ANALISIS PELICULA “EL EMPLEO DEL TIEMPO”

Sinopsis argumental:

Vincent (45) es un hombre cansado de su rutina laboral que es despedido de su trabajo, por

razones desconocidas. Avergonzado de su situación de desempleo engaña a su familia y amigos,

diciendo que ha cambiado de trabajo por uno mejor.

A partir de este momento deambula todos los días con su auto, recorre empresas y se hace pasar

por empleado de las mismas. De la misma forma engaña a amigos que confían plenamente en él,

pidiéndoles dinero, para que inviertan en su trabajo falso. Con este dinero mantiene a su familia.

Cuando su familia se entera de la mentira, desolado, vuelve a entrar a trabajar a una empresa en

la que fue recomendado por su padre.

Enfoques éticos:

Podemos decir desde el punto de la moral que mentir es moralmente malo, y agravado cuando se

trata de una mentira dentro del seno familiar. Estafar es moralmente malo, y agravado cuando se

está aprovechando de la confianza de un amigo. Vender de forma ilegal es moralmente malo.

Pero podemos decir desde el punto de vista de la ética que Vincent tal vez quiso proteger a su

mujer e hijos, sabiendo la reacción que podrían llegar a tener, lo que podrían llegar a sufrir, ahora,

¿Realmente es una protección el mantenerlos en una mentira tan grande? ¿Es una protección que

su familia crea que él está en un lugar en el que no está? ¿No pone en riesgo a su familia, al estafar

a sus amigos? ¿Es correcto abandonar así a su familia, “protegiéndola”?

Podríamos decir desde el punto de vista de Kant, que las acciones llevadas a cabo por Vincent son

contra el deber, ya que son totalmente egoístas, piensa en su felicidad, en ocupar su tiempo como

quiera, no piensa en el futuro de su familia, ni en los engaños que hace a sus amigos. Estas

acciones, además de ser contra el deber, son mediadas, porque está involucrando a su familia y

amigos, los está perjudicando, y Vincent parece no preocuparse por eso. Su mujer e hijos le

reclaman su ausencia y el se justifica y se va, no parece afectarle.

Sin embargo las acciones llevadas a cabo por el padre de Vincent también son contra el deber,

porque no está pensando en el sufrimiento que genera en Vincent el volver a entrar en la telaraña

de la rutina y dependencia de una empresa.

Respecto de la Felicidad, podemos decir que Vincent es un hombre como cualquier otro, que

trabaja como la mayoría de la población, en relación de dependencia en una empresa, dentro de la

rutina asfixiante que esto significa.

Él, aparentemente, decide alejarse de esta rutina, para poder ser feliz. Disfrutar de su tiempo,

hacer lo que él quiera y cuando quiera. Pero esto lo lleva a estar solo por las calles, deambulando,

lo que tampoco lo hace feliz.

Cuando Vincent visita a su amigo músico y su familia, vemos la sencillez de ellos. Vincent ve lo feliz

que es su amigo dedicándose a lo que le gusta y no teniendo que trabajar para otros. Luego los ve

por la ventana, todos juntos, su amigo feliz, su mujer con la niña, todos juntos. Sin embargo él está

solo, en la calle, en la oscuridad, pero al menos, no está dependiendo de otro en una empresa.

Vincent se escapó de la rutina, pero sin embargo, parece que está feliz cuando entra en las

empresas y se hace pasar por empleado de éstas. Es decir, no es feliz trabajando en la rutina, pero

tampoco puede vivir sin ella.

Pareciera que el director ve como “Felicidad”, el poder elegir qué hacer, no depender de una

entidad que decida por vos, siendo un número en el mundo. Debiendo respetar los horarios que te

establecen, comer en determinado horario, usar determinada ropa. Esto genera placer, teniendo

en cuenta la visión de Stuar Mill sobre la felicidad, entendida como placer. Si tuviéramos en cuenta

la visión de Aristóteles sobre la felicidad, estaríamos muy lejos de considerar como felices, las

acciones de Vincent.

Hay que tener en cuenta que el director de la película es un artista, por lo tanto hace uso de su

libertad, cosa que no puede hacer Vincent, ni la mayoría del común de la gente. Es lógico que la

visión del director sea relacionar libertad con felicidad, sin embargo, el personaje no logra llegar a

la felicidad, porque es valiente como para salir del sistema de la empresa, pero no lo es lo

suficiente, para enfrentar a su familia.

Con respecto a la virtud, Vincent no es virtuoso, ya que no puede ser excelente en el desarrollo de

algo. Sí podemos verla en su amigo músico, que es virtuoso en la música. También podemos verlo

en la esposa de su amigo, que es virtuosa en su trabajo y atención a los niños.

Valores podemos encontrar en su amigo, que a pesar de saber que lo engañó, lo llama y quiere

arreglar las cosas, dice que no le importa la plata, sino él. También puede verse en su mujer, que

finalmente lo acepta, entiende y perdona.

Disvalores encontramos en Vincent, por sus mentiras, engaños y egoísmo. En el falsificador de

relojes.

La solución que se me ocurre es que Vincent antes de hacerse echar, hablara con su familia e

intentara junto a ellos, buscar otro trabajo o viera la forma de ocupar el tiempo que le quedaba

libre en cosas que le provocaban placer.

Obviamente el modo en que se manejó Vincent no era el mejor para él, ni para nadie de su

alrededor.

Intención del autor:

El autor, quiso mostrar la desolación de un hombre (representando a la mayoría de la población

que trabaja en empresas, en relación de dependencia), cansado de trabajar para un sistema con el

que no está de acuerdo, que lo hace infeliz, y que vive para él. Al cual le didica todo su tiempo,

toda su vida. Regalar la vida a una entidad…Pero que sin embargo no puede alejarse de él, ya que

si se aleja, queda sin rumbo en la vida, dirigiéndose hacia ningún lado, deambulando por las calles,

perdido…

Los diálogos son pocos. Ya que el autor se centró en la soledad y aislamiento de Vincent, por lo

tanto hay muchísimo tiempo de silencio, en donde solo esta Vincent, callado, pensando, en su

auto, caminando por la nieve, recostado, caminando por empresas en las que no trabaja… Hay

muchos llamados telefónicos de Vincent, tal vez porque es más fácil no dar la cara cuando se está

mintiendo, sin dejar de tener en cuenta que el que habla por teléfono, es a la vista, alguien muy

importante y muy ocupado, resolviendo temas de tremenda “urgencia”, al menos así llaman a

determinados asuntos en las empresas.

La línea argumental podría decirse que es una unidad. En la película no pasa demasiado. Todo se

centra en el interior de Vincent, es sus sentimientos, su psicología. Podría decirse que los únicos

cambios que hay en la película son: decisión de engañar a su familia, decisión de engañar a sus

amigos, decisión de vender relojes falsificados, decisión de dejar de hacerlo, decisión de volver a

trabajar.

Igualmente cuando hay diálogo, está presente el reproche de su familia por su ausencia. O

negocios falsos de Vincent con sus amigos. La mayoría de los diálogos son mentiras y engaños. En

la mayoría de las escenas, lo que se dice no es lo que pasa.

Predominan los planos pecho, ya que hay gran cantidad de escenas de Vincent en el auto. Luego

hay muchos planos americanos y unos cuantos generales, mostrando los lugares por los que

deambula Vincent. Predominan también los planos desde dentro del auto.

El arte es correcto. Su casa, su vestuario y el de su familia, acorde a una clase media alta. El arte de

las empresas es correcto también. Todo está en su lugar, estructurado, como son en general las

empresas.

El uso del sonido es directo. También hay música extradiegética de tipo “dramáticas” acorde a los

momentos que vive Vincent, que aumentan la tensión e impacto en el espectador.

El montaje es manejado por corte directo. No tiene prácticamente transiciones.

Elementos disfuncionales:

Creo que no existen elementos disfuncionales.

Responsabilidad deontológica:

Creo que el artista tiene la libertad de elegir como mostrar la historia, y es muy sutil, pero sin

embargo impacta y funciona. El artista podría haber mostrado el final real de esta historia que

consiste en el asesinato de la familia de Vincent por el propio Vincent, sin embargo no eligió

impactar mostrando la muerte de niños inocentes, por ejemplo, si no usar la sutileza al extremo.

Por otro lado, es responsable del impacto que la película tenga en tanta gente que está inmersa en

la rutina asfixiante de la dependencia de una empresa y en esta suerte de regalar nuestra vida a

corporaciones superiores. Tal vez podría ser responsable de que personas se animen a renunciar a

su trabajo, o tal vez sería responsable de que personas no se animen a dejar su rutina por miedo a

quedar perdidos, deambulando por la vida, como le ocurrió A Vincent .

Dimensión Ficcional:

Un hombre cansado de su rutina laboral que es despedido de su trabajo, por razones

desconocidas. Avergonzado de su situación de desempleo engaña a su familia y amigos, diciendo

que ha cambiado de trabajo por uno mejor.

A partir de este momento deambula todos los días con su auto, recorre empresas y se hace pasar

por empleado de las mismas. De la misma forma engaña a amigos que confían plenamente en él,

pidiéndoles dinero, para que inviertan en su trabajo falso. Con este dinero mantiene a su familia.

Cuando su familia se entera de la mentira, desolado, vuelve a entrar a trabajar a una empresa en

la que fue recomendado por su padre.

Meta ficcional:

El autor elije contarlo por medio de imágenes muy oscuras, representando la oscuridad que existe

en el interior de Vincent. También muestra extensos lugares desiertos, así como está desierta la

vida de Vincent.

Utiliza también música extradiegética empática con la cual logra introducir al espectador en el

estado psicológico de Vincent, en sus sentimientos.

En los paisajes que muestra, siempre está nublado, no vemos el sol en ninguna parte de la

película. También se puede ver que hace frío, tal vez el frío que siente Vincent en su alma.

El vestuario que utiliza Vincent es oscuro también como todas las escenas en as que se encuentra

Vincent solo.

Por otro lado, utiliza edición por corte y no utiliza transiciones.

Dimensión Social:

En general, esta película tubo muy buenas criticas, no solo en Europa si no a nivel mundial. Fue

premiada en numerosas ocasiones como:

Nominaciones por “El empleo del tiempo”

2001 Mejor guionista europeo L'Emploi du temps Nominado4

2003 Mejor película en lengua no inglesa L'Emploi du temps Nominado[4

Además en el Festival de Venecia el director recibió la Mención de Honor por esta película.

Espectador:

Un posible espectador que se sienta herido en su sensibilidad por esta película podría ser un

empleado en relación de dependencia que viva para una entidad, luchando cada día, por

ascender, por brindarle lo mejor de sí a la empresa, que luche por tener todo al día, por hacer su

trabajo perfecto, por trabajar cada día un poco más. Todo esto, para poder brindarle lo mejor a su

familia, llevar el pan de cada día a su casa, por brindarle educación y salud a sus hijos.

Posible crítica:

¿Qué se soluciona con mostrar un problema sin una posible solución? ¿Creés que lo correcto es

ser artista en lugar de trabajar? Nada se regala. Por eso hay que producir, trabajar. Vos no

producís nada que sirva y después estás debajo de un puente pidiendo para comer. Yo, en cambio,

me gano el pan de cada día.

Posible respuesta:

Yo soy libre. Por lo tanto expreso lo que quiera.

Ficha técnica:

Dirección: Laurent Cantet.

Año: 2001.

País: Francia.

Duración: 133 min.

Interpretación: Aurélien Recoing (Vincent), Karin Viard (Muriel), Marie Cantet (Alice), Félix Cantet

(Félix), Elisabeth Joinet (Jeanne), Nigel Palmer (Jaffrey).

Guión: Robin Campillo y Laurent Cantet.

Música: Jocelyn Pook.

Fotografía: Pierre Milon.

Montaje: Robin Campillo.

Dirección artística: Romain Denis.

Vestuario: Elisabeth Mehu.

Clarín.com » Edición Jueves 06.06.2002 » Espect�culos » Esclavo del trabajo CINE: CRITICA Esclavo del trabajo

El Empleo del Tiempo, de Laurent Cantet, abreva en la vida real como pocas ficciones del cine francés.

PABLO O. SCHOLZ. Vincent se quedó sin trabajo, y no tiene la valentía de contárselo a Muriel, su mujer, a sus hijos, a sus padres,

a sus amigos. Para él, el trabajo es algo inherente e inseparable a su persona. Forma parte de su identidad. Así que se inventa uno.

Si en Recursos humanos Laurent Cantet había contado las vicisitudes de los obreros, en particular la relación entre un padre a poco de jubilarse en una fábrica de provincia y su hijo, que se hacía cargo de la oficina de personal debiendo despedir a su progenitor, El empleo del tiempo retoma al trabajo como eje

existencial de su protagonista, ahora un oficinista. Hace meses desempleado, Vincent necesita llenar su tiempo, y pasa las horas viajando en su auto, y hasta

llega a dormir en él. Se imagina un hombre de negocios que trabaja para las Naciones Unidas. Como vive cerca de la frontera con Suiza, está poco tiempo en su casa. Vincent, en efecto, se ha convertido en un fantasma. Y cuando está entre los suyos, los disfruta como nunca antes.

Pero si en la visión perdida de Vincent el trabajo define quiénes somos, entonces Vincent no es nadie. Así que la mentira va in crescendo, se vuelve cada vez más grande hasta derivar en el engaño y la estafa de viejos

amigos (como comienza a quedarse sin dinero, les ofrece negocios financieros en el aire, ante la confianza que le depositan), en el espiral hacia el abismo en que se transforma su vida.

Cantet plantea a su protagonista como uno de esos hombres que se convierten fuera de su hogar. Vincent es un esclavo del trabajo. Y sin él, no entiende la vida. Reflejar la vida real es el material con que trabaja Cantet. El filme se basa en un hecho real, pero de distinto

desenlace: el desempleado, al ser descubierto, mató a toda su familia. Y si éste es un drama psicológico —poco a poco el espectador siente empatía con él e intenta comprenderlo en su desesperación, que lo lleva al delito—, Cantet no desvía la atención de lo que pasa en la familia.

El realizador ha sabido aprovechar la experiencia teatral de Aurélien Recoing, en su primer rol protagónico en el cine. Su actuación será difícil de olvidar. Como Muriel está la impresionante Karin Viard, ganadora del César

por La fuerza del corazón, en un papel breve pero sustancial. Párrafo aparte merece el aparentemente irónico final feliz de la película. Obviamente sin adelantarlo, una

primera mirada indica una claudicación de Cantet con su criatura. Pero la mirada de Vincent trasunta dolor. Y ese sentimiento, llega.

EL EMPLEO DEL TIEMPO Tít. original: "L'Emploi du temps" (Francia/2001, 132'). May 13 años

Género: Drama Dirección: Laurent Cantet Intérpretes: Aurélien Recoing, Karin Viard, Serge Livrozet Salas: V. Recoleta, Lorca

Muy buena

Lunes, 25 de octubre de 2004 | Hoy CONTRATAPA

El empleo del tiempo

Por Sandra Russo

Debería agregarse a la lista de los pequeños placeres de la vida: llegar a casa cansado, prender la televisión,

comprobar que en los canales de aire lo único que dan son porquerías, hacer zapping y descubrir que en el

cable justo está por empezar una película francesa. El pequeño placer se convierte en placer con todas las

letras (incluyendo esa cuota de vértigo de los placeres con todas las letras) si esa película es El empleo del

tiempo, de Laurent Cantet, el mismo director que con Recursos humanos hizo, de algún modo, un

malabarismo similar para internarse en cuestiones que en manos de otro podrían ser panfletarias, pesadas,

recurrentes, y en las de él son historias que dicen mucho más de lo que muestran. Allí se detenía en el borde

contradictorio y conflictivo de la relación entre un padre obrero y un hijo ejecutivo. Escarbaba en esa relación a

través de un relato que daba vuelta la trama previsible: el padre estaba orgulloso de su hijo, pero el hijo no

podía estar orgulloso de un padre que negaba su propia dignidad. El hijo había llegado a donde el padre lo

había empujado: a eyectarse de su clase, a ser parte de la patronal, pero eso no era para el hijo algo para

agradecer, sino algo para reprochar. Bajo la simple idea de “querer algo mejor”, el padre había criado no a su

hijo sino a un hijo del sistema.

En El empleo del tiempo, Cantet sigue profundizando en la subjetividad capitalista y mete la cabeza en una

problemática curiosa, abismal, tan íntima y tan social al mismo tiempo que por sí sola es un hallazgo: qué

hacemos con el tiempo, cómo lo invertimos, en qué, el tiempo como mercancía, el tiempo como banda ancha

de intercambio de comunicaciones productivas, como mera posibilidad de remar hacia la plusvalía, el tiempo

alienado y enajenado de sujetos que no son dueños sino empleados de sus días. El tiempo como herramienta

de uso y lucro, y al mismo tiempo como amenaza, si está vacío. Cantet exhibe criaturas domesticadas hasta

el límite de la cordura. Expropiadas de su vida, es decir de su tiempo, de sus días y de sus horas, de sus

cinco minutos, de su ocio. ¿Qué es la vida si no es tiempo?

Un ejecutivo es despedido. Sobre él pesa no sólo la responsabilidad de su familia sino también las enormes

expectativas de su padre. El hombre calla. No se anima a decirlo. Miente. Pasa el día por ahí, vagando, habla

por celular con su esposa, le dice que tiene reuniones hasta tarde, se sostiene en la simulación del ocupado.

Se queja de la sobrecarga de trabajo: es el slogan que lo enmarca. Cuando no puede más, sigue mintiendo.

Inventa un trabajo en Ginebra como funcionario de la ONU. Se muda solo. Su familia comprende que todos

deben hacer un sacrificio. Una buena carrera profesional es algo por lo que todo el mundo sabe que hay que

pagar. ¿Pagar con qué? Principalmente, con tiempo. Después de todo, cada día y desde que nos hacemos

cargo de nosotros mismos, ¿qué ofrecemos a cambio de un salario? Nuestro tiempo: nuestras vidas.

La trama va derivando hacia costados oscuros. El tiempo sin empleo, el mal uso del tiempo, arrima al

protagonista al mundo del delito, de la estafa. El tiempo vacío lo va corrompiendo. La película de Cantet se

abre en dos grandes líneas argumentales. Una va por la superficie, describiendo cómo en una sociedad

hipercompetitiva las personas privadas del uso previsible del tiempo van ahogándose en tiempo: van

languideciendo entre horas muertas. Sin trabajo no hay nada. Y va mostrando cómo, cuando el tiempo está

muerto, se llena de fantasmas y se advierte que esos fantasmas no son tales: en ese submundo habitado por

seres fuera de serie en el sentido más literal posible, germina el delito. Pero por otro lado, la visión del

protagonista cargando como una cruz su propio uso del tiempo toca una cuerda más profunda, existencial:

¿qué nos han hecho? ¿Qué ha pasado para que haya personas que no tengan, de sus propias vidas, ninguna

idea desanudada de la idea de la producción? Se lo ve a él vestido como para una reunión de directorio,

durmiendo en el auto, deambulando por la calle, comiendo en bares, hablando por teléfonos públicos,

pasando el día entero en un sillón confortable en una empresa corporativa en la que ve ejecutivos y

secretarias hacer lo suyo, nada, constatar citas, comunicar estadísticas, defender proyectos, moverse

mutuamente el piso. Sentado en ese sillón del que después un guardia lo echará con buenos modales –él

está bien vestido, el guardia es respetuoso con un hombre de impermeable tan caro–, uno ve no a un hombre:

es un cobayo que se ha quedado sin su jaula. Y eso somos: cobayos que reclamamos jaula. En 1996,

también francesa, la crítica literaria Viviane Forrester escribió en su libro El horror económico: “En la

actualidad un desempleado no es objeto de una marginación transitoria, ocasional, que sólo afecta a

determinados sectores. Está atrapado por una implosión general, un fenómeno comparable con esos

maremotos, huracanes o tornados que no respetan a nadie y a quien nadie puede resistir. Es víctima de una

lógica planetaria que supone la supresión de lo que se llama trabajo, es decir, los puestos de trabajo. Pero

aún hoy se pretende que lo social y económico están regidos por las transacciones realizadas a partir del

trabajo, cuando éste ha dejado de existir. Las consecuencias de este desfasaje son crueles. Se trata y se

juzga a los sin trabajo, víctimas de esa desaparición, en función de los criterios propios de una época en la

que abundaban los puestos de trabajo. Despojados de empleo, se los culpa por eso, se los engaña y

tranquiliza con promesas falsas que anuncian el retorno próximo de la abundancia”. Cantet acierta a dar con

un tema que reúne como pocos la marca social en la piel más fina y virgen de un hombre común. El empleo

del tiempo es una película de una fuerza política notable, justamente porque exhibe la carne viva, la

privacidad más llana de un personaje que va cayendo lentamente, que va siendo expulsado en cámara lenta

de la moral. La película da su estocada en la perfección de un título. Todos somos empleados del tiempo. En

su libro, Forrester hacía una pregunta que se puede retomar hoy aquí, a la vista de miles y miles de hombres

y mujeres que ni siquiera se dicen desempleados, porque eso supondría haber tenido un empleo y haberlo

perdido. Un desocupado es algo menos que un desempleado. La pregunta es ésta: “¿Pero qué sucede con el

derecho a vivir cuando éste ya no funciona, cuando se prohíbe cumplir el deber que da acceso al derecho?

¿Qué sucede cuando se vuelve imposible cumplir con la obligación?”.

ANALISIS PELICULA “EL METODO”

Sinopsis argumental:

España, 2005. El país se encuentra en conflicto por la falta de empleo, se ven enfrentados a

diferentes protestas. Un grupo de 7 personas con perfiles marcados como economistas, abogados,

contadores, médicos etc., es citado a una entrevista en una corporación para desempeñar un

puesto de gran importancia. Entre ellos se encuentra Nieves y Carlos quien años atrás había vivido

una pequeña aventura de amor. Se ven enfrentados a pasar una serie de pruebas que irán

demostrando cada una de sus capacidades intelectuales y morales, entre ellos se encuentra un

topo, que es un integrante de la empresa que junto con la secretaria se encargaran de ir

eliminando uno por uno de ellos, hasta que finalmente solo quedan dos que se disputaran sus

valores éticos y morales por el puesto que desean.

Enfoques éticos:

Para poder desarrollar factores éticos y morales de la película en general tengo que pasar por

desglosar, a cada personaje, incluyendo la corporación.

Teniendo en cuenta el momento en que esta situada la película con una taza de desempleo que

crece cada día más, y en donde las protestas de la comunidad son cada vez mayores y casi

pertenecen al día, día en la España del 2005. Tenemos a la organización, quien incorpora un

método de selección de personal llamado, “Método Gronholm”, utilizado para sacar de cada uno

de los personajes lo mejor y lo peor de ellos, y así ver como se maneja cada uno en diferentes

situaciones y como se enfrentan para conseguir lo deseado.

DEKIA: es la corporación que maneja una ética distinta a todas las empresas, puesto que se

aprovecha de una situación determinada, conoce que el método en cierta forma es someter a las

personas a que se humillen por conseguir un trabajo en una época de crisis. Moralmente es un

ente poderoso que conoce su posición y hace uso de ella. No ve nada de malo, en empeñar una

técnica que lleva utilizando hace mucho y de la cual han tenido gran resultado, ahora hay dos

personas que pertenecen al equipo de recursos de personal, los cuales engañan a los postulantes

haciéndose pasar por personajes que no son. Y llegan a mentir en repetidas veces para poder

cumplir su objetivo.

En el caso de la empresa pareciera que los valores fueran dados por Objetivismo, en donde las

cosas valen por si mismas, por ser útiles, por que nosotros le damos ese valor, es lo que sucede

con la empresa, ven al valor, como algo material, en realidad lo que quieren es un trabajador

perfecto o conveniente para la empresa, pero ese valor al empleado no pasa por persona, si no

por su capacidad para dar, y de tal forma la empresa recibir.

Pero a su vez podemos considerar un subjetivismo axiológico, en donde lo fundamental es la

sociedad, el grupo humano, es como si la empresa misma le diera un valor significativo al puesto

dependiendo de la situación que se esta enfrentando creando legislación y otorgando valores a

partir de una estimulación colectiva.

La empresa como tal y el método manifiestan la felicidad como el alcanzar algo, pero esto va

cambiando cada vez que se cumple, entonces la felicidad no es completa, pero este caso, la

felicidad la entregan en nombre de puesto de trabajo, en donde los postulantes tienen que pasar

serie de pruebas para encontrar esta felicidad, pero sin conocer el pensamiento del participante, si

es en realidad su felicidad o es solo una manera de alcanzarla, y éticamente cuestionarse si se esta

haciendo las cosas conforme a la moral.

PERSONAJES: Todos están por los 30 a 60 años de edad, tenemos a dos mujeres y a 5 hombres,

disputando el puesto, es decir todos tienen un mismo objetivo al cual para lograrlo se ven

humillados y enfrentados los unos contra los otros al punto de lastimasen verbalmente. Entonces

discutimos la ética y la moral de cada uno pero a su vez se resuelve como la misma.

La necesidad de tener un empleo en plena crisis económica, genera cambios en la personalidad de

la gente, pero en el caso de los 7, podemos ver como cada personaje fue haciendo todo lo posible

para no ser eliminado, sin importar las leyes que se le imponen moralmente. Al presentarse una

especie de concurso la ética se ve interrumpida por la necesidad, o tal vez cada personaje es

consiente de que esta haciendo mal, ante la sociedad, o ante las leyes que pertenecen a la

sociedad pero que le otorgan a cada uno una especie de razonamiento interno, en donde lo

importante no es hacer feliz al otro si no intentar ser feliz cada uno.

Una cosa diferente que vemos al final, es el modo es que Carlos engaña a Nieves para quedarse

con el puesto, con una de sus debilidades que la vamos conociendo cuando estos personajes van

hablando, podemos conocer que estuvieron juntos y que llegaron a pensar en construir una

familia, esto es lo mas deseado por ella, y quizá lo que ella denomina felicidad primaria, y es capaz

de abandonar el trabajo por buscar esta felicidad. Y en el lado contrario Carlos, su desesperación,

por con seguir su objetivo sin importar nada.

Los valores a las cosas, se los damos nosotros mismos, pero todo depende de la sociedad, es como

si en realidad la sociedad eligiera lo verdaderamente valorativo, para así el poder darle una

aprobación.

El personaje de Carlos, en una de las escenas utiliza, el recurso de herir a Ana, con algo que el

sabia que le afectaría. Con su edad. En donde se basa de un argumento que para la sociedad no es

valido, por que es racista, o machista, pero que se le concede un valor por pertenecer a una

mayoría.

Manejamos dos tipos de valores Subjetivistas y objetivistas, para los personajes se podría decir

que es un valor Subjetivista psicológico, por el valor que le confiere a cada uno con el deseo, o

interés.

Ahora bien, cada personaje se identifica por necesitar del empleo, cada uno tiene sus razones para

estar allí, y pareciese que fuese su objetivo para encontrar la felicidad para algunos personajes,

pero hay cosas internas en cada uno de los personajes que hacen que ese pensamiento se valla

opacando y cada uno valla tomando conciencia de que en cierta forma el método es una

humillación, a las que están dispuestos a afrontar, no por encontrar su felicidad, si no por

encontrar un medio para llegar a ella.

Los personajes que hacen de psicólogos, no tienen un código moral para hacer las cosas, pero se

manifiestan como actores, casi como artistas, y conociendo que el artista no tiene un código moral

definido por que su objetivo es la libertad, y la originalidad. Mienten todo el tiempo con cosas,

como “no hay cámaras”. Paralelamente cada uno hablando con uno de los finalistas dándoles

indicaciones para que su objetivo se completara.

El personaje de Carlos, es una persona egoísta, que pasa por encima de las personas para lograr

sus objetivos, quizá no se da cuenta de lo que hace y actúa solo por inclinación y por su propio

bien. Este es el personaje principal y el que termina ganando el puesto, a pesar de haber pasado

por encima de otras personas.

El personaje de nieves, es un poco confuso, es una mujer con conflictos éticos y morales internos,

pero aparenta ser una mujer muy fuerte de manera exterior. Vemos como el personaje va

dándose a conocer, hasta que finalmente lo entendemos. Es un personaje inteligente pero que en

si misma reconoce lo que para ella denomina bien y mal, y reconoce su manejo de la moral al

intentar conseguir este trabajo.

Intención del autor:

Es curioso el empleo del método, puesto que no es verdadero peor como dije antes proviene de

una comedia que se convirtió en una historia.

La película muestra una realidad nos sitúa en una fecha en donde el director pudo mostrar en

cuatro paredes una realidad de un país. Con coreografías avanzadas y gran manejo de la

iluminación logra emplear un conflicto entre personajes en un espacio casi circular, y que no varía.

El manejo del dialogo es muy importante, debido precisamente a la falta de locaciones, la

capacidad de no hacer aburrida la película, lo hace mediante el guion y la manera de contarlo.

Cada dialogo se reconoce como verosímil y tiene mucho que ver con lo que se quería plantear de

esta época.

Quizá la intención del autor, era mostrar una realidad de la manera en como el empleado es

utilizado por las corporaciones, aprovechándose de su necesidad. Y mostrar como cada vez mas se

complica la situación. Quizá por eso escoge que todos sean estudiados y personas con alto nivel

cultural, para mostrar que no solo afectaba a la clase más baja si no también interfería en general

a todo el mundo.

Los planos son generales, medios y cortos, y el manejo de los ejes esta muy bien cuidado, así como

también el manejo de la iluminación.

El arte plantea algo muy correcto, todo esta paulatinamente en orden, casi simétrico, desde el

principio, pero se va desordenando junto con los personajes para dar más realismo de que ha

pasado mucho más tiempo.

Esta película se puede deducir en que se divide en cinco bloques, que son cuando van eliminando

a cada personaje, cada uno lleva una línea argumental que se entrelaza entre ellos.

El sonido y el tema del montaje es contado con cortes directos, muy pocas transiciones, y es casi

manejado en una sola escena, o por lo menos la mayor parte de la película.

El sonido es directo, salvo al principio, que se escucha un canción, o al terminar que se escucha

otra. A su vez el director nos sitúa en medio de una marcha de protesta, de la cual somos

participes de vez en cuando dependiendo del sonido.

Elementos disfuncionales:

Es una película que desde el principio, plantea un desorden ya sea por el problema que surge en

exteriores, o por lo que pasa en general en la película.

El que haya la protesta y que casi estemos dentro de ella, es un buen elemento utilizado, adicional

la misma vida de cada uno de los personajes plantea un desorden completo.

Responsabilidad deontológica:

Como artista, esta es una obra en la que plantea un punto de vista de una sociedad en donde las

grandes corporaciones se aprovechan de las pequeñas. Y en donde existe una especie de cadena

alimenticia que va creciendo cada vez mas, la manera en la que cuenta una historia que es trágica

y como la convierte en una especie de comedia es interesante, pero no deja de hacerse entender

como una realidad por concentrar al espectador en algo que esta ocurriendo, pero con la idea de

que lo entienda de la mejor manera.

Dimensión Ficcional:

Protagonista: Empleado.

Antagonista: Desempleo (corporaciones)

Kant plantea un esquema de acciones en donde las divide por

1. Placer

2. Contra el deber

3. Conforme al deber: en estas las dividimos en dos. a) por inclinación inmediata. b) por

inclinación mediata.

Habla sobre las acciones egoístas de los hombres, entonces las planteamos con los personajes de

esta película de la siguiente manera:

Empleado: actúan conforme al deber, con una inclinación mediata que alude a una intención

egoísta. Ellos no actúan conforme a un sentimiento si no conforme a una necesidad.

Corporación: ellos conocen las reglas, y tienen el poder actúan en contra del deber, por que tienen

una motivación egoísta, la empresa piensa solo en la empresa, y no le importa el bienestar de

nadie.

El método no existe es ficcional, no es evaluado por las empresas, pero es una especie de

exajeramiento de lo que en realidad hacen las corporaciones al momento de escoger a su

personal.

El método Gronhoman, es una comedia que nace de una noticia aparecida hace algún tiempo en

los periódicos en la que se aludía a una serie de documentos encontrados en un contenedor y

pertenecientes al departamento de personal de una cadena de supermercados, según su autor. En

ellos había anotaciones "racistas y barriobajeras" de las personas que habían acudido a realizar la

entrevista de trabajo. La obra muestra cómo cuatro personas son capaces de hacer "lo que sea y

de humillarse y perder su dignidad" para conseguir el trabajo.

Dimensión Meta ficcional:

La fotografía es fría. Se maneja un espacio abierto, pero esta muy bien logrado la coreografía de

grupo, por el tema de no saltar los ejes con las miradas, la iluminación, etc.

Las posiciones de cámara son en trípode, no se maneja cámara en mano, y los planos varían entre

P.G, P.M.L, P.PECHO, Y P.P. hay pocas puestas de cámara pero si gran cantidad de planos que

hacen que la película se vea mejor y se haya utilizado la menor cantidad de tiempo.

La música es moderna, sobre todo en el momento en que empieza la película y en la que termina,

ya después se utiliza sonido directo, puesto que manejan diálogos constantes, el montaje esta

diseñado con cortes directos, sin transiciones, al principio utiliza pantallas divididas en la forma de

narrar a cada uno de los personajes preparándose para la entrevista.

Este tipo de montaje genera un clima mas rígido, mas simétrico, como de orden, el hecho de que

sea con planos muy definidos, la cámara en mano, el lugar tan elegante, el arte todo puesto en si

mismo, la iluminación fría, por el ambiente también frio que se maneja cuentan una historia, y da

una breve reseña de lo que es la película.

Al principio de la película nos cuenta la situación del país, los diarios, la televisión, ruido por todo

lado, desorden por todo lado, más noticias malas, conflictos en las calles, hasta que se llega a ala

oficina, y ese ruido pasa a segundo plano.

El método tuvo una manufactura de:

Presupuesto: USD 3.000.000

Recaudación: 2.458.910.74 € en España, y USD 3.470.651, a nivel mundial.

Dimensión Social:

En general, esta película tubo muy buenas criticas, no solo en Europa si no a nivel mundial. Fue

premiada en numerosas ocasiones como:

Goya 2005

Categoría Persona Resultado

Mejor interpretación masculina de reparto Carmelo Gómez Ganador

Mejor guion adaptado

Marcelo Piñeyro

Mateo Gil Ganador

Mejor actor revelación Pablo Echarri Candidato

Mejor interpretación masculina protagonista Eduard Fernández Candidato

Mejor montaje Iván Aledo Candidato

Círculo de Escritores Cinematográficos

Categoría Persona Resultado

Mejor actor protagonista Eduard Fernández Candidato

Mejor actor de reparto Carmelo Gómez Ganador

Mejor actor de reparto Ernesto Alterio Candidato

Mejor guion adaptado Mateo Gil Ganador

Mejor montaje Iván Aledo Candidato

Tuvo controversia pero con grandes felicitaciones, una película muy bien realizada, y con un

argumento muy interesante, quizá en cierta forma la película afectaría directamente a

corporaciones, ya que se pudieron sentir ofendidos por la crítica al manejo del personal, o tal vez

como la gente ve a las corporaciones, como las personas malas.

No fue una película que se prohibiera, tubo gran repercusión en muchos países, y fue muy

elogiada.

Espectador:

Quizá un posible espectador afectado seria las empresas en general, las grandes corporaciones las

cuales manejan algo muy parecido a poner a prueba a diferentes personas, cabe recordar que el

método nace de la invención de una burla contra un grupo de personas que hacen lo posible por

conseguir un trabajo, por tal razón un posible afectado seria precisamente las grandes empresas,

que no están muy lejos de utilizar un método de selección así, sin importar el respeto o los

derechos que se le debe dar a cada persona.

Posible crítica:

Las corporaciones estamos capacitados para obtener información de las personas a las que vamos

a poner como responsables de la empresa, que a su vez dependiendo de ella, interfieren

responsablemente con un país. Por tal razón, cada persona debe demostrar sus capacidades para

mostrar que es la persona más acta. Adicional el modo en como la película devalúa el trabajo de

las corporaciones, tiene que ver con la imaginación de alguien que no conoce lo que habla.

Posible respuesta:

yo no hablo. Yo proyecto.

La película tuvo un gran impacto social, fue muy atractiva para diferentes clases sociales y

culturales.

Ficha técnica:

dirección Marcelo Piñeyro

Guion Mateo Gil inspirado en la obra El método

Grönholm deJordi Galcerán.

Música Frédéric Bégin, Phil Electric

Fotografía Alfredo F. Mayo

Protagonistas Ernesto Alterio

Eduardo Noriega

Najwa Nimri

Eduard Fernández

Pablo Echarri

Adriana Ozores

Natalia Verbeke

Carmelo Gómez

ANALISIS DE LA PELICULA “LA CORPORACION”

Sinopsis argumental:

Bruno Davert es un alto ejecutivo de una fábrica de papel que lleva quince años dedicado a

satisfacer las necesidades de los dueños y accionistas de la compañía. Debido a un proceso de

reestructuración económica de la empresa, es despedido junto con cientos de sus compañeros. En

principio la medida no le preocupa porque es joven, cuenta con una preparación excelente y cree

que no tardará demasiado en encontrar otro puesto de un nivel similar. Tres años después, aún sin

trabajo, sólo tiene en mente sobrevivir y salvaguardar el futuro de su esposa e hijos. Es entonces

cuando decidirá pasar a la acción y comenzar a aniquilar a su competencia de una forma ordenada

y lógica con el objetivo de conseguir el puesto que desea en una multinacional llamada Arcadia.

Enfoques éticos:

Con respecto a la moral, puede verse reflejado en la película diferentes estatutos morales tanto en

la propia vida del protagonista como en la vida de algunos de los integrantes de su familia. El

primer código moral, que el realizador pone frente a los espectadores, tiene que ver con la

prohibición de matar, o mejor dicho, con la condena moral que esto implica (echo que encarna

además una condena por parte de la justicia). Esta prohibición, y su consecuente condena, viene

dada desde tiempos muy antiguos a partir de que el hombre se ha encontrado atravesado por la

cultura, es (como explica Freud en “el porvenir de una ilusión”) un instinto natural que se ha visto

limitado por preceptos religiosos con el único fin de mantener un orden social. En la película, su

protagonista, Bruno Darvet, al perder repentinamente su empleo en la etapa más productiva de su

vida se ve excluido en cierta forma del tejido social que lo contuvo hasta entonces y al verse

acorralado por el agotamiento de sus recursos económicos viola esta norma moral que impide

quitarle la vida a sus semejantes convirtiendo en un ser individualista extremo, a quien le importa

sólo él y su familia, encontrando a su problema una solución netamente primitiva. Hay aquí

entonces una norma moral que se ve soslayada por la actitud psicópata del protagonista.

Con respecto a esto, ya desde el lado de la ética, sucede que la manera en que los hechos son

mostrados no habilita a una reflexión ética profunda por parte del espectador, y de esta manera

un echo condenable desde la moral y la justicia, se vuelve en cierta manera aceptable, dado el

tinte grotesco con el cual el realizador decidió mostrar los homicidios, quitándole dramatismo a la

acción de matar. Por otro lado, al ver el derrumbe emocional sufrido por el protagonista, se

genera, por parte de los espectadores cierta empatía que habilita a un debate ético más ligero.

Aun así, encontramos una actitud no ética dado que, de todos modos, la forma de proceder del

protagonista violenta valores aceptados socialmente como altos correspondientes a al respeto por

la vida de los demás.

En la película se planten dos cuestiones mas que van en contra de las reglas morales, por un lado

la infidelidad de Marlène, la esposa de Bruno, situación que es juzgada éticamente solo por él y

que se relaciona directamente con el relativismo cultural en donde el subjetivismo de Bruno

(como hombre, occidental, y de valores machistas) responde netamente a conceptos culturales. Y

por otro lado, el robo que el hijo de Bruno hace de un arsenal de programas informáticos, esta

situación que viola normas morales es juzgado por la justicia y encubierta por toda la familia del

muchacho. Aquí se genera una evaluación ética interesante referente a la conducta que la familia

toma, protegiendo al muchacho y burlando a la ley en una suerte de complot familiar, en donde

no se cuestiona demasiado la acción amoral del muchacho sino que, por el contrario, toda la

familia queda expuesta a un juicio ético.

Podemos decir que sí existe una concepción sobre la felicidad, que es por cierto, contrario a la

postulada por Stuart Mill, cuyo fundamento moral es el de “mayor felicidad para el mayor

número”, entendiendo a la misma como placer y ausencia del dolor. En la película el proceder de

Bruno es netamente egoísta, su felicidad consiste en obtener un puesto de trabajo en una

multinacional y esta motivación lo lleva a cometer una serie de homicidios, lo que claramente está

muy lejos de generar felicidad a otras personas que no sean él y su familia.

Con respecto a la virtud en la película se hace un exposición muy superficial sobre la misma, ya

que encierra un mensaje que postula que virtuoso es aquel que sea más apto profesionalmente

para servir a las corporaciones, hablamos de una virtud capitalista, de una virtud en tanto

capacidad para generar dinero, que regula la vida y las actitudes de una sociedad, y por supuesto

el proceder “condenable” del protagonista de la película.

En cuanto a los valores, sobresale en el relato de la película, el valor de la familia, la importancia

de la misma como núcleo de contención social y el valor de la solidaridad entre sus miembros. Así

cuando Bruno decide deshacerse de sus competidores para obtener el puesto de trabajo que

desea, actúa en función de preservar a su familia y otorgarles una vida digna. Cuando el hijo de

Bruno se ve involucrado en un robo y toda la familia coopera para su absolución vemos como el

valor de la solidaridad aparece.

Por otro lado el valor que el protagonista de la película confiere al puesto de trabajo que busca

conseguirse presenta como un valor desconmensurado, ubicándose muy alto en su jerarquía de

valores, lo que lo lleva a matar por conseguirlo. Podríamos ligarlo a una concepción subjetivista

dado que, algo que es natural como el deseo de un buen puesto de trabajo, se convierte en un

valor muy alto en función de un deseo muy elevado.

Intención del autor:

Consideramos que la intensión del autor es la de criticar la impunidad del modelo económico

capitalista, que sobrepone el éxito individual y el dinero por sobre todas las cosas. Esta crítica se

refleja particularmente en el guion a partir de determinados diálogos, por ejemplo en un dialogo

con una de sus futuras víctimas, este le dice a bruno: “Nosotros echamos a la gente en su edad

más productiva. Eso es lo inédito, la sociedad se autodestruye”, y luego agrega, “Haría cualquier

cosa por un empleo pero no venceré al capitalismo (…) deberíamos poner al ser humano en el

centro, pero es tarde…”

En otro momento Bruno dice: “Muchos decían preocuparse por los accionistas. Pero los

accionistas son el enemigo. Despiden a miles de personas para ganar más para la bestia insaciable”

Es este tipo de situaciones de refleja la hipótesis planteada, por otro lado, esto es coherente con la

puesta en escena de los espacios de trabajo que bruno visita, generalmente en estos espacios se

crean desde la fotografía ambientes de iluminación fría, impersonales, no-lugares (en términos de

Augé) y desde el arte estos mismos espacios se manifiestan con colores fríos (celeste, azul,

blanco, gris) y objetos de formas geométricas, rectilíneas. En síntesis, no se presentan como

lugares amigables y consideramos que esto guarda una coherencia ineludible con la hipótesis que

planteamos.

Elementos disfuncionales:

Consideramos disfuncional a esta hipótesis, la manera en que son mostrados los acontecimientos

respecto de los asesinatos, en clave casi de comedia, sin intensidad dramática, lo que le quita

seriedad a la crítica profunda que se ve en los aspectos nombrados anteriormente (diálogos, arte,

fotografía).

Responsabilidad deontológica:

La responsabilidad deontológica que le cabe al autor de esta película es importante. Se trata de la

historia de un asesino serial, que mata a sangre fría y con una motivación netamente egoísta. A

esta situación que debería ser dramática, Costa Gavras elige mostrarla demasiado

descontracturada, rozando lo humorístico y humanizando al protagonista de modo que sus

asesinatos se conviertan en algo cuasi justificable. Razón por la cual su realización podría tildarse

de apología al homicidio.

Dimensión ficcional:

Desde la dimensión ficcional podemos decir que el realizador eligió contar una historia de la

manera en que generara una toma de conciencia en el espectador a partir de mostrar un

personaje que permite sentir cierta identificación. Y en donde se plante una profunda critica a la

sociedad capitalista y al mercado laboral.

Dimensión meta ficcional:

Con respecto a la dimensión meta ficcional consideramos que existen ciertos valores que se

destacan como ser el valor se la familia, este valor se manifiesta de forma explícita a partir de las

situaciones propias del guion.

Por otro lado, desde la selección de los planos hay cierta cuestión implícita, ya que hay una

utilización marcada de PM, y a pesar de trasfondo psicológico que atraviesa el protagonista y que

ameritaría planos bien cerrados, se logra de esta manera cierta distancia que quizás tenga que ver

con no hacer tan dramático el relato.

Desde la fotografía y el arte se acentúa la impersonalidad y los valores poco humanos de las

corporaciones, mostrando lugares fríos y grises de formas rectilíneas.

Responsabilidad Social

Desde la responsabilidad social, el director ha generado una obra, que creemos, busca hacer un

llamado a la reflexión sobre nosotros mismos y sobre el mundo en que vivimos, busca quizás una

situación amoral para llevar al espectador a una reflexión ética que refuerce las normas de la

buena moral y los valores más puros (como el respeto por los demás) por oposición.

Se trata de una película que ha tenido tanto críticas positivas como negativas, estas últimas

referentes a la satirización de un asesino serial.

A su vez también conseguido distinguidos premios y recibido gran cantidad de elogios de parte de

la prensa internacional.

Espectador y posible crítica:

Es probable que existan espectadores que se sientan heridos en su concepción de la vida por ver

como un personaje del otro lado de la pantalla mata por conseguir simplemente un empleo, sin

que, además, de muerte específicamente un rasgo patológico concreto. Además por la manera en

que estos asesinatos se comenten (a plena luz del día y con total impunidad), existe una

“simplificación” del acto de matar que puede resultar perturbadora para ciertos espectadores,

razones por las cuales podrían generar una crítica negativa respecto de la película.

Posible respuesta:

Es difícil saber cuál sería la contestación de Costa Gavras ante estos cuestionamientos, pero

podríamos decir que el realizador no quiso realizar un film tradicional creando un asesino

estereotipado y que, por otro lado, ha querido generar una toma de conciencia del accionar de las

personas en la sociedad en la que vivimos, en donde la concreción de los deseos individuales es

cada me mas fuerte y donde nadie esta ajeno a confundir, en situaciones extremas, las

aspiraciones personales con los derechos de los demás. Entonces creando un personaje empático

nos invita a identificarnos y reflexionar sobre los límites a los que podríamos llegar ante

determinados sucesos. Si en lugar de un personaje como Bruno, Costa Gavras hubiera creado un

personaje despreciable no podría lograr este objetivo de la identificación para una posterior

reflexión y toma de conciencia de los espectadores.

El impacto social que causo la película es variado, por un lado hay quienes interpretan el film como

una metáfora de la decadencia de la sociedad capitalista sin hacer juicios de valor respecto de la

manera en que su directos eligió contar los acontecimientos. Por otro lado existen criti9cas que

aluden a la crueldad y a la crudeza con que es encarado el tema de los homicidios, incluso ciertas

críticas lo plantearon como un film contradictorio refiriéndose a que su protagonista no es un

modelo a seguir pero no se lo muestra como un ser repulsivo.

Ficha técnica:

TÍTULO ORIGINAL Le couperet (The Ax)

AÑO 2005

DURACIÓN Trailers/Vídeos 122 min.

PAÍS Francia

DIRECTOR Constantin Costa-Gavras

GUIÓN Constantin Costa-Gavras & Jean-Claude Grumberg (Novela: Donald Westlaker)

MÚSICA Armand Amar

FOTOGRAFÍA Patrick Blossier

REPARTO José García, Karin Virad, Geordy Monfils, Christa Theret, Ulrich Tukur, Olivier

Gourmet, Yvon Back, Thierry Hancisse, Olga Grumberg

PRODUCTORA Coproducción Francia-Bélgica

PREMIOS 2006: Premios Cesar, 2 nominaciones (Mejor actor y mejor guión)

GÉNERO Thriller. Comedia Negra. Drama

CULTURA / ESPECTACULOS › LA OPRESIVA VIDA DEL SUJETO EN "LA CORPORACION"

Costa Gavras te despierta El genial realizador vuelve a reivindicar el cine que interroga a la sociedad, en este caso con un film que dibuja un alegato sobre la paranoia respecto del temor de perder el trabajo

Por Emilio A. Bellon

Fue a fines de los años 60 cuando el nombre de Constantin Costa Gavras adquirió resonancia internacional a partir del perseguido, censurado y prohibido film "Z"; obra, que por otra parte, en aquellos años y en ciertos breves períodos democráticos obligaba al público a escuchar por boca de los encargados "no hay más localidades". Nacido en Grecia, en la ciudad de Arkadie, exiliado político en la época dictatorial, su obra siempre fue un llamado de alerta a partir de representar los grandes temas sociopolíticos de su tiempo. Y algunos de sus títulos, sólo se conocieron en países latinoamericanos en salas de cine club, de arte o bien se vieron clandestinamente.

Asistente de realizadores de la talla de René Clair, Henri Verneuil, Marcel Ophuls, Jacques Demy, entre otros, Costa Gavras nos lleva a repensar el lugar del cine como una expresión que interroga a ciertos aspectos de la realidad. Así, en su extensa filmografía, que afortunadamente se pueden encontrar en ciertos videoclubs, podemos seguir de cerca conductas de la sociedad de nuestro tiempo, tales como los golpes de estado, la presencia de grupos fundamentalistas que intentan revivir el Ku Klux Klan, los secuestros de personas, las listas negras y las torturas, el dilema ético ante una situación de horror, las relaciones entre la iglesia y el nazismo, como lo certifica su tan polémico film de 2002, "Amén". Igualmente, mira hacia otras propuestas, y de estos títulos que se recortan más en el orden de la vida íntima de los sujetos, recomendamos su film del 79, "Claro de mujer" con Romy Schneider e Ives Montand, en los roles principales.

Los párrafos anteriores nos ubican a Costa Gavras, en el hoy tan liquidado renglón de los realizadores que mantienen una gran coherencia, que se definían entonces de acuerdo con la máxima sartreana como comprometidos. Y sí podemos señalar que aún en sus films demarcados voluntariamente de los condicionamientos del poder, siempre están presentes las grandes tensiones de una época. Ahora, en "La Corporación", film que es España se conoció en noviembre del 2005 como "Arcadia" (nombre que remite a una gran empresa papelera de peso internacional) apuesta a un thriller, despierta un sentido tragicómico, dibuja un alegato sobre la paranoia respecto del temor de perder un espacio en la oferta laboral; subraya el dolor y la angustia de quien, en su desborde, ya confunde los reclamos individuales con los derechos ajenos.

Con la presencia del actor gallego José García, (en un rol cercano al de Daniel Auteil en "El adversario"), el film de Costa Gavras nos presenta a un Bruno Davert, que se verá perseguido, en su condición de nuevo desocupado y serán los permanentes fantasmas en torno a ir perdiendo su status, lo que lo llevan a diseñar un macabro plan. Al tener como bandera de remate de su propia existencia la figura de la competitividad, irá desde su conducta de personaje de todos los días, transitando un periplo que le irá marcando su propia desesperación. Con su rostro, que por momentos nos recuerda a Jack Lemmon, se irá abriendo paso con su conducta cínica y al mismo tiempo torpe entre los variados currículums que destacan cinco expedientes.

En "La corporación" todo funciona en espacios de una presión contenida a partir de simulaciones y coartadas, de sobresaltos que no llegan a ser tales, de encuentros que deparan lo inesperado. Film de profunda reflexión, teñido de un humor que espanta, esta obra del siempre admirable Costa Gavras hace suyo uno de los grandes temas de nuestro tiempo. Y es el que intenta rebajar a un sujeto a un desecho dentro de los planes de las grandes empresas. Desde aquí, el director de "Missing-desaparecido", sobre la gran tragedia latinoamericana, levanta su mirada, abre bien los ojos, sobre aquellos comportamientos, que el mismo sistema obliga a repetir, y que desocultan la extraña y perversa ambigüedad que los rituales sociales, a veces, esconden.

CINE: ENTREVISTA A COSTA-GAVRAS

"El capitalismo salvaje vuelve loca a la gente"

El director de clásicos thrillers políticos como "Z" o "Missing" se mete ahora con el tema de la globalización y

la racionalización de personal en "La corporación", que se estrena hoy.

Diego Lerer.

dlerer@clarin.com

Apenas hizo dieciséis largometrajes en cuarenta años de carrera cinematográfica y casi 73 años de vida (los cumple el 11 de febrero). Sin embargo, Costa-Gavras se ha convertido en casi un sinónimo de un cierto tipo de cine, el thriller político,

que actualmente está en pleno auge gracias a películas como Munich —el filme de Steven Spielberg que se estrena el

mismo día que el suyo, La corporación— ySyriana, otra saga con fondo macropolítico dirigida por Stephen Gaghan, que llega a los cines el 9 de febrero. Sin embargo, esta nueva película de este realizador griego cuyo nombre real es Konstantinos Gavras, está un poco

alejada de las mismas convenciones que filmes suyos como Z, Estado de sitio yMissing, ayudaron a cimentar. Sí, claro, se trata de un thriller, y también es un filme político que ataca duramente temas sociales de actualidad. Pero allí donde antes Costa-Gavras se metía de manera realista en la densidad de los grandes temas macropolíticos, aquí prefiere hacer una suerte de comedia negra para hablar del desempleo, de la globalización y de la locura cotidiana por conseguir un

puesto de trabajo. Aquí ni siquiera su protagonista es un héroe. Más bien lo contrario: es un tipo bastante repulsivo, un hombre que, desesperado por sostener su posición social y laboral, se convierte en un despiadado asesino en serie.

Desde París, donde reside y tiene sus oficinas, Costa-Gavras habló en muy buen castellano con Clarín acerca de su nueva película —basada en una novela del célebre autor norteamericano de policiales, Donald E. Westlake—, sobre su visión del cine actual, sobre el convulsionado mundo actual, sobre la situación en América latina y en la Argentina.

¿Qué es lo que le interesó de la novela "The Ax", de Westlake?

Lo que me interesó, esencialmente, es que la novela es un espejo de lo que está pasando actualmente en Francia y en Europa. Las grandes compañías se están yendo del país y van a buscar operarios a otros países, dejando en la calle a miles y miles de personas. Lo particular de este caso es que no se trata de los obreros, sino de personas de la clase media. Eso es algo nuevo para Europa. Y la clase media tiene mucha más agresividad, en cierto punto, que la clase obrera, ya que no entienden cómo el sistema que ellos mismos han ayudado a crear, los ha abandonado. Es por eso que el personaje actúa como lo hace.

¿Modificó muchas cosas del libro en su traslado de su historia desde los Estados Unidos a Francia?

Solamente algunas pocas cosas, como el final por ejemplo, son distintas al libro de Westlake. La familia es mucho más importante también allí. Y en la novela, al protagonista le terminaba dando placer matar, era un hombre cada vez más violento, agresivo y sangriento. Era un asesino serial con todas las letras.

Si bien se puede comprender qué lo lleva a actuar como actúa, no es un personaje heroico. Por el contrario, es bastante desagradable. ¿Por eso eligió a José García, que es famoso como comediante en Francia?

Yo elegí a este actor porque quería repetir la experiencia que hice con Jack Lemmon en Missing, que era un actor considerado por todos como un comediante, con el que yo quería contar para hacer una cosa muy seria. A ambos les gustó la experiencia de salirse de lo habitual. Teníamos el problema de no jugar con el tono para el lado de la comedia, que la gente no se ría en las situaciones tensas. Tiene un poco de ironía la película, pero no de parte de él, sino que es una ironía que surge de las situaciones que le tocan atravesar.

Pero es un personaje con el que es difícil identificarse...

Lo que yo quería con mi coguio nista era que al principio el personaje sea monstruoso, que se lo rechace, pero que poco

a poco el espectador empiece a sentir alguna simpatía con él. Que en cierto modo logre identificarse. No con el lado del "killer", sino con el de su vida familiar. Y que cuando la policía llegue a buscarlo a su casa, el espectador no quiera que lo agarren, que lo descubran.

¿Cree que lo que le sucede al personaje es una consecuencia directa del proceso de globalización por el que atravisa el mundo?

Estamos en pleno capitalismo salvaje, terriblemente liberal y agresivo, que no respeta a la gente. Sólo respeta a la economía. Y la gente se vuelve loca. Ustedes allí en la Argentina saben bien de qué hablo. Aunque no quiero tampoco

comparar con lo que pasó en los banlieu(los barrios marginales de París en los que se suscitaron disturbios hace algunos meses): ellos sufren la desesperación de no ver ningún tipo de futuro en sus vidas. Hay otro tema dando vueltas en "La corporación", que es la edad. ¿En la industria cinematográfica también cuesta conseguir trabajo cuando un director ya pasó los, digamos, 50 años?

Sí, en la película y también en el cine la edad es un problema. En toda la sociedad lo es. Tal vez no se dé tanto en el cine francés, porque el sistema ayuda mucho, pero en el norteamericano sí. Hay muy pocos directores de más de 55 años que continúan trabajando. Yo pienso seguir. Ahora estoy empezando a trabajar con un nuevo guión.

En estos momentos políticamente espesos se han vuelto a poner de moda los thrillers políticos. De hecho, cuando se habla de ellos siempre aparece su nombre relacionado al estilo de estos filmes. ¿Qué piensa de este regreso del género en películas como "Munich" o "Syriana"?

Espero que vuelvan los thrillers políticos. En los últimos años la mayoría de las personas en Hollywood no parecían tener otros intereses además de hacer películas con efectos especiales. Parece que algo está pasando y sería importante que estas películas ganen dinero para que las sigan haciendo. Es extraordinario que Spielberg haya hecho una película así. La que dirigió Clooney sobre el periodista (se refiere aBuenas noches y buena suerte, sobre Edward R. Murrow, el periodista y conductor de televisión que enfrentó al senador Joseph McCarthy en la década del '50) es muy buena.

Usted dijo que tiene un nuevo guión entre manos. ¿Haría una película sobre la situación con el terrorismo, por ejemplo?

Es un tema muy difícil, es un problema muy complejo. Algunos "terrorismos" son inaceptables, mientras que otros parecen necesarios porque surgen de gente que no tiene libertad. No se puede hablar de "el terrorismo". ¿Cuál

terrorismo? Hay que ver. Hay una película muy interesante, palestina, que se llama Paradise Now. Lo que me gustó de la película es su ambigüedad, que deja un margen para pensar.

¿Y cómo ve la situación en Francia hoy?

¿En el cine francés, o en Francia?

Francia está atravesando un periodo muy problemático, de fin de un régimen. La economía no está bien y el gobierno es débil, por lo que la situación no es muy buena. Estoy esperando a ver quién sube como presidente en las próximas

elecciones.

Y ahora sí, ¿cómo ve la actualidad del cine francés?

El cine va bien. El problema más grande que tenemos es la piratería y otro tema peligroso, que es bajar películas por internet, que se hace sin pagar nada. Es algo que puede matar al cine.

Usted hizo películas sobre América latina cuando la situación política en estos países era muy distinta a la actual. ¿Cómo analiza este corrimiento político del continente hacia gobiernos socialis tas y de izquierda?

Estuve en Río de Janeiro, hace poco, mirando lo que pasa en América latina. Es algo bastante raro. Está mucho más democrática y en algún modo revolucionaria que en las décadas anteriores, como se ve en Bolivia y, en cierto modo, en Venezuela. Creo que es tiempo de que América latina encuentre la libertad.

Cosas en común de las películas analizadas:

Las tres películas se vinculan con la falta de empleo, y lo que cada uno tiene que hacer para

conseguir uno.

Cada película emplea de manera narrativa algo distinto, pero no dejan de ser muy parecidas en su

contexto social. Todas manejan un mismo conflicto o catarsis, que es lo que hace que sus

personajes actúen de determinada manera.

A nivel social en las tres películas se maneja un conflicto económico y el de una sociedad

desempleada, y a pesar de que los casos se plantean en diferentes países, no deja de manejar una

misma realidad.

Encontramos, además similitudes en torno de la fotografía, las tres películas trascurren, la mayoría

del tiempo, en ambientes con iluminación fría. Se manejan colores neutros (gris, blanco, negro) y

fríos en lo respectivo al arte.

Todas indagan en la psicología de los personajes y buscan una identificación directa de los mismos

con los espectadores, no desde comportamientos heroicos y altruistas sino que, por el contrario,

desde sus miserias.