamtprogramm, das politisch beeinflusst war, ist die 9. Sinfonie. Unklar ist jedoch, ob der Komponist sie tatsächlich als ein politisches Statement beabsichtigte oder ob sie ihre politische Assoziation lediglich durch den Zusammenhang ihres Anfangs bekommt. Die vollzählige Besetzung des Mahler Chamber Orchesters war maßgebend bei der Auswahl der Werke, die ein Kammerorchester umsetzen kann. Sowohl die 1. als auch die 9. Sinfonie sind taktvoll orchestriert. Das 1. Cello Concerto wurde für ein kleines Orchester mit Bläsern, ein einzelnes Horn, Timpani und Streichern komponiert, während die 14. Sinfonie sogar für ein Kammerorchester geschrieben wurde, nämlich für Rudolf Barshais Moscow Chamber Orchestra.

Shostakovich mit den Feierlichkeiten zu Benjamin Brittens 100. Geburtstag zu verbinden, hatte sowohl biographische als auch künstlerische Gründe. Die beiden lernten sich am 21. Dezember 1960 bei der britischen Premiere von Shostakovichs 1. Cello Concerto – gespielt vom legendären Cellisten Mstislav Rostropovich – kennen. Sie blieben danach in Kontakt und Rostropovich, der regelmäßig zwischen Russland und Brittens Aldenburgh pendelte, wurde zu einem gemeinsamen Freund. Die Freundschaft erreichte 1969 ihren künstlerischen Höhepunkt, als Shostakovich die 14. Sinfonie Benjamin Britten widmete. Teilweise war die Komposition dieses Werkes von dem Impuls inspiriert, auf Brittens War Requiem zu antworten. In Britten hatte Shostakovich einen Gleichgesinnten gefunden. In einem Interview von 1968 äußerte er seinen Wunsch „mehr Brittens zu sehen. Russische, englische und deutsche. Viele. Und der unterschiedlichsten Generationen. Was mich an Britten so fasziniert? Die Macht und Integrität seines Talents, seine äußerliche Einfachheit und die Intensität seiner emotionalen Auswirkung.“

Kristallene TränenMelancholie charakterisiert eine Vielzahl großartiger Kunstwerke. Im Programm des Mahler Chamber Orchesters wird dies vor allem in Brittens Serenade und ganz besonders in den Liedern Elegy, Dirge und Sonnet deutlich. Melancholie entsteht in diesen Kompositionen durch das Bewusstsein der Verletzlichkeit des Gewissens. John Keats beschreibt dies als einen Maulwurf, der sich in die dunklen Ecken des Geistes gräbt. Britten war ein angesehener Experte für John Dowlands Lautenlieder und Henri Purcells Vokalmusik. In seinen eigenen Werken wird der Einfluss seiner englischen Vorfahren mehr als deutlich.

Melancholie zieht sich auch durch Shostakovichs Gesamtwerk. Im Programm des Mahler Chamber Orchesters tritt es vor allem in der Vermittlung des Todes, die Teil der 14. Sinfonie ist, in den Vordergrund. Die gesamte Shostakovich-Britten Trilogie hindurch wird diese Melancholie jedoch mittels anderer Aspekte von Shostakovichs Talent, wie zum Beispiel seine scharfsinnig, satirischen Ausdrücke, seine kreative Energie sowie seine Überschwänglichkeit ausbalanciert. Der Moment, der Melancholie in ihrer reinsten Form

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die BBC eine Darbietung des Werkes unter der Leitung von Edward Clark, dem Ehemann von Elisabeth Lutyens. Erst im August erschien in der Musical Times eine Kritik, in der William McNaught Britten beschuldigte, ein Komponist sein zu wollen, der damit angab, wie allwissend und seinen Jahren in Weisheit voraus er war.

Werke, die zu Beginn einer künstlerischen Entwicklung entstanden sind, zeigen typischerweise das aufkeimende persönliche Talent sowie Beispielmodelle, denen sie Tribut zollen. Auch die Kritikerreaktionen auf Shostakovichs 1. Sinfonie waren nicht durchwegs überschwänglich. Nikolai Malko, der dem Werk eine erstklassige Premiere gegeben hat, beschrieb den langsamen Satz als eher schwächelnd. Auch in den Kreisen des Konservatoriums teilte man die Ansicht, dass Shostakovich an der Intensität des lyrischen langsamen Satzes seiner Komposition arbeiten musste. Ein gern angemerktes Problem bei der 1. Sinfonie ist der plötzliche Tonwechsel zwischen der ersten und der zweiten Hälfte des Werkes. Die erste Hälfte, bestehend aus Satz eins und zwei, ist leicht und satirisch, während die zweite Hälfte (Satz drei und vier) dem Model einer schweren, romantischen Sinfonie folgt. In den beiden letzten Sätzen orientiert sich Shostakovich stark an Tchaikovskys 4. Sinfonie, wobei sein Werk wie Tchaikovskys in f-Moll geschrieben ist. Auch der Einsatz von Schicksalsmotiven ist parallel zu ihm und bezieht sich stellenweise auf die Motivtechnick von César Francks Sinfonie.

Die erste Hälfte unterscheidet sich jedoch stark. Der Anfang bezieht sich unverhohlen auf Stravinskys Petrushka. Durch das plötzliche Klaviersolo im Scherzo und im folkloristisch angehauchten Trio werden die Parallelen noch offensichtlicher. In den Sätzen eins und zwei benutzt Shostakovich den satirischen Stil der Moderne dieser Zeit und scheut dabei auch vor keinem übersteigerten Wandel in der Handlung sowie dem Einsatz eines mechanischen Ostinato zurück. Das Klangbild der ersten Hälfte ist weniger stark ausgeprägt als der monumentalere sinfonische Klang der Fortführung.

Benjamin Britten schrieb seine Sinfonietta nach Arnold Schönbergs 1. Kammersinfonie von 1906. Beide Werke sind vergleichbar, da die Sinfonietta ein Bläserquintett und ein Streicherquintett umfasst. Der erste Satz zeigt deutlich die Orientierung an Schönbergs harten Stil. Ein Kritiker erkannte Einflüsse von Hindemith, schlussfolgerte aber dann, dass Britten seine eigene Stimme gefunden hätte. Der Modernismus in der Sinfonietta ist etwas erzwungen und geht gegen die melodische Spontanität, die eigentlich charakteristisch für Britten ist. Im zweiten Satz kommt eine pastorale Färbung zu Tage, während das Finale eine Tarantella mit dem Charakter eines Moto Perpetuo ist, das Brittens Talent dokumentiert, historische Idiome modern aufzufassen.

Dmitri Shostakovich Cello Concerto Nr. 1 in Es-Dur, Opus 107Der russische Cellovirtuose Mstislav Rostropovich wünschte nichts sehnlicher, als dass Shostakovich ihm ein Cello Concerto schrieb. Nina Varzar, die erste Ehefrau des Komponisten, hatte ihm angeraten, diese Bitte nie laut auszusprechen. Wenn er es wirklich wolle, dann dürfe er darüber kein Wort verlieren. Der Rat stellte sich als richtig heraus, denn am 20. Juli 1959 hatte Shostakovich das Concerto abgeschlossen und Rostropovich nahm

zeigt, ist das moderato im 1. Cello Concerto. In seiner unverfälschten Einfachheit und seinem subtil elegischen Ton, durch das poetische Hornsolo und die übernatürlichen Klänge der Celesta nachhallend betont, kommt diese Musik der elegischen Qualität von Brittens Serenade am nächsten.

Benjamin Britten Sinfonietta, Opus 1Dmitri Shostakovich Sinfonie, Nr. 1 in f-Moll, Opus 10Es ist selten, dass das anerkannte Gesamtwerk eines großartigen Komponisten mit Werken aus seiner Lehrzeit beginnt. Doch dies ist sowohl bei Shostakovich als auch Britten der Fall. Dmitri Shostakovich komponierte seine 1. Sinfonie 1924-25 als Diplomarbeit im Rahmen seines Studiums am Leningrader Konservatorium. Benjamin Britten schrieb seine Sinfonietta 1932 während seines Studiums am Royal College of Music in London. Beide Künstler waren 19 Jahre alt, als sie ihre jeweiligen Werke vollendeten, und keiner von ihnen rechnete mit einer Aufführung außerhalb ihrer Universitätsorchester.

Shostakovich hatte mit seiner 1. Sinfonie bedeutend mehr Glück als Britten. Angespornt von Boleslav Yavorsky, einem Musikwissenschaftler aus Moskau, der sich für die Kompositionen des jungen Shostakovich interessierte, zeigte er seine Sinfonie Nikolai Malko, der 1925 Dozent am Leningrader Konservatorium für Orchesterdirigieren war. Dieser beschloss der Sinfonie bei einem öffentlichen Auftritt eine Chance zu geben. Am 12. Mai 1926 fand die Uraufführung im großen Saal der Philharmoniker statt und der Erfolg übertraf Shostakovichs kühnste Vorstellungen. Er war mit dem Ergebnis seiner Arbeit mehr als zufrieden war und dessen Glaube in seine Fähigkeiten wurde gestärkt. Der staatliche Musikverlag nahm das Werk zur Veröffentlichung an, doch Shostakovichs Erfolgssträhne sollte noch nicht abreißen. In den 1920er Jahren bekam er zahllose Möglichkeiten, großartige internationale Komponisten kennen zu lernen. Während den relativ liberalen Jahren der N.E.P. (Neue Ökonomische Politik) war man internationalen Künstlern gegenüber sehr offen eingestellt. Shostakovich traf Franz Schreker, Darius Milhaud, Alban Bern, Arthur Honegger sowie den Dirigenten Bruno Walter. Vor allem sein Treffen mit Letzterem sollte sich als sehr wichtig herausstellen. Shostakovich spielte dem Dirigenten seine 1. Sinfonie vor und dieser beschloss direkt, sie in Berlin mit dem Berliner Philharmonisches Orchester (heute: Berliner Philharmoniker) aufzuführen. Dies geschah am 6. Februar 1928 und trug zur wachsenden internationalen Anerkennung des jungen Komponisten bei.

Benjamin Brittens Weg zum Erfolg war etwas steiniger. Es stellte sich heraus, dass seine Sinfonietta zu schwer war, als dass das studentische Ensemble des Royal College of Music sie hätte spielen können. Im Privaten wurde seine Musik bereits gespielt, jedoch nicht öffentlich. Iris Lemare, eine Dirigentin, die zusammen mit der Violinisten Anne Macnaghten und der Komponistin Elisabeth Lutyens eine Konzertreihe organisierte, sollte schließlich seine Rettung sein. Die Macnaghten-Lemare-Konzerte fanden im Ballet Club Theatre im Notting Hill Gate statt. Das Publikum bestand ausschließlich aus Kritikern, den Komponisten der gespielten Werke, Verlegern und Familien. Die Aufführung der Sinfonietta reichte aus, um die Aufmerksamkeit auf den jungen Britten zu lenken. Am 20. Juni übertrug

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am 2. August die Noten entgegen. Vier Tage später spielte er Shostakovich das Concerto aus dem Gedächtnis heraus vor und der Komponist widmete es ihm.

Die öffentliche Premiere fand am 4. Oktober 1959 in Leningrad unter der Leitung von Yevgeny Mravinsky statt. Der enorme Erfolg wiederholte sich in Moskau unter dem Dirigenten Alexander Gauk und kurz danach brachte Rostropovich das Werk ins Ausland. Am 6. November fand die Premiere in den USA mit dem Philadelphia Orchestra und Eugene Ormandy statt. Shostakovich war vor Ort und überwachte die historische Aufnahme, die von Rostropovich und Ormandy gemacht wurde.

Shostakovich Ansporn für diese Komposition war die Entdeckung von Sergei Prokofievs sinfonischen Concertos. Auf Anraten Rostropovich war diese Komposition eine Überarbeitung von Prokofievs 1. Cello Concertos.

Shostakovichs 1. Cello Concerto besteht aus vier Sätzen, wobei der dritte eigentlich eine einzige, in die Länge gezogene transponierte Kadenz ist. Die unkenntlichste Eigenschaft des Concertos ist der Einsatz eines zweiten Solisten. Das Hornsolo fungiert hierbei als obligatorische Stimme, die mit dem Solisten in einen Dialog tritt. Im Arrangement ist das Solohorn auch das einzige Blasinstrument. Ein extra klangvoller Effekt ist der Einsatz des Celesta zum Schluss des poetischen zweiten moderato Satzes. Die außergewöhnliche Klangfülle des Instruments bereitet den Weg für den meditativen Anfang der Kadenz im dritten Satz. Das Moderato ist eine poetische Träumerei mit einem fernen Echo einer intensiven Elegie vom dritten Satz der 5. Sinfonie.

Die Poesie der zwei mittleren Sätze wird umschlossen von einem heiteren Marsch, der auf dem Thema der Filmmusik des 1948er Filmes The Young Guard basiert. Im finalen Satz verflechtet Shostakovich im ersten Thema eine adaptierte Version des Anfangs von Suliko, Stalins Lieblingslied.

Francis Maes Übersetzung: Tamara Kerstin Rebecca Meyer

Das Mahler Chamber Orchestra

In den 16 Jahren seines Bestehens hat sich das Mahler Chamber Orchestra (MCO) zu einem der künstlerisch interessantesten und erfolgreichsten Ensembles des internationalen Musiklebens entwickelt. Mit weltweiten Konzerttourneen und längeren Aufenthalten in seinen Residenzen ist das MCO rund 200 Tage im Jahr unterwegs. Bisher trat das Orchester in 36 Ländern auf vier Kontinenten auf, einschließlich des Island-Debüts im Sommer 2014. Seit 1998 ist das MCO Residenzorchester in der norditalienischen Stadt Ferrara. Seit 2003 gastiert das Orchester jeden Sommer bei LUCERNE FESTIVAL, wo das MCO auch den Kern des von Claudio Abbado gegründeten LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA bildet. Mit der MCO Academy und mit dem Education- und Outreach-Programm MCO Landings engagiert sich das Orchester im pädagogischen und sozialen Bereich. Die Europäische Union ernannte das Mahler Chamber Orchestra zum Kulturbotschafter 2011-2013.

Das MCO wurde 1997 von ehemaligen Mitgliedern des Gustav Mahler Jugendorchesters gegründet, die weiterhin gemeinsam musizieren wollten. Unterstützt von Claudio Abbado setzten sie ihre Vision eines eigenen freien und internationalen Spitzenorchesters um. Der Durchbruch gelang dem Ensemble im Sommer 1998 beim Opernfestival in Aix-en-Provence mit der Aufführung der Mozartoper „Don Giovanni“ unter der Leitung von Claudio Abbado. Die 45 Mitglieder der Kernbesetzung stammen aus 20 verschiedenen Nationen und leben in ganz Europa. Dank seiner flexiblen Struktur ist es dem MCO möglich, ein sehr breites Repertoire zu spielen, das von Kammermusik bis zur groß besetzten Sinfonie und Oper, vom Barock bis zu Uraufführungen reicht. Das Experimentieren mit Repertoire, Konzertorten und Konzertformaten bildet einen wesentlichen Bestandteil der Identität des Orchesters.

Der Name des Orchesters verweist auf die Wurzeln des Ensembles im Gustav Mahler Jugendorchester. Der Begriff „Chamber“ bezieht sich weniger auf die Besetzungsgröße, als auf die von allen MCO-Musikern geteilte kammermusikalische Grundhaltung, die ihr Zusammenspiel charakterisiert. Das Mahler Chamber Orchestra befindet sich in keiner öffentlich-rechtlichen Trägerstruktur und finanziert sich hauptsächlich aus den Konzerteinnahmen, ergänzt durch Spenden und Sponsoring. Das MCO wird von Orchestervorstand und Management in engem Dialog geführt, mit demokratischem Mitspracherecht der Mitglieder. Der Sitz des MCO-Managements liegt in Berlin.

Neben dem Gründungsdirigenten Claudio Abbado hat vor allem Daniel Harding das MCO geprägt. Er wurde 1998, mit nur 22 Jahren, zum Ersten Gastdirigenten gewählt. Nach acht Jahren als Music Director und Principal Conductor ernannte ihn das MCO 2011 einstimmig zum Conductor Laureate. Eine weitere zentrale Stellung nimmt der norwegische Pianist Leif Ove Andsnes ein, der dem MCO seit 2012 als Artistic Partner verbunden ist. 2012-2015 sind Andsnes und das MCO mit dem CD- und Konzertzyklus „The Beethoven Journey“ unterwegs, der Beethovens fünf Klavierkonzerte und die Chorfantasie in mehr als 60 Konzerten in über zehn Ländern zur Aufführung bringt. Leif Ove Andsnes leitet das Orchester vom Klavier aus. Teil des Zyklus ist zudem die Education-Projektreihe „Feel the Music“, die

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gehörlose Kinder in die Welt des Orchesters einlädt, um zu erkunden, wie sich Musik mit allen Sinnen erleben lässt.

Als weitere künstlerische Partner des Orchesters sind der Komponist George Benjamin, die Dirigenten Daniele Gatti, Andris Nelsons und Teodor Currentzis, und die Solistinnen Martha Argerich, Mitsuko Uchida und Isabelle Faust hervorzuheben.

Pour entendre davantage de musique dans l’œuvre de Chostakovitch …

Deux décennies se sont écoulées depuis la disparition de l’Union Soviétique de l’échiquier mondial. Durant cette période, la musique de Dmitri Chostakovitch est omniprésente sur la scène internationale. Au cours des années de glasnost déjà – les dernières années de l’Union Soviétique sous Mikhaïl Gorbatchev – sa musique s’était muée en une sorte de règlement de compte symbolique avec les fondements politiques et idéologiques du régime soviétique. Après la dissolution de l’état que Chostakovitch avait servi sa vie durant, sa musique est devenue l’incarnation de la résistance contre une forme archaïque de dictature, caractérisée par la répression de l’expression artistique et la recherche du contrôle totalitaire de la pensée. Le succès post-soviétique de Chostakovitch fut porté par la publication de Testimony, mémoires présumées du compositeur, dans une édition de Solomon Volkov. Ce texte apocryphe de 1979 contribua fortement à la création d’une image héroïque de l’artiste opposé à un régime répressif. Dans la période post-soviétique, l’image du compositeur fut encore considérablement renforcée pour devenir celle du dissident qui, sa vie durant, n’eut de cesse de révéler dans sa musique les crimes de la dictature soviétique à travers des codes secrets.

Vingt années ont passé, et la vive polémique apparue entre défenseurs et détracteurs de l’authenticité de Testimony s’est fortement apaisée. Le temps des excès révisionnistes est à présent révolu. L’on considère de plus en plus que le personnage de Chostakovitch ne peut être valablement appréhendé que dans le contexte de la société dans laquelle il vivait. Il ne s’agissait pas d’un outsider qui s’enfermait dans son œuvre comme une sorte d’exil intérieur. A priori, il est difficile d’envisager qu’il faisait partie du système tout en étant un esprit critique et indépendant soulevant en permanence les problèmes, les lacunes et même les crimes de la société dans laquelle il vivait. Il s’agit pourtant bien de la réalité sociale dans laquelle est né l’art de Chostakovitch. Il est impossible de dissocier son évidente indépendance d’esprit de la manière dont il évoluait dans le paysage musical et fut reconnu selon les critères de son époque.

Dans la période qui suivit, l’intérêt pour la musique de Chostakovitch se concentra sur les œuvres ayant le plus grand impact émotionnel et symbolique. Des symphonies héroïques comme la Cinquième ou la Symphonie de Leningrad, ou l’intense pathos du Premier Concerto pour violon, furent avec les quinze quatuors à cordes ses œuvres les plus appréciées. La prédominance de musique à caractère symbolique incita l’illustre chef d’orchestre russe Valeri Gergiëv à penser qu’il était temps d’entendre moins de considérations politiques et davantage de musique dans l’œuvre de Chostakovitch. Ce discours ne constitue en aucun cas un appel à un retour au point de vue moderniste de l’avant-garde d’après-guerre, qui plaidait pour une séparation radicale entre les valeurs artistiques et leur pertinence sociale. La conception moderne de l’art suppose que toute grande œuvre artistique naît d’une interaction entre la créativité individuelle et son ancrage

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dans la société. L’exhortation à entendre davantage de musique dans l’œuvre de Chostakovitch correspond plutôt dans ce cas à un encouragement à étendre l’appréhension de sa musique à des domaines moins marqués par des aspects politiques.

Le programme concocté par le Mahler Chamber Orchestra et le chef Teodor Currentzis pourrait symboliser une nouvelle phase de compréhension de la musique de Chostakovitch axée, non pas sur les œuvres chargées d’une aura politique, mais sur différentes expressions de l’indomptable fantaisie musicale de Chostakovitch. La seule œuvre du programme à connotation politique est la Neuvième Symphonie, par rapport à laquelle le doute subsiste toujours de savoir si le compositeur la considérait comme une prise de position ouverte, ou si son aura politique provient du contexte dans lequel elle a été créée. Etant donné la formation du Mahler Chamber Orchestra, le choix s’est porté sur des œuvres pouvant être exécutées par un orchestre de chambre. La Première et la Neuvième Symphonie sont orchestrées de façon très délicate. Le Premier Concerto pour violoncelle a été composé pour un petit orchestre avec bois, un seul cor, timbales, célesta et cordes. La Quatorzième Symphonie a même été composée pour un orchestre de chambre bien précis : l’Orchestre de Chambre de Moscou de Rudolf Barshai.

L’association de Chostakovitch à la célébration du centième anniversaire de Benjamin Britten est liée à des raisons tant biographiques qu’artistiques. Britten et Chostakovitch se sont rencontrés le 21 septembre 1960, lors de la première en Angleterre du Premier Concerto pour violoncelle de Chostakovitch interprété par le légendaire violoncelliste Mstislav Rostropovitch. Ils sont ensuite restés en contact, avec comme trait d’union Rostropovitch, qui faisait des allers-retours réguliers entre la Russie et la ville d’Aldeburgh où vivait Britten. L’amitié connut son couronnement artistique en 1969, lorsque Chostakovitch dédia sa Quatorzième Symphonie à Benjamin Britten. La composition de cette œuvre fut en partie stimulée par son souhait d’offrir une réponse au War Requiem de Britten. Chostakovitch voyait en Britten un véritable compagnon de pensée. Dans une interview de 1968, il exprime son souhait de « rencontrer plus souvent des personnages comme Britten. Des Russes, des Anglais, des Allemands. De toutes sortes. Et de différentes générations. Ce qui m’attire chez Britten ? La puissance et l’ouverture de son talent, sa simplicité apparente et l’intensité de son potentiel émotionnel. »

Crystal tearsLa mélancolie est caractéristique de nombreuses œuvres majeures. Dans le programme du Mahler Chamber Orchestra, elle est particulièrement perceptible dans la Sérénade de Britten, et plus précisément dans les chansons Elegy, Dirge et Sonnet, dans lesquelles la mélancolie naît de la prise de conscience de la fragilité de la conscience, une notion que John Keats comparait à une taupe creusant les recoins de notre esprit dans l’obscurité. Britten était un éminent spécialiste des chansons pour luth de John Dowland et de la musique vocale d’Henry Purcell, et c’est dans ses chansons qu’apparaissent le plus clairement les influences de ses prédécesseurs anglais.

La mélancolie est également omniprésente dans l’œuvre de Chostakovitch. Le

programme du Mahler Chamber Orchestra la met particulièrement en exergue dans la méditation sur la mort, axe principal de la Quatorzième Symphonie. Sur l’ensemble de la trilogie Chostakovitch-Britten, elle est cependant contrebalancée par d’autres facettes du talent de Chostakovitch, comme ses traits de satire caustique, son énergie créative et son exubérance. La mélancolie est quant à elle rendue dans sa forme la plus pure dans le moderato du Premier Concerto pour violoncelle. Par sa grande simplicité et la subtilité de sa tonalité élégiaque – magistralement soulignées par la poésie du solo de cor et la sonorité divine du célesta – cette musique se rapproche fortement de la qualité élégiaque de la Sérénade de Britten.

Benjamin Britten Sinfonietta, opus 1Dmitri Chostakovitch Symphonie n° 1 en fa mineur, opus 10 Il est rare que les premières pièces de l’œuvre reconnue de grands compositeurs soient des compositions datant de leur période d’étude. C’est pourtant le cas pour Chostakovitch comme pour Britten. Dmitri Chostakovitch composa sa Première Symphonie en 1924/25 comme travail de fin d’études au conservatoire de Leningrad. Benjamin Britten écrivit sa Sinfonietta en 1932, au cours de ses études au Royal College of Music de Londres. Chostakovitch et Britten étaient tous deux âgés de dix-neuf ans lorsqu’ils achevèrent leur pièce. Et initialement, tous deux envisageaient uniquement de la faire exécuter par un orchestre d’étudiants.

La première production de Chostakovitch eut nettement plus de facilité à s’imposer que celle de Britten. Sous l’impulsion de Boleslav Javorski, théoricien de la musique de Moscou qui s’intéressait au parcours du jeune Chostakovitch, il présenta sa symphonie à Nikolaï Malko qui, en 1925, était devenu professeur de direction d’orchestre au Conservatoire de Leningrad. Malko était également chef d’orchestre de la Philharmonie de Leningrad. Il décida de donner sa chance à la symphonie de ce jeune compositeur lors d’une interprétation publique. La première eut lieu dans la grande salle de la Philharmonie, le 12 mai 1926. Le succès de l’interprétation dépassa les attentes les plus optimistes. Chostakovitch était visiblement content de l’effet produit par son œuvre, qui le confortait dans la conviction de ses capacités de compositeur. La maison d’édition musicale d’Etat accepta de publier la pièce. Mais le succès ne s’arrête pas là. Dans les années vingt, Chostakovitch eut à de nombreuses reprises l’occasion de fréquenter de grands compositeurs étrangers. Les années relativement libérales de la NEP furent une période de grande ouverture vis-à-vis des artistes du monde entier. Chostakovitch rencontra Franz Schreker, Darius Milhaud, Alban Berg, Arthur Honegger et le chef d’orchestre Bruno Walter. La rencontre avec ce dernier fut déterminante : Chostakovitch lui joua sa Première Symphonie, et l’illustre chef décida immédiatement de l’interpréter à Berlin avec l’Orchestre Philharmonique. La représentation eut lieu le 6 février 1928 et contribua à asseoir la réputation internationale du jeune compositeur.

Pour Benjamin Britten, le chemin de la reconnaissance fut un peu plus sinueux. Sa Sinfonietta était trop difficile pour l’ensemble d’étudiants du Royal College of Music. La

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musique fonctionnait en répétition, mais n’était pas encore prête à être exécutée en public. Iris Lemare, chef d’orchestre qui avait mis sur pied une série de concerts avec la violoniste Anne Macnaghten et la compositrice Elisabeth Lutyens, vint à sa rescousse. Les concerts de Macnaghten et Lemare étaient donnés au Ballet Club Theatre à Notting Hill Gate. Le public était uniquement composé de critiques, des compositeurs des œuvres exécutées, d’éditeurs et de membres de la famille. L’interprétation de la Sinfonietta fut suffisamment bonne pour attirer l’attention sur le jeune Britten. Le 20 juin, la pièce fut diffusée par la BBC dans une interprétation sous la direction d’Edward Clark, l’époux d’Elisabeth Lutyens. En août seulement, une critique parut dans le Musical Times, dans laquelle le critique William McNaught accusait Britten d’être un compositeur qui voulait montrer à quel point il était bon et en avance sur son temps.

En général, les œuvres situées au début d’une évolution artistique révèlent tant le talent naissant du compositeur qu’une certaine tendance à se conformer aux exemples et modèles existants. Les réactions critiques à l’égard de la Première Symphonie de Chostakovitch n’étaient pas unanimement euphoriques. Nikolaï Malko, le chef qui avait offert à l’œuvre une première digne de ce nom, trouvait le mouvement lent plutôt faible. L’opinion selon laquelle Chostakovitch devait encore travailler à l’intensité de ses mouvements lents lyriques était partagée dans les milieux du conservatoire. Un problème généralement soulevé concernant la Première Symphonie, est le soudain changement de couleur entre la première et la deuxième partie de l’œuvre. La première moitié, c’est-à-dire les mouvements 1 et 2, est légère et satirique, tandis que la deuxième (mouvements 3 et 4) suit le modèle de la symphonie romantique dans toute sa gravité. Dans la deuxième moitié – plus grave, donc – Chostakovitch se rapproche fortement du modèle de la Quatrième Symphonie de Tchaïkovski, en empruntant également la tonalité de fa mineur. L’utilisation de « motifs du destin » suit exactement le célèbre modèle de Tchaïkovski et fait parfois référence à la technique motivique de la symphonie de César Franck.

La première partie est radicalement différente. Le début fait clairement allusion à Petrouchka de Stravinski. Le parallèle est encore plus évident dans le solo de piano apparaissant soudainement dans le scherzo et le trio aux accents folkloriques. Dans les mouvements 1 et 2, Chostakovitch rejoint le style satirique du modernisme de l’époque, avec ses retournements grotesques et son utilisation de l’ostinato mécanique. La couleur de la première moitié est donc plus légère que la sonorité symphonique plus monumentale de la suite.

Benjamin Britten construisit sa Sinfonietta selon le même modèle que la première symphonie de chambre d’Arnold Schönberg de 1906, en utilisant la même formation pour dix instruments, composée d’un quintette à vent et d’un quintette à cordes. C’est dans le premier mouvement que le rappel du style austère de Schönberg est le plus perceptible. Un critique y entendait les influences d’Hindemith, mais Britten a ensuite selon lui trouvé sa propre voie. Le modernisme de la Sinfonietta est quelque peu forcé et se situe à l’opposé de la spontanéité mélodique caractéristique de Britten. Dans le deuxième mouvement, la tonalité pastorale refait surface. La finale est une tarentelle avec une sorte de motif perpétuel qui confirme le talent de Britten pour la modernisation des idiomes historiques.

Dmitri Chostakovitch Concerto pour violoncelle n° 1 en mi bémol majeur, opus 107Rien ne pouvait être plus agréable au virtuose russe du violoncelle Mstislav Rostropovitch qu’un concerto pour violoncelle écrit par Chostakovitch spécialement pour lui. Nina Varzar, la première femme du compositeur, lui avait conseillé de ne jamais le lui demander. S’il le souhaitait vraiment, il ne devait rien en dire. Le conseil s’avéra judicieux car, le 20 juillet 1959, Chostakovitch avait terminé le concerto. Rostropovitch reçut la partition le 2 août et joua le concerto de mémoire pour Chostakovitch le 6 août. Le compositeur le lui dédia.

La première en public fut présentée à Leningrad le 4 octobre 1959 sous la baguette de Ievgueni Mravinski. Le succès fut également au rendez-vous à Moscou sous la direction d’Alexandre Gaouk. Rostropovitch fit rapidement connaître l’œuvre à l’étranger. Le 6 novembre, la première américaine eut lieu avec l’Orchestre de Philadelphie sous la direction de d’Eugene Ormandy. Chostakovitch était présent et supervisa l’enregistrement historique que réalisèrent Rostropovitch et Ormandy.

La composition de la pièce avait été inspirée à Chostakovitch par la découverte de la Symphonie concertante de Serge Prokofiev. Elle consistait en une variation, sur le conseil de Rostropovitch, du Premier Concerto pour violoncelle de Prokofiev.

Le Premier Concerto pour violoncelle de Chostakovitch comporte quatre mouvements, mais le troisième est une sorte de grande cadence écrite.

Le trait le plus caractéristique de ce concerto est l’utilisation d’un deuxième soliste. Le solo de cor fait office d’interlocuteur obligé du soliste. Le cor soliste est également le seul cuivre de l’instrumentation. L’emploi du célesta à la fin du deuxième et poétique mouvement, le moderato, provoque également un effet sonore supplémentaire. La sonorité divine de l’instrument ouvre la voie au début méditatif de la cadence du troisième mouvement. Le moderato est une rêverie poétique offrant un écho lointain à l’intense élégie du troisième mouvement de la Cinquième Symphonie.

La poésie des deux mouvements centraux est cadrée par une marche humoristique et une finale énergique et rythmée. Le thème de la marche humoristique est basé sur un thème de la musique du film La Jeune Garde, de 1948. Dans le dernier mouvement, Chostakovitch laisse entendre sur l’ensemble du premier thème une version déformée du début de la chanson préférée de Staline, Suliko.

Francis Maes

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Le Mahler Chamber Orchestra

En seize ans d’existence, le Mahler Chamber Orchestra (MCO) s’est imposé comme un ensemble musical des plus novateurs sur le plan artistique et des plus prisés sur la scène internationale. Avec ses concerts à travers le monde et ses séjours prolongés dans ses diverses résidences, le MCO est en tournée près de 200 jours par an. L’orchestre s’est produit sur les quatre continents, 36 pays à ce jour si l’on compte son premier concert islandais cet été 2014. Depuis 1998, le MCO est à demeure à Ferrare, ville septentrionale d’Italie. Depuis 2003, il est invité chaque été au FESTIVAL DE LUCERNE, composant le noyau du LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA fondé par Claudio Abbado. Grâce à la MCO Academy et au MCO Landings, un programme éducatif et communautaire, l’orchestre s’implique en faveur d’un partage social. L’Union européenne a nommé le Mahler Chamber Orchestra ambassadeur culturel pour 2011-2013.

Le MCO s’est formé en 1997 lorsque d’anciens membres du Gustav Mahler Jugendorchester ont exprimé le souhait de continuer à jouer ensemble. Soutenus par Claudio Abbado, ils ont enfanté un orchestre libre et à la réputation internationale exceptionnelle correspondant à leur vision. L’ensemble a réussi un premier coup d’éclat durant l’été 1998 lors du festival international d’art lyrique d’Aix-en-Provence en interprétant l’opéra mozartien Don Giovanni sous la baguette de Claudio Abbado. Les 45 membres de la formation de base proviennent de 20 pays différents et vivent à travers toute l’Europe. Sa structure souple permet au MCO de donner vie à un vaste répertoire, de la musique de chambre à des symphonies et opéras très fournis, des œuvres baroques aux créations contemporaines. Expérimenter avec le répertoire, diverses salles et formats de concert est une composante essentielle de l’identité de l’orchestre.

L’orchestre doit son nom aux origines du Gustav Mahler Jugendorchester. Le terme « chamber » a moins à voir avec la taille de l’orchestre qu’avec le parti pris musical basé sur une écoute fondamentale de l’autre dans le jeu partagé par tous les musiciens. Le Mahler Chamber Orchestra est indépendant de toute structure officielle. Son financement provient surtout des recettes des concerts. Dons et actes de mécénat viennent le compléter. La direction du MCO se distingue par l’étroit dialogue instauré entre le conseil d’administration des musiciens et l’équipe administrative. Dans un esprit démocratique, chaque membre a son mot à dire. Le siège administratif se trouve à Berlin.

Outre Claudio Abbado, le chef d’orchestre des débuts, la personnalité de Daniel Harding a marqué le MCOEn 1998, ilest nommé, malgré ses 22 ans, premier chef d’orchestre invité. Devenu music director en 2003, puis principal conductor en 2008, il reçoit le titre de conductor laureate à l’unanimité en 2011. Le pianiste norvégien Leif Ove Andsnes occupe une autre place de choix, en sa qualité d’artistic partner depuis 2012. De 2012 à 2015, Andsnes et le MCO réalisent un cycle de concerts et d’enregistrements intitulé « The Beethoven Journey », sorte de voyage au long cours qui donne à entendre les cinq concertos pour piano et la fantaisie chorale de Beethoven dans plus de dix pays à l’occasion de 60 concerts. Leif Ove Andsnes dirige l’orchestre depuis le piano. Le cycle est enregistré

et publié en CD par Sony Classical. Le projet éducatif « Feel the music » fait partie intégrante du cycle et invite des enfants malentendants à plonger dans l’univers de l’orchestre afin de vivre la musique par le biais de divers sens.

L’orchestre se réjouit de compter les artistes suivants parmi ses collaborateurs : le compositeur George Benjamin, les chefs d’orchestre Daniele Gatti, Andris Nelsons et Teodor Currentzis et les solistes Martha Argerich, Mitsuko Uchida et Isabelle Faust.

Traduction : Aude Fondard

Musicians

FluteJúlia Gállego ◊ (Spain)Paco Varoch (Spain)Maria José Ortuno (Spain)

OboeMizuho Yoshii-Smith ◊ (Japan)Emma Schied (Great Britain)

ClarinetAnnelien van Wauwe (Belgium)Jaan Bossier ◊ (Belgium)

BassoonFredrik Ekdahl (Sweden)Michele Fattori (Italy)

HornPremysl Vojta ◊ (Czech Republic)Michael Armbruster (Germany)Gideon Seidenberg (Germany)Jonathan Wegloop (Netherlands)

TrumpetWilliam Forman (USA)Stefan Stadtfeld (Germany)Matthew Sadler (Great Britain)

TromboneByron Fulcher (Great Britain)Iñaki Ducun (Spain)Mark Hampson (Great Britain)

TubaAlessandro Fossi (Italy)

TimpaniMartin Piechotta (Germany)

PercussionIgor Caiazza (Italy)Rizumu Sugishita (Japan)Christian Miglioranza (Italy)Rafael Sars (Netherlands)

PianoJory Vinikour (France)

Violin ICordula Merks** ◊ (Germany)Michael Brooks Reid (Australia)Annette zu Castell (Germany)Kirsty Hilton (Australia)May Kunstovny (Austria)Sophie Rowell (Australia)Geoffroy Schied (France)Francesco Senese (Italy)Hayley Wolfe (USA)Yi Yang (China)

Violin IISonja Starke* (Germany)Michiel Commandeur (Netherlands)Christian Heubes ◊ (Germany)Paulien Holthuis (Netherlands)Byol Kang (Austria)Won-Hee Lee (Canada)Ludovica Nardone (Italy)Mette Tjaerby Korneliusen (Denmark)

ViolaJoel Hunter* ◊ (Great Britain)Yannick Dondelinger (Great Britain)Susanne Linder (Germany)Cian O’Duill (Ireland)David Quiggle (USA)Hanne Skjelbred (Norway)

CelloThomas Ruge* ◊ (Germany)Natalie Caron (France)Antoaneta Emanuilova (Germany)Stefan Faludi (Germany)Jonathan Weigle (Germany)

Double BassMaxime Bibeau* ◊ (Canada)Ander Perrino (Spain)Peter Pudil (Germany)Juraj Kukan (Slovak Republic)

** Concertmaster * Principal◊ Chamber musician in “Sinfonietta”

CAMERA: IVANO DE NOTARPIETRO, RIK DE WILDE, PIETER HELLEMANS, JORRE JANSSENSJESSE SYMONS, OLIVER VANDENBROECK, WANNES VANDENDRIESSCHELIGHTING DIRECTOR: JOHAN DE VOGELAERESOUND: WALTER DE NIEL, , FRANK MOSCH, JOHAN FAVOREELMUSICAL ADVISOR: GREET SWINNENVISION MIXER: ASTRID VERSTREPENVISION ENGINEER: YVO VAN SOEST, GAETAN TALLOENHDR OPERATOR: DIRK DE BLOCKEDITING: MICHEL VANDERHAEGHENASSITANT: EVA VAN BEDAF

PRODUCER: ELS T’SEYENEXECUTIVE PRODUCER: JAN BREMME

DIRECTOR: JOHAN CLOETENS

TECHNICAL FACILITIES: OUTSIDE BROADCAST – BELGIUMPRODUCTION ENGINEER VRT: PETER DUYMELINCK

PRODUCTION ENGINEER OUTSIDE BROADCAST: BART THIRON

GRIP: EUROGRIP

EXECUTIVE PRODUCER DVD: HANNO PLATE-ANDREINIPRODUCTION & EDITORIAL MANAGEMENT DVD: ALEXANDRA STOLLEDVD PREMASTERING: DIGITAL IMAGES GMBH, HALLEDESIGN: BARBARA HUBER, WUPPERTAL PHOTOS: Cover© DENIS SAYLAN, BACK COVER © HOLGER TALINKSI, BOOKLET © MAHLER CHAMBER ORCHESTRA

A coproduction of EuroArts Music International and VRT in association with Klarafestival and Concertgebouw Bruges. © 2013 EuroArts Music International and VRT TV for Canvas. Artwork & Editorial © 2014 EuroArts Music International.

Die FS-Kennzeichnungen erfolgen auf der Grundlage von §§ 12, 14 Jugendschutzgesetz. Sie sind gesetzlich verbindliche Kennzeichen, die von der FSK im Auftrag der Obersten Landesjugendbehörden vorgenommen werden. Die FSK-Kennzeichnungen sind keine pädagogische Empfehlungen, sondern sollen sicherstellen, dass das körperliche, geistige oder seelische Wohl von Kindern und Jugendlichen einer bestimmten Altersgruppe nicht beeinträchtigt wird. Weitere Informationen erhalten Sie unter www.fsk.de

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