INTRODUCCIÓN

“De Stijl”,(el estilo) la cual se centra en la obra de tres hombres: los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld. Se identificará los principios fundamentales dados por Theo van Doesberg en las dos primeras etapas de dicho movimiento. Y por último, demostrar que el estilo utilizado en sus obras está definido en el marco de la Arquitectura Moderna del siglo XX.

“De Stijl” era el título de una revista dedicada a las artes plásticas., esta revista reuniría a un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, y vendría a constituir un foro donde se discutiría el camino que el arte moderno iba a seguir. Este nuevo arte no pretendía ser reproductivo, ilustrativo, anecdótico, tal como lo había sido hasta entonces el arte tradicional. Quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencia del mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa. El racionalismo formal de Stijl está basado en un amplio programa artístico.

Es importante destacar a los diferentes artistas la cual estuvieron asociados a De Stijl, como es el caso de los pintores Piet Mondrian, Bart Anthony van der Leck y Friedrich Vondemberge-Gildewart cabe mencionar al pintor y arquitecto Theo van Doesburg (fue quien propuso la fundación de la revista “De Stijl”), el diseñador de muebles y arquitecto Gerrit Rietveld, a los arquitectos y diseñadores Jacobus Johannes Pieter Oud, Robert van´t Hoff, Jan Wils y Friedrich Kiesler, al pintor y diseñador Vilmos Huszár y a la decoradora de interiores Truus Schröder-Schräder.

También es de gran importancia resaltar en este trabajo las numerosas obras arquitectónicas la cual definieron al movimiento; La villa construida por Robert van´t Hoff Hanny (1914-1919), La Residencia de vacaciones De Vonk por J. J. Oud (1917-1918), El Hotel-restaurante De Dubbele Sleutel por Jan Wils (1918), La Barraca de obras por J. J. Oud (1923), el café De Unie de Roterdam construido por Oud (1925) y la Casa Rietveld-Schröder de Utrecht construida por Gerrit

Rietveld (1924) puede considerarse como el ejemplo más logrado de una aplicación más resuelta y consecuentes de los principios fundamentales de Stijl. Desde luego se vieron pinturas como la Composición con rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian (1920), diseños de muebles de Rietveld como es el caso de la silla rojiazul (1918-1923), entre otras.

De Stijl crea la renovación de la arquitectura moderna en Holanda, la cual se apoya esencialmente en el desarrollo de la técnica, la higiene, la economía y que persistió la posibilidad de construir más lógica, elemental y puramente que en otros días. Así como resaltó el arquitecto fundador: “Basta de imitar estilos viejos; basta de tipos clásicos que sólo sirven para calcar y copiar indefinidamente los edificios”.

El Art Decó debe su nombre a una muestra y exposición de objetos de uso doméstico y piezas gráficas realizadas entre los años de 1920 y 1940, período de entre guerras. El estilo se caracteriza por el eclepticismo de las formas y de los materiales utilizados, a partir de la influencia de las vanguardias artísticas de principios de siglo como el cubismo, el futurismo y el constructivismo. La "angularidad" propia del cubismo se asocia con muchas obras "Art Decó" (Barnicoat, 1972), y se basa en configuraciones decorativas geométricas. El francés A. M. Cassandre fue uno de los impulsores del estilo y de la concepción del cartel publicitario entre 1925 y 1939. En sus distintos trabajos se observan una gran síntesis a partir de la economía de recursos visuales utilizados, como: formas a partir de dibujos estilizados, colores modelados acentuado por formas simples, planasy acentuando la bidimensionalidad del cartel. El cartel "Wagon-bar" (1932) es típico del estilo. Otras figuras destacadas son Charles Loupot, Lucien Mauzan, Charles Gesmar, Lalique. Mauzan considerado como el afichista más prolífico de la industria cinematográfica (1500 carteles en cuatro años), influenciado por el movimiento futurista, se instala en Buenos Aires en 1927. Trabaja para la Compañía general de fósforos, Bilz, cervecería Quilmes, Cafiaspirina, entre otras; Siendo el autor de uno de los icónos más importantes de la publicidad porteña: "la cabeza del Sr.Geniol", donde incorpora el humor a la comunicación visual publicitaria. La tendencia Art Decó en Argentina aparece en los últimos años de la década de 1920. Innova principalmente en términos de novedades tipográficas de características decorativas, con mezcla de elementos ornamentales de dibujo estilizado.

DE STIJL

“De Stijl”, que en holandés significa estilo, fue una revista dedicada a las artes plásticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg que surgió en 1917 y duró hasta 1931. El nombre de Stijl también suele aplicársele al artista y

arquitectos que alguna vez contribuyeron con él.

Esta revista iba a reunir un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como órgano difusor de este nuevo arte. Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las más influyentes de su tiempo ya que tenía la finalidad de lograr un estilo válido, que sustituyera lo individual por lo universal. En ella, todos los artistas que colaboraban y que abogaban por un progreso radical de las artes, publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos.

El movimiento de Stijl era considerando como una variante del arte abstracto, que era característico de la modernidad. Este nuevo arte no pretendía ser reproductivo ni ilustrativo, tal como la había sido el arte tradicional, éste quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa.

Su racionalismo formal estaba basado en un amplio programa artístico, que a partir de los elementos fundamentales de las artes plásticas, pretendía configurar un nuevo mundo ideal. Para Stijl el arte era un catalizador que debía lograr un estado de armonía ideal, por esto el ideal de Stijl siempre estuvo orientado hacia la realización de obras en todas las artes.

Los ideales estéticos, el lenguaje formal y las intenciones de los artistas que conformaban el Stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de Mondrian, titulado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura” (el cual se publicó en el primer número de la revista). En este trabajo Mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular, sino como algo de mayor alcance y significación, como la forma de expresión adecuada al mundo ideal.

La esencia del Stijl puede describirse a través de su intención universalista, el nuevo arte era necesariamente abstracto, expresaba la belleza pura, y por ello debía utilizarce exclusivamente formas puras. Uno de los ejemplos más ilustrativos se aprecian en la obra de Mondrian, donde combinaba su configuración abstracta a través del equilibrio, utilizando los colores primarios, la escala de grises y las líneas rectas, las cuales forman rectángulos que equilibran las apreciaciones entre espacio y tiempo, reposo y movimiento en las relaciones que guardan las superficies entre sí. Es aquí donde el ideal de la armonía absoluta se concretiza.

Los ideales de Stijl abarcaron prácticamente todo, ellos pretendieron configurar la totalidad del mundo en el que se desarrolla la vida del ser humano. Sus artistas trabajaron como arquitectos, decoradores de muebles, artistas gráficos y escenógrafos, los cuales produjeron una gran cantidad de obras.

La arquitectura como tema se trató desde el primer número de la revista en la cual Oud expuso en un artículo ideas sobre un proyecto, que era el diseño de una avenida a lo largo de la playa, proyecto que nunca se realizó. Para Stijl en esta primera etapa de su desarrollo, la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright ejerció una función de modelo y fuente de inspiración, ya que para el cuarto número de la revista se presentaron plantas y alzados de una de sus casas (villa Robbie de Chicago), la cual, vino acompañada de un análisis de Oud. De esta forma nos damos cuenta de como un edificio del lenguaje formal de Wright que servía a los propósitos del Stijl se halla convertido en un prototipo para su arquitectura en aquel entonces.

Como la primera obra arquitectónica asociada a este movimiento tenemos la villa Henny creada por quien había conocido a Wright en una visita a Estados Unidos antes de la guerra. A parte de esta casa de van´t Hoff pionera en hormigón armado y varias otras obras wrightianas trabajadas por Wills, hubo relativamente poca actividad arquitectónica en esta primera fase del Stijl.

El análisis de la casa Henny le permitió a Vilmos Huszár formular los nuevos principios arquitectónicos. El distinguió en la construcción arquitectónica distintas clases de elementos integrantes: es decir, los arquitectónicos (muros, ventanas, funciones) los elementos pictóricos (color, línea y formas bidimensionales) y los escultóricos (espacio y plasticidad) que era de aquí de donde

venían los criterios para la elección de los materiales.

Recordemos que según el ideal intelectual y racional del nuevo arte, debía evitarse el uso de materiales naturales (el ladrillo, la paja y la madera) utilizando en su lugar un material artificial, el hormigón armado. Este es un claro ejemplo de cómo se aplicaban las ideas fundamentales del arte desarrollado en un principio con respecto a la pintura.

A parte de todo esto, la casa Henny va a ser muy importante porque fue uno de los primeros ejemplos arquitectónicos europeos a base de hormigón armado. Esta casa armoniza los elementos plásticos fundamentales, la superficie y el espacio, establece contrastes en las superficies por medio de colores, utiliza los planos horizontales ocultando los soportes y emplea elementos lineales que ponen de

manifiesto las formas, creando quietud y movimiento a la vez.

En general la casa entera resulta muy convincente por su completa renuncia a la decoración, y por su estructura compuesta a partir de elementos básicos, superficie, línea y espacio, lo que hace también de esta obra arquitectónica una obra plástica.

En esta primera etapa, Stijl presenta un manifiesto en el segundo número de la revista. Este primer manifiesto pedía un nuevo equilibrio entre lo individual y lo universal así como la liberación del arte respecto a la tradición y el culto de la individualidad.

El manifiesto decía:

La arquitectura debe ser considerada como una unidad plástica constituida por todas las artes, por la industria y la técnica que den origen a la aparición de un nuevo equilibrio.

Las leyes del espacio y sus variaciones infinitas pueden conjugarse en una unidad equilibrada.

Las leyes del color en el espacio y en el tiempo producen una unidad nueva.

Las relaciones entre el espacio y el tiempo a través del color producen una nueva dimensión.

Las interrelaciones entre la dimensión, proporción, espacio, tiempo y materiales deben ser válidas para formar una unidad.

Eliminando los elementos de limitación se eliminan los caracteres opuestos entre el interior y el exterior.

Se le da al color en la arquitectura el lugar que le corresponde legítimamente, la pintura separada de la construcción arquitectónica no tiene razón de existir.

La edad de la construcción está en su final.

Con estos ocho puntos, los miembros de Stijl (a excepción de Oud y van der Leck) tratan el tema de la arquitectura. Estas leyes nos llevan a una nueva unidad plástica que conlleva a una unidad nueva de la vida.

El fin de esta primera etapa del Stijl se inicia con la separación de sus miembros y contribuyentes, y con la aparición de Rietveld con su creación de la silla roja azul que es una pieza de mobiliario que aportó la primera oportunidad para una proyección de la estética neoplástica como tal en tres dimensiones y que sería la primera de una serie de piezas de mobiliario diseñadas entre 1918 y 1920.

Con la exposición de algunos trabajos De Stijl, en la Galería de Léonce Rosenberen París y con la participación de van Doesburg, se termina una de las primeras etapas del movimiento, y dando origen así a la segunda etapa de De Stijl, la cual abarca entre los años 1921 hasta 1925. Durante este Período se descartan el uso de columnas, la simetría, la repetición de elementos (en fachadas), etc., que reflejaban el estilo propio de la arquitectura clásica o medieval. Esto llevó al Stijl a una tendencia estética

neoplástica: el plano por el plano, el rectangulismo estructural, la ruptura en la convergencia del tejado mediante la inserción de paralelepípedos que emergen equidistantes de la base, entre otros. Estos argumentos sirvieron de base para la realización de una arquitectura nueva y diferente a la cual se venía dando.

Con las ideas que se venían dando en este período y con las inquietudes de Theo van Doesburg, hacia una arquitectura plástica y anticúbica, establece 16 puntos de su movimiento que son:

Forma; se eliminan las formas preconcebidas, es decir, no se tomarán modelos tipos, de estilos anteriores.

La arquitectura se desarrolla partiendo de los elementos de la construcción, en su sentido más amplio (función, masa, plano, tiempo, espacio, luz, etc.), ya que son al mismo tiempo elementos del plasticismo.

La nueva arquitectura es económica, sin derroches de medios o de materiales.

La nueva arquitectura es funcional, es decir, se proyecta en un plano claro de fondo.

La nueva arquitectura no reconoce ningún tipo de autocontenido, ninguna forma básica; es decir, los espacios funcionales están determinados por planos rectangulares, que no poseen formas individuales en sí mismos.

La arquitectura se libera del concepto de monumentalidad de las nociones de grande y pequeño.

La nueva arquitectura no reconoce ninguna parte pasiva. Ha conquistado la abertura (la ventana posee un significado activo como abertura en oposición al carácter cerrado del plano del muro).

La Planta. La nueva arquitectura ha horadado el muro y de este modo ha destruido la división entre el interior y el exterior; se une una nueva planta abierta, totalmente distinta a la planta clásica.

La nueva arquitectura es abierta. El conjunto consiste en un solo espacio, subdividido según exigencias funcionales (los planos de separación pueden ser remplazados por pantallas móviles o planchas).

Espacio y tiempo. La unidad del espacio y del tiempo confiere un aspecto nuevo y completamente plástico.

La nueva arquitectura es anticúbica; no aspira a contener las diferentes células del espacio funcional dentro de un cubo cerrado, sino que traza el espacio funcional de modo excéntrico desde el centro del cubo.

Simetría y repetición. La nueva arquitectura no conoce la repetición en el tiempo; la simetría propone la relación equilibrada de partes desiguales, es decir, de partes que difieren en posición, proporción y ubicación a causa de sus caracteres funcionales diferentes.

El contraste con el frontalismo, ofrece una riqueza plástica de efectos espaciales y temporales múltiples.

Color. La nueva arquitectura ha destruido la pintura como una expresión separada, a través de los planos pintados. Los planos cromáticos forman una parte orgánica dentro de la arquitectura. Sin color estas relaciones no son una realidad viviente y por lo tanto no son visibles.

La nueva arquitectura es antidecorativa. El color no representa elemento decorativo u ornamental, sino orgánico.

Arquitectura como una síntesis del nuevo plasticismo; el edificio es entendido como una parte, la suma de todas las artes en su manifestación más elemental, como su esencia; ofreciendo así la posibilidad de pensar en cuatro dimensiones.

La Casa Rietveld-Schröder puede considerarse como el ejemplo más logrado de una aplicación resuelta y consecuente de los principios estéticos de Stijl. En efecto esta casa construida en 1924, es una realización de los 16 puntos de una arquitectura plásticas de van Doesburg, publicados al tiempo que se terminaba la casa.

Ésta cumplía su prescripción, ya que era elemental, económica y funcional, antimonumental y dinámica, anticúbica en su forma y antidecorativa en su color.

En la tercera y última fase de la actividad del De Stijl, que duró desde 1925 hasta 1931, fue debido a una disputa entre Mondrian y van Doesburg a causa de la introducción de la diagonal en sus pinturas, en una serie de “contraposiciones” por él completada en 1924.

Stijl pasó a formar parte de una tendencia que combinó elementos del Constructivismo con ideas de la Bauhaus y de otros grupos, para constituir un lenguaje formal rico en variaciones, aunque básicamente homogéneo.

Theo Van Doesburg,

( Utrecht 30 de agosto de 1883 - Davos 7 de marzo de 1931 ) Pintor, teórico y arquitecto neerlandés.

En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando, al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista. En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se vé influenciado por la estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista. En su obra arquitectónica son destacables el restaurante «Aubette», que construyera en Estrasburgo en colaboración con Cornelius van Eesteren (1926-28), y su casa-estudio de Val-Fleury, en Meudon (Hauts-de-Seine). Llevó a cabo proyectos de decoración de interiores, generalmente en colaboración con otros artistas, en los que las continuidades o rupturas cromáticas articulan los espacios y los dinamizan integrando una unidad color-arquitectura visualmente indisociable. Junto a Van Eesteren hizo varios proyectos entre los que destacan el del vestíbulo de la Universidad de Amsterdam (1923) y la decoración para el Café L'Aubette de Estrasburgo (1928), realizada con la colaboración de Hans Arp y Sophie Täuber, para el que concibió la articulación de paredes y techos a través de grandes bajorrelieves. En ellos el juego de diagonales promovía enlaces entre las distintas superficies y establecía una continuidad entre los diversos espacios de las salas

PieterMondrian Miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial, e ilustran

la influencia de los varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, colores a los que se vuelca en

1908 por influencia de Jan Toorop. En la exhibición en el Hague's Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas

como "El Molino Rojo" y "Árboles a la Luz de la luna". Otra pintura, Avond ("Tarde") (1908), que presenta una escena de parvas (o, niaras) en un campo durante el

crepúsculo es cuadro agorero de los desarrollos futuros de este pintor, usando una paleta que consiste casi completamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.

Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles

indistintos y casas con los reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el

conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a saber las raíces de su abstracción futura.

Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los "Moderne Kunstkring" 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Vida tranquila con una olla de jengibre). La versión cubista de 1911, y la abstracta de 1912, en la segunda versión el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.

Estuvo en París entre 1911 y 1914, recibiendo la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el

grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyeron un grupo de artistas que recibieron la directa

influencia de la "revolución cubista". En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo "Cercle et carré" y en 1931 a Abstraction-Création. En 1938 se marchó a Londres y, en 1940, a los Estados Unidos. En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.

La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.

al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él

intenta representar con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica.

A pesar de ser muy conocido, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

Pieter Cornelis Mondriaan

Nacimiento 7 de marzo de 1872

Amersfoort, Países

Bajos

Fallecimiento 1 de febrero de 1944

Nacionalidad Neerlandesa

Área Pintor

Movimiento Neoplasticismo

Obras

destacadas

Composición con

Amarillo, Azul, y Rojo,

1939-42

ART DECO

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco

Morfología y tecnología

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.

Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Sociología

El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al

progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del jazz'.

Decadencia

El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México, Ecuador y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó como José Fioravanti en Argentina.

Un resurgimiento del interés en el Decó vino desde exploraciones del diseño gráfico en los años 1980. Su asociación con el "film noir"

en cinematografía y el encanto del glamour de los años 1930 propició su reempleo a finales de la década de 1980 en piezas

publicitarias para joyería y el mundo de la moda y en la decoración de hoteles como el Hotel Fairmont de la Ciudad de México.

Caracteristicas

El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los

imprescindibles zigzag.

Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos,

nubes ondulantes.

Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos,

panteras palomas, garzas.

Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de

delineaciones geométricas.

Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.

Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles

naturales de zapa, de tiburón y el carey.

Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los

descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.

En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas

marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol,

el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.

Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a

la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la

"garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Ejemplos sobrevivientes

Miami Beach (Estados Unidos), tiene una vasta colección de edificio Art Decó, con alrededor de treinta manzanas de hoteles y edificios residenciales de los años '20 a los '40. En 1979, el Distrito Histórico Art Decó de Miami Beach fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos. Casi todos los edificios fueron restaurados y pintados nuevamente en sus tonos pastel originales.

1

Los Angeles tiene también una abundante arquitectura Art Decó, especialmente sobre el Wilshire Boulevard, una arteria de importancia que sufrió un auge de la construcción durante los años '20. Algunos ejemplos notables son el Bullocks Wilshire y el Pellissier Building y Wiltern Theatre, contruidos respectivamente en 1929 y 1931. Ambos edificios han sido restaurados recientemente.

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Algunos de los mejores ejemplos sobrevivientes del arte y la arquitectura Art Decó se encuentran en La Habana (Cuba). El Edificio Bacardí se destaca por su estilo particular,

4 que refleja los temas clásicos del

Art Decó. El estilo se aplicó a las residencias, edificios de oficinas, hoteles y muchas otras clases de arte decorativo, mueblería y utensilios en edificios públicos, así como en viviendas privadas.

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Otro país con muchos ejemplos de una rica arquitectura Art Decó es Brasil, especialmente

en Goiânia y en ciudades como Cipó (Bahia), Iraí (Rio Grande do Sul) y Río de Janeiro, especialmente en Copacabana. También en el nordeste brasileño — notablemente en pueblos pequeños como Campina Grande del estado de Paraiba — hay una cantidad notable de edificios Art Decó, un conjunto que ha sido llamado "Sertanejo Art Deco" por sus características arquitectónicas particulares.

6 El

motivo por el cual este estilo tuvo tanta difusión en Brasil es que coincidió con el rápido crecimiento y los cambios económicos radicales que sufrió el país en la década de 1930. Los edificio Art Decó también abundan en Montevideo (Uruguay), con un caso notable como es el icónico Palacio Salvo, edificio más alto de Sudamérica a fines de los años '20.

En la Argentina también el Art Decó tuvo su período de auge, en la segunda mitad de los años '20. Sin embargo en las provincias, el estilo llegó más tarde y también se prolongó durante más años, llegando a fines de los años '30. El arquitecto Alejandro Virasoro fue quizás el pionero que trajo el Art Decó al país, y sus obras más recordadas con La Equitativa del Plata y la Casa del Teatro, en Buenos Aires. Pero el estilo se aplicó también a todo tipo de construcciones: edificios residenciales, de oficinas, viviendas, escuelas, cines y locales comerciales. Quizás no exista un caso verdaderamente paradigmático del Art Decó en Buenos Aires, pero es un estilo que se difundió ampliamente. En las ciudades de la Provincia de Buenos Aires, el arquitecto Francisco Salamone realizó una amplia variedad de edificios de un estilo muy particular, combinando el Decó con el futurismo, que son tomadas como un caso único.

Fair Park, en Dallas (Texas), se mantiene como una de las colecciones más vastas de estructuras Art Decó. Mucho del patrimonio Art Decó en Tulsa, Oklahoma pertenece al segundo auge petrolero.

7 Houston (Texas) tiene algunos edificios en pie, como el City Hall, el

JPMorgan Chase Building, el Ezekiel W. Cullen Building, y el 1940 Air Terminal Museum, aunque muchos han desaparecido por el desarrollo inmobiliario.

8 En Beaumont, la Jefferson County Courthouse]], construida en 1931, es uno de los pocos edificios Art Decó

que siguen en pie en esta ciudad. El Kyle Block, un local comercial en el centro de Beaumont, es un buen ejemplo de la arquitectura Decó en zig-zag.

Napier, en Nueva Zelanda, fue reconstruida en estilo Art Decó luego de haber sido destruida por el Terremoto de la Bahía de Hawke el 3 de febrero de 1931. Aunque unos pocos edificios Art Decó fueron reemplazados con estructuras más contemporáneas durante las décadas de 1960 a 1990, mucho del centro de la ciudad se mantuvo intacto por suficiente tiempo para ser reconocido como arquitectónicamente único, y desde los años '90 ha sido restaurado y protegido. Para 2007, Napier ha sido nominada para Patrimonio de la Humanidad, siendo el primer lugar cultural nominado en Nueva Zelanda

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Hastings (Nueva Zelanda) también fue reconstruida en estilo Art decó luego del Terremoto de la Bahía de Hawke, y sobreviven abundantes edificio de esa época.

En Londres, el antiguo Arsenal Stadium luce su famosa fachada de la Tribuna Este. Sigue en pie en la vieja sede del club Arsenal F.C. en Highbury (Islington), que fue abandonada en verano del 2006. Inaugurada en octubre de 1936, la estructura fue recientemente catalogada en Grado II y fue transformado en edificio de apartamentos. William Bennie, el hombre que desarrolló el proyecto, aplicó el Art Decó en el diseño final, que fue visto como uno de los estadios más opulentos e impresionantes en el fútbol mundial. El London Underground también es reconocido por tener en sus estaciones variados ejemplos del Art Decó.

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Bombai (India) es segunda ciudad en cantidad de edificios Art Decó, luego de Miami.

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En China, al menos sesenta edificios Art decó fueron proyectados por el arquitecto húngaro Laszlo Hudec, y sobreviven en el centro de Shanghai.

Kansas City tiene su "Power and Light Building", terminado en 1931. Este edificio es un gran ejemplo de la Gran Depresión y sus efectos en la construcción Art decó. Los planes originales preveían una torre gemela que se construiría al oeste. Sin embargo, nunca se realizó por problemas presupuestarios. En consecuencia, esta torre de 145 metros tiene su lado oeste desnudo, sin ventanas. Otros ejemplos de edificios Art Decó en Kansas City incluyen el Auditorio Municipal, la Jackson County Courthouse, el City Hall; y el edificio 909 Walnut.

Cincinnati (Ohio) tiene su Union Terminal, una estación ferroviaria de pasajeros de estilo Art decó que se terminó en 1933. Luego de la caída del ferrocarril como medio de transporte, la mayor parte del edificio se

destinó a otros fines. Ahora aloja al Cincinnati Museum Center, que recibe más de un millón de visitantes por año, y es el 17 museo más visitado de los Estados Unidos.

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Esta ciudad también tiene la Carew Tower, un rascacielos Art Decó de 49 pisos construido en 1931.

En 2005, comenzó el proyecto de restauración para residencias de edificios Art Decó más grande de los Estados Unidos, en New Jersey.El Jersey City Medical Center, con superficie de 56.550 m² (un sitio histórico nacional) fue transformado en un enclave residencial, y y en 2009 fueron concluidos tres de los muchos edificios del lugar.

En Indonesia, el caudal más importante de edificios de la época de las Indias Orientales Neerlandesas se encuentra en las grandes ciudades de Java. Bandung es un caso particular, ya que posee una de las colecciones más importantes de edificios Art Decó de los años '20 en pie en todo el mundo,

15 gracias al notable trabajo de muchos arquitectos y proyectistas holandeses, incluyendo a Albert

Aalbers que agregó el estilo impresionista al Art decó con su diseño del Denis Bank (1936) y su renovación del Savoy Homann Hotel (1939), Thomas Karsten, Henri Maclaine-Pont, J. Gerber y C.P.W. Schoemaker. El edificio Nederlandsche Handel Maatschappij (1929), actualmente Museo Bank Mandiri, de J. de Bryun, A.P. Smiths, y C. Van de Linde, y la estación Jakarta Kota (1929) diseñada por by Frans Johan Louwrens Ghijsels, son los casos de Art Decó en pie de Jakarta.

El Teatro Metropolitano de Manila, ubicado en la calle P. Burgos de Manila es uno de los pocos casos existentes de Art Decó en las Filipinas.

Valencia (España) tiene profusa arquitectura Art Decó, del período de bonanza económica de entreguerras, en la cual España permaneció neutral. Son particularmente remarcables la casa de baños de Las Arenas, el edificio del Rectorado de la Universidad de Valencia y los cines Rialto (actualmente Filmoteca de la Generalitat Valenciana), Capitol (transformado en edificio de oficinas) y Metropol.

Los ejemplos más importantes del Art decó de África se construyeron en Eritrea durante el período italiano. Muchos edificios siguen en pie en su capital Asmara, y en otras ciudades. Tambien abunda el Art Decó en el centro de Casablanca, la capital económica de Marruecos.

Finalmente, uno de los casos más famosos de Art Decó que sobreviven es el famoso RMS Queen Mary, actualmente anclado en retiro Long Beach, California como myseo y hotel flotante, un verdadero recuerdo de las glorias pasadas de uno de los alguna vez numerosos transatlánticos, y del período Art Decó.

Pintores .

Beltrán Massés

Alexandra Ekster

Vadim Meller

Jean Dunan

Tamara de Lempicka

Pierre Legrain

Francois Jourdan

Maurice Ascalon

Eileen Gray

Lewis Sue

Paul Jirbe

Robert Mallet-Stevens

Santiago Martínez Delgado

Rene Prou

André Mare

José Fioravanti

Armand Albert Rateau

Jacques Emile Ruhlmann

Jean Puiforcat

Jean Marie Mouron (Cassandre)

Eduardo García Benito

Sergio Trujillo Magnenat

Arquitectos

Raymond Hood

William Van Alen

Henry Hohauser

L. Murray Dixon

T. L. Pflueger

Manuel J. Raspall i Mayol

Octavio Perez Picó

CONCLUSIONES

“De Stijl” ha demostrado ser el cambio hacia una arquitectura nueva, es decir, una arquitectura moderna. La arquitectura nueva descansará esencialmente sobre el cálculo y la simplicidad. La composición especial, proyectada en dos dimensiones por una sección

horizontal (la planta) puede remplazarse por un cálculo exacto de la construcción.

El arquitecto moderno suprimirá, no sólo la repetición monótona de los tipos clásicos, sino que destruirá también la igualdad de las dos mitades: la simetría. En lugar de ésta, exigirá equivalencias que mantengan el equilibrio entre esas mitades desiguales. La

arquitectura nueva no distinguirá entre fachada y espaldas, costado izquierdo o derecho. Esta será muy rica en el desenvolvimiento en el espacio-tiempo.

En cuanto a los materiales de construcción, los arquitectos modernos utilizan el hierro, el concreto armado, el vidrio, el caucho y demás materiales desnaturalizados producidos por la técnica moderna.

En todas las realizaciones y en los proyectos que se han realizado, esta arquitectura se desenvuelve de los elementos de la construcción: función, luz, plan, masa, tiempo, espacio, materiales, color, etc.

El Art deco significo un símbolo de progreso y modernidad, una alternativa

constructiva en la demanda cada día mas continua de nuevas viviendas que además implicara un ahorro en tiem po y dinero para su realización muchas de ellas auto construidas o producidas por compañías inmobiliarias que manejaban las ultimas

tendencias internacionales. Es importante señalar como logra trascender el Art deco en el gusto y arraigo general

de la ciudad en todas las escalas sociales, urbanas y económicas nos dan una pequeña muestra de lo que fue, sino también como parte

activa del crecimiento y desarrollo de la misma. Muchos ejemplos de arquitectura con elementos Art Deco han desaparecido total o

parcialmente por diversas razones; mucho de lo que existía solo queda el recuerdo y en algunos casos un documento fotográfico. Lo mejor de esta arquitectura es que buscaba

renovarse, librándose de un pasado colonizado, incorporando técnicas y materiales simples y accesibles para lograr un resultado sencillo, digno y creativo.

Es por eso la latente preocupación de que esta arquitectura que en muchos casos ha sido despreciada y que en otras ha pasado desapercibida, se

comience a valorar a través de su conocimiento, esto como punto de partida de lo que mas tarde será labor de preservación y de reutilización.

UNIVERSIDAD SANTA MARIA LA ANTIGUA DE PANAMÁ

FACULTAD DE CIENCIAS Y TECNOLOGIAS

ARQUITECTURA

PROFESOR:

ESTUDIANTE:

DIANA ROJAS

4-752-2272

MATERIA

HISTORIA DEL ARTE

TEMA:

DE STIJL

ARTE DECO

FECHA DE ENTREGA:

18 DE JUNIO DEL 2010