A POWER STRONGER THAN ITSELF A FREE JAZZ PRIMER

 Compiled  and  Annotated  by  JJ  Mack  

Dedicated  to  Yuri  Broze          

Track  the  First:  Art  Ensemble  of  Chicago  –  Thème  De  Yoyo  From  the  1970  Pathé  Marconi  EMI  release  ‘Les  Stances  à  Sophie’    The  title  of  this  compilation,  A  Power  Stronger  Than  Itself,  is  taken  from  a  history  of  the  Association  for  the  Advancement  of  Creative  Musicians  (AACM),  a  society  formed  in  1965  by  Chicago  musicians  working  in  the  nascent  free  jazz  idiom.  Even  in  those  heady  days  of  jazz  experimentation  these  artists  realized  that  the  prevailing  power  structures  of  the  music  establishment  would  not  be  receptive  to  challenging  and  innovative  black  music,  and  from  the  outset  the  core  of  the  AACM  was  the  Art  Ensemble  of  Chicago.    Free  jazz  may  mean  liberation  from  the  forms  and  traditions  of  Western  music,  but  it  does  not  follow  that  all  these  familiar  concepts  are  jettisoned  in  favor  of  freeform  blowouts  (though  that  can  certainly  happen!).  For  anyone  willing  to  dip  their  toes  into  the  ocean  of  sound  that  this  free  jazz,  Thème  De  Yoyo’s  combination  of  the  recognizable  and  the  inventive  makes  it  a  natural  first  foray  into  a  sometimes  difficult  genre.  For  starters,  there’s  Malachi  Favors’  simple  but  killer  bass  ostinato  (perhaps  my  favorite  in  the  jazz  canon),  and  Famadou  Don  Moye’s  supple,  elastic,  yet  eminently  groovy  drumming  that  always  finds  the  pocket  when  it  needs  to.  The  three  horns  juggle  melody  and  dissonance,  providing  both  a  hook  that  can  lodge  itself  in  your  head  and  a  succinct  summary  of  the  emotive  power  of  free  playing.  A  great  deal  of  free  jazz  is  rooted  in  gospel  and  the  blues,  as  well  as  traditional  African  music,  made  manifest  here  in  Fontella  Bass’s  deeply  spiritual  vocals.  And  the  lyrics  are  simply  awesome.      A  personal  anecdote:    during  my  second  year  living  in  Chicago,  my  roommate  and  good  buddy  Hans  used  his  University  financial  aide  to  purchase  a  drum  set.    He’d  practice  on  that  trap  for  hours,  and  elicited  many  a  formal  complaint  from  our  disturbed  neighbors.  One  day  while  Hans  was  practicing  the  buzzer  rang,  and  from  the  window  one  could  see  standing  on  our  stoop  an  elderly,  bearded  black  man  dressed  in  a  tie-­‐dyed  shirt,  wearing  a  dǒulì  hat  and  carrying  a  massive  walking  stick.  When  Hans  opened  the  door,  the  stranger  said  “That  you  playing  the  drums?”      Hans  replied  defiantly  “Yeah,  why,  you  want  me  to  stop?”    “No!”  the  stranger  replied,  “I  want  to  listen  to  you  play!”      After  listening  to  Hans  play  for  a  spell,  the  visitor  said,  “You’ve  got  potential!  Come  to  my  house  and  I’ll  give  you  lessons.”  The  gentleman  in  question  was  the  aforementioned  Famadou  Don  Moye,  who  lived  a  few  blocks  north  of  us  in  Chicago’s  South  Side,  and  Hans  became  his  apprentice.  This  is  how  I  learned  about  the  Art  Ensemble,  and  free  jazz  more  generally.  A  few  years  later  Hans  and  Moye  were  living  together  in  Humboldt  Park,  and  one  afternoon  Hans  put  Les  Stances  à  Sophie  on  the  turntable.  From  the  moment  Thème  De  Yoyo’s  bass  line  throbbed  out  from  the  speakers,  I  was  sold.    Everything  great  about  free  jazz  is  here:  the  extended  technique,  the  elastic  rhythms,  the  sonic  inventiveness,  the  tradition  and  the  disregard  thereof,  the  emotional  and  spiritual  expressiveness.  If  this  cut  doesn’t  get  to  you,  you  may  as  well  turn  off  this  comp  and  return  to  your  familiar  world  of  tradition  and  tonality;  as  far  as  I’m  concerned,  this  is  music  at  it’s  most  edifying  and  enthralling.    

Track  the  Second:  Anthony  Braxton  -­‐  4038  –  NBS  373  6  {Composition  23G}  From  the  1975  Arista  Records  release  ‘Five  Pieces  1975’    As  further  proof  that  freedom  from  traditional  structure  does  not  necessarily  equate  to  freedom  from  structure  generally,  we  have  this  fantastically  wonky  piece  from  Anthony  Braxton,  another  member  of  the  AACM.  Never  mind  that  Braxton  prefers  not  to  be  labeled  a  jazz  musician;  he  emerges  from  the  jazz  primordium  and  his  playing  his  deeply  indebted  to  his  jazz  forbears  and  that  suffices  for  our  present  purposes.  Braxton  is  the  consummate  composer;  while  his  works  certainly  contain  improvisation,  they  are  fundamentally  shaped  by  the  preconceived  ideas  and  guidelines  pronounced  by  the  composer.    I  could  rave  at  length  about  the  incredible  rhythmic  unison  displayed  by  bassist  Dave  Holland  and  drummer  Barry  Altschul,  or  the  serpentine  yet  not  wholly  unmelodic  leads  played  by  Braxton  on  alto  and  trumpeter  Kenny  Wheeler;  but  perhaps  a  musicologically  inclined  mind  would  appreciate  Braxton’s  own  words  on  the  composition:    

Composition  No.  23G  is  a  thematic  generating  structure  for  extended  improvisation…the  conceptual  and  scientific  dynamics  underlying  this  effect  involves  the  use  of  extended  and  open  structure  devices  as  a  factor  to  control—determine—the  nature  of  its  musical  canvas.    The  basic  idea  of  this  work  was  to  create  a  composition  which  utilized  the  traditional  'line'  phrase  concept  but  with  an  added  arrhythmic  gravallic  base.    In  other  words,  the  basic  thrust  of  this  composition  is  constructed  with  respect  to  a  given  tempo  but  the  accompanied  figure  that  underlines  its  use  is  constructed  so  as  to  give  the  impression  of  being  slightly  off  center.    The  effects  of  this  'time  shifting'  moves  to  give  the  work  a  character  of  its  own  and  while  doing  so  also  establishes  the  working  dictates  that  determines  what  solo  ingredients  can  be  successfully  utilized.    The  use  of  'time-­‐shifting'  also  presents  a  particular  challenge  for  the  rhythm  section  (which  in  this  work  does  function  as  a  support  unit  over  which  solo  explorations  are  postulated).    For  the  particulars  of  this  approach  are  not  simply  to  be  played  as  written,  and  the  rhythm  section  is  encouraged  to  'play  in  the  spaces  of  the  music'.    In  the  final  analysis,  this  approach  moves  to  create  an  extended  rhythmic  track  (that  shifts  so  gradually  it  will  be  difficult  for  the  listener  to  determine  its  sequences)  which  calls  for  the  use  of  improvisation  with  the  added  ingredient  of  irregular  accents—which  are  structured  (making  the  work  a  truly  composed  improvisational  music).  The  harmonic  reality  of  Composition  No.  23G  is  constructed  to  utilized  chromatic  sequenced  modulation  phrases  through  its  entirely.  Also  several  sections  of  this  work  are  voiced  in  minor  seconds  (something  I  have  experienced  many  times  in  the  music  of  Thelonious  Monk  and  Steve  Lacy—two  musicians  who  I  have  long  admired)  and  this  technique  has  a  very  interesting  effect  on  the  vibrational  hue  of  the  piece.      –  Anthony  Braxton,  excerpted  from  Composition  Notes  B  (Frog  Peak,  1988:  62-­‐  73)    

 

Track  the  Third:  The  Ornette  Coleman  Quartet  –  Beauty  Is  A  Rare  Thing  From  the  1960  Atlantic  Records  release  ‘This  Is  Our  Music’    The  term  “free  jazz,”  while  somewhat  contested  among  the  jazz  cognoscenti,  originates  from  Ornette  Coleman’s  landmark  double-­‐quartet  recording  entitled,  naturally,  Free  Jazz.    While  the  piece  that  encompasses  both  sides  of  that  LP  is  fulminous,  dense,  and  dizzying  (and  also  fucking  awesome),  the  tune  presented  here  is  just  the  opposite,  despite  being  recorded  only  a  few  weeks  earlier.    Beauty  Is  A  Rare  Thing  demonstrates  that  the  language  of  freedom  can  be  gentle  too,  numinous  and  ephemeral.    For  in  truth,  what  is  beauty  if  not  tender,  sublime,  and  most  of  all  rare?  It  most  certainly  is  no  systematic  or  proscriptive  thing;  it  is  intensely  personal  and  limitless,  defying  millennia  of  philosophers’  attempts  to  define  it.    Indeed,  it  can  encompass  a  multitude  of  emotion,  and  Coleman’s  plangent  alto  sax  opens  the  tune  unspooling  melodies  by  turns  melancholic,  wistful,  pained,  and  buoyant.  The  tune  is  full  of  space  as  each  musician,  listening  carefully  and  responding  to  the  others,  adds  their  own  vision  of  beauty:  Don  Cherry  (a  personal  all-­‐time  favorite)  plays  tart  and  fanciful  lines  on  his  pocket  trumpet;  Charlie  Haden’s  arco  work  on  the  bass  encompasses  the  slow,  dreamlike  tones  of  an  awestruck  mind  and  the  flutter  of  a  smitten  heart;  Ed  Blackwell’s  percussion  rolls  freely  beneath  all,  and  though  free  of  timekeeping  duties  the  drums  remain  the  connective  tissue  of  the  piece.      Beauty  Is  A  Rare  Thing  is  devoid  of  any  guiding  principle  save  Coleman’s  initial  melody,  yet  the  instrumental  interplay  is  so  captivating  that  I  find  myself  caught  up  in  its  poetry;  seven  minutes  rarely  feels  so  fleeting.    Track  the  Fourth:  Archie  Shepp  –  Mama  Too  Tight  From  the  1966  Impulse  Records  release  ‘Mama  Too  Tight’    Step  lively!  Freeform  exchanges  of  musical  ideas  take  root  in  the  New  Orleans  marching  bands  of  jazz’s  inception,  a  heritage  that  Archie  Shepp’s  powerhouse  octet  makes  explicit  on  Mama  Too  Tight.    Shepp’s  tenor  often  served  as  the  vanguard  for  the  black  liberation  movement;  the  artist  himself  possessed  a  probing  intellect  that  encompassed  poetry  and  theatre  as  well  as  music,  and  the  album  Mama  Too  Tight  served  as  an  examination  of  Black  America’s  past  and  present,  its  joys,  sorrows,  and  furies.    The  titular  cut  moves  deftly  from  a  promenading  swagger  to  bop  solos,  each  instrument  progressively  straying  from  the  head  to  explore  their  own  exuberance  and  culminating  in  the  leader’s  fervent  incantations.    Again,  the  composer’s  own  words  offer  insight  into  the  form:    “It  was  my  intention  to  couple  in  this  album,  the  poignancy  of  the  blues  and  jubilant  irreverence  of  a  marching  band  returning  from  a  funeral…Where  my  own  dreams  sufficed,  I  disregarded  the  western  musical  tradition  all  together…On  the  other  hand  the  question  is  not  whether  one  chooses  to  be  "far  out."  It  is  rather  the  sudden,  wonderful,  intuitive,  transmogrification  of  one's  entire  biological,  sociological,  political  being  into  a  single  living  line-­‐so  that  the  moment  of  performance  is  less  a  technological  feat  than  a  prayer.  At  such  moments  one  can  call  up  Ellington,  or  the  eerie  sounds  of  a  rain  forest  at  dawn,  simply  because  these  things  have  always  been  there  at  the  back  of  the  unconscious  mind.  “  –Archie  Shepp,  ‘Mama  Too  Tight’  liner  notes  

Track  the  Fifth:  Eric  Dolphy  –  Gazzelloni  From  the  1964  Blue  Note  Records  release  ‘Out  to  Lunch!’    If  you  were  to  force  me  under  duress,  perhaps  at  the  unfriendly  end  of  a  weapon  of  some  sort,  to  choose  but  one  jazz  artist  to  listen  to  for  the  remainder  of  my  days,  I’d  likely  select  Eric  Dolphy.  A  brilliant  musician,  trained  both  in  the  classical  tradition  as  well  as  in  the  Charles  Mingus  School  of  Go  Fuck  Yourself,  Dolphy  developed  a  singular  voice  on  three  different  instruments:  alto  sax,  bass  clarinet,  and  flute.  It  is  that  last  instrument  on  display  in  Gazzelloni,  from  Dolphy’s  magnum  opus  Out  to  Lunch!,  featuring  regular  members  of  the  Blue  Note  Avant  House  Band—Bobby  Hutcherson  on  vibes,  Richard  Davis  on  bass,  a  19-­‐year  old  Tony  Williams  on  drums—who  would  play  on  the  label’s  other  outside  classics  of  the  mid-­‐to-­‐late  60s.    Unlike  other  free  jazz  progenitors  like  John  Coltrane  and  Ornette  Coleman,  Dolphy  often  sought  to  break  the  rules  within  the  confines  of  familiar  forms.    Gazzelloni  is  in  some  respects  quite  familiar  as  the  tune  kicks  off  with  a  head  melody  and  is  followed  by  solos,  and  Williams  often  keeps  regular  time  on  the  cymbals  like  a  good  bop  drummer.    Of  course,  you’d  never  mistake  this  number  for  garden  variety  bebop;  first  there’s  Dolphy’s  flute  playing,  full  of  wild  intervallic  leaps,  overblowing  and  other  extended  techniques,  chromatic  yet  tuneful.    Hutcherson’s  vibes  are  also  in  fine,  original  form,  alternatively  smearing  diaphanous  chords  and  punctuating  solos  with  rhythmic  counterpoints.  The  rest  of  the  rhythm  section  don’t  slouch;  Davis  plays  nearly  everything  except  the  expected  bass  lines,  and  while  Williams  may  do  some  timekeeping  on  cymbals  the  rest  of  his  percussive  work  is  totally  free,  sometimes  more  melodic  than  anything  else,  other  times  displaying  the  polyrhythmic  intricacies  that  he  would  later  showcase  in  Miles  Davis’  Second  Great  Quintet.  And  while  trumpeter  Freddie  Hubbard  doesn’t  necessarily  rise  to  the  level  of  his  cohorts,  his  technical  mastery  of  the  bop  idiom  helps  keep  the  proceedings  from  galloping  off  completely  into  the  ether.        And  if  you  couldn’t  tell  yet:  yes,  I  have  a  predilection  for  oddball  melodies  that  turn  into  earworms  in  spite  of—or  perhaps  because  of—their  unusualness.    

 

Eric  Dolphy  considers  his  instruments  

Track  the  Sixth:  Sunny  Murray’s  Untouchable  Factor  –  Past  Perfect  Tense  From  the  1978  Philly  Jazz  release  ‘Apple  Cores’    By  the  mid  1970s  whatever  support  free  jazz  had  received  from  labels  like  Blue  Note,  Atlantic,  and  Impulse  had  essentially  withered,  but  the  art  form  remained  vibrant.  The  music  simply  migrated  to  independent,  often  artist-­‐owned  labels  and  performance  spaces  in  lofts  that  were  again  often  owned  by  the  musicians.  The  music  itself  continued  to  develop,  at  times  becoming  more  visceral  and  confrontational  while  at  other  times,  as  evidenced  on  this  cut,  exploring  new  depths  of  gritty  yet  elegant  pulchritude.      The  band  is  led  by  drummer  Sunny  Murray,  who  made  his  bones  liberating  the  trap  from  the  shackles  of  timekeeping  and  becoming  the  exemplum  for  free  jazz  drumming  in  the  definitive  60s  bands  of  both  tenor  saxophonist  Albert  Ayler  and  pianist  Cecil  Taylor.    A  gorgeous  ballad  that  calls  to  mind  streetlights  and  alleyways,  Murray’s  drumming  evokes  raindrops,  the  wind  blowing  through  the  city,  the  clatter  of  subway  cars,  and  the  rattle  of  rats  in  dumpsters.  Composer  Oliver  Lake’s  alto  melody  opens  the  piece  as  though  drifting  from  bar  onto  the  sidewalk,  his  playing  emerging  from  and  returning  to  the  blues  but  taking  flight  at  any  moment  like  startled  pigeons.  The  freedom  of  the  piece  lies  not  so  much  in  challenging  sonics  but  in  the  way  the  players  each  embark  on  their  own  wandering  journeys  which  in  sum  tell  the  kind  of  richly  human  non-­‐linear  stories  that  make  up  the  beautiful  and  tragic  fabric  of  urban  life.      Track  the  Seventh:  George  Russell  Sextet  –  ‘Round  Midnight  From  the  1961  Riverside  Records  release  ‘Ezz-­‐thetics’    Free  jazz  too  has  its  theorists  and  conceptualists,  and  perhaps  none  has  had  the  significance  of  George  Russell.  Laid  up  in  hospital  with  tuberculosis  and  inspired  by  a  conversation  with  Miles  Davis,  Russell  penned  the  great  musicological  tome  of  the  jazz  era,  A  Lydian  Chromatic  Concept  of  Tonal  Organization,  in  which  he  rejected  the  Western  tradition  and  developed  a  new  theory  of  harmony  rooted  in  jazz.  The  Lydian  Chromatic  Theory  would  be  studied  and  applied  by  the  likes  of  Miles  Davis,  Bill  Evans,  and  John  Coltrane.    Russell  was  as  talented  a  bandleader  as  he  was  a  theorist,  and  hearing  the  principles  of  tonal  freedom  applied  to  a  standard  like  ‘Round  Midnight  offers  an  excellent  entryway  into  this  new  world.    Strange  sounds  emanate  from  the  contrabass,  piano,  and  brass,  clearly  setting  the  scene  of  this  new  jazz  vista  until  a  piano  glissando  from  Russell  introduces  the  tune’s  familiar  melody  played  on  alto  sax  by  the  great  Eric  Dolphy.  The  piece  slowly  takes  a  more  recognizable  shape  as  it  progresses,  though  Dolphy’s  gnarled,  knotty  and  fantastically  intricate  saxophone  keeps  the  affair  from  ever  really  settling.    The  trumpet  and  trombone  pop  in  here  and  there  with  unusual  timbres  reinforcing  the  alien  landscape  suggested  by  Russell’s  ghostly  chords.  Eventually  the  song  dissolves  back  into  the  formless  sound  from  which  it  arose.            

Track  the  Eighth:  Noah  Howard  –  Ole  Negro  From  the  1969  Freedom  Records  release  ‘The  Black  Ark’    As  the  60s  wore  on,  a  new  generation  of  artists  arrived  onto  the  fertile  and  febrile  NYC  creative  music  scene,  deeply  schooled  in  the  breakthroughs  of  John  Coltrane,  Ornette  Coleman  and  other  free  jazz  pioneers,  and  ready  to  blast  through  the  remaining  edifices  of  tradition.  At  the  crest  of  this  wave  was  an  altoist  possessing  both  incredible  tone  and  titanic  power  named  Noah  Howard,  who  helped  refine  the  approach  of  controlled  chaos.      Indeed,  Ole  Negro  is  hardly  devoid  of  either  form  or  melody,  and  Howard  deftly  balances  these  structured  elements  with  the  more  rambunctious  solo  sections,  the  tune  picking  up  steam  and  careening  wildly  before  being  guided  back  onto  the  rails.  The  tension  between  these  two  elements  is  what  can  make  this  number,  and  free  jazz  more  generally,  so  exhilarating.  While  Howard  is  capable  of  impressive  feats  of  sonic  aggression,  his  playing  can  seem  quaint  and  comforting  once  the  legendary  tenor  of  Arthur  Doyle  enters  the  scene.      As  this  is  a  primer  intended  to  ease  the  newcomer  into  the  idiom,  I  have  generally  avoided  the  most  volcanic  examples  of  free  jazz  playing,  but  Doyle  here  gives  a  fair  sample  of  the  extremes  the  genre  can  achieve.    A  deeply  spiritual  man  schooled  in  the  gospel  of  the  South,  Doyle  strives  for  a  kind  of  spiritual  exorcism  through  his  playing,  using  especially  soft  reeds  and  actually  screaming  through  his  horn  to  achieve  a  nigh-­‐cataclysmic  sound.    After  Doyle  pours  molten  fire  across  the  track  for  a  minute  or  so,  Howard  pulls  the  plug,  and  the  piece  gradually  returns  to  a  simmer  before  revisiting  the  theme  across  a  quiescent  final  minutes.  If  nothing  else,  Ole  Negro  shows  that  even  the  utterly  unbridled  is  not  without  its  guiding  hand.          Track  the  Ninth:  Mary  Halvorson  Quintet  –  Mile  High  Like  (No.  16)  From  the  2010  Firehouse  12  Records  release  “Saturn  Sings”    The  heyday  of  the  free  jazz  was  undoubtedly  the  60s  and  70s,  yet  despite  a  paucity  of  commercial  success  and  an  increasingly  indifferent  industry  infrastructure,  the  torch  of  freedom  has  been  passed  along  to  the  present,  and  new  territories  are  being  explored  by  both  old  stalwarts  and  young  lions…or  in  this  case,  a  lioness.    A  student  of  Anthony  Braxton,  Mary  Halvorson’s  guitar  playing  embraces  a  wide  palette  of  tones,  textures,  and  techniques  while  maintain  a  general  agreeability.    It  calls  back  to  free  guitar  touchstones  like  Sonny  Sharrock  and  Derek  Bailey  yet  sounds  consistently  fresh,  a  mélange  of  rapid  runs,  hammering  single-­‐notes,  chunky  block  chords,  and  loopy  tremolo  that  sounds  as  if  she’s  playing  in  reverse.  On  this  piece  she  leads  a  cadre  of  similarly  exploration-­‐minded  young  musicians  on  a  varied  romp  through  different  settings  and  moods  in  under  five  minutes.    While  Rock  n  Roll  is  clearly  an  influence  on  the  composition,  especially  in  drummer  Ches  Smith’s  charging  rhythms,  Halvorson  cites  Thelonious  Monk,  Sam  Cooke,  Archie  Shepp  and  Dmitri  Shostakovich  as  inspirations  as  well.      This  is  the  sound  of  free  jazz  in  the  21st  century,  more  heavy,  more  diaphanous,  more  gloriously  cacophonous  than  ever.    

Track  the  Tenth:  Sun  Ra  &  His  Astro  Infinity  Arkestra  –  Day  By  Day        From  the  1970  Saturn  Records  release  ‘Holiday  For  Soul  Dance’        No  figure  looms  as  large  over  the  totality  of  outsider  jazz,  and  none  more  intimidating  and  at  times  inscrutable  than  the  magnificent,  tyrannical,  and  prophetic  visitor  from  Saturn,  Sun  Ra.  Name  an  innovation  or  extreme  in  jazz,  and  Sun  Ra  probably  explored  it,  mastered  it,  and  moved  on  from  it  long  before  anyone  else.  With  a  catalog  that  numbers  into  the  hundreds  and  penchant  for  being  willfully  inaccessible,  Sun  Ra  is  no  easy  nut  to  crack  for  the  free  jazz  neophyte.      So  where  to  start  with  Sun  Ra?  Despite  his  many  forays  into  the  unknown,  Sun  Ra  had  a  lifelong  passion  for  jazz  standards  and  Ellingtonian  arrangements.  The  Arkestra’s  snappy  reading  of  Day  By  Day  (perhaps  best  known  as  a  Sinatra  ballad)  is  probably  the  least  “out  there”  performance  on  this  compilation,  yet  careful  listening  reveals  many  of  Sun  Ra’s  hallmarks.  There’s  the  alien  introductory  passage,  the  unusual  harmonies  in  the  horns,  and  the  Monkish  herk-­‐a-­‐jerk  and  singular  phrasing  of  Ra’s  piano  playing,  all  of  which  would  come  into  full  flower  as  the  Arkestra  entered  it’s  mature  phase  (although  released  in  1970,  this  tune  was  recorded  circa  1960-­‐1  during  the  band’s  Chicago  period).    The  only  thing  this  cut  really  lacks  is  a  showcase  for  my  favorite  tenor  saxophonist  of  all  time,  Arkestra-­‐stalwart  John  Gilmore,  though  altoist  and  certified  badass  Marshall  Allen  does  get  to  take  a  nice  solo.        Aside  from  serving  as  a  bit  of  a  palette  cleanser  as  we  head  into  this  comp’s  final  stretch,  I  hope  this  number  shows  that  even  the  most  impenetrable  of  free  jazz  icons  have  their  entry  points  if  we’re  willing  to  dare  that  first  step.    

   

A  performance  by  Sun  Ra’s  Arkestra  was  as  much  a  visual  spectacle  as  an  aural  one,  including  costumes,  dancers,  and  elaborate  stage  decorations.  

Track  the  Eleventh:  Philip  Cohran  &  The  Artistic  Heritage  Ensemble  –  El  Hajj  Malik  El  Shabazz  From  the  1968  self-­‐released  album  ‘The  Malcolm  X  Memorial  (A  Tribute  In  Music)’    Kelan  Philip  Cohran  was  a  founding  member  of  the  AACM,  an  early  member  of  Sun  Ra’s  Chicago  Arkestra  (he  plays  cornet  on  the  previous  tune),  and  inventor  of  an  electrified  version  of  the  kalimba  called  the  Space  Harp,  or  Frankiphone.    When  Sun  Ra  moved  his  Arkestra  to  New  York  City,  Cohran  stayed  behind  and  became  the  godfather  of  black  creative  music  in  Chicago.    Cohran  was  as  interested  in  exploring  the  ancestral  music  of  Africa  as  he  was  the  new  musical  possibilities  of  free  jazz.  He  often  composed  on  an  orchestral  scale,  and  his  ambitious  compositions  rank  as  amongst  the  most  impressive  and  unfortunately  overlooked  in  the  free  jazz  canon.      This  piece  is  the  concluding  movement  to  Cohran’s  massive  four-­‐part  opus  The  Malcolm  X  Memorial,  which  follows  the  icon’s  life  through  music  from  his  earliest  years  to  his  apotheosis  presented  here.  An  incredibly  rich  tapestry  of  scintillating  congas,  densely  clustered  chords,  brass  palpitations  and  fulminating,  operatic  vocals,  El  Hajj  Malik  El  Shabazz  is  not  simply  the  capstone  to  a  tremendous  piece  of  music  but  a  testament  to  the  symphonic  majesty  that  free  jazz  is  capable  of.        Track  the  Twelfth:  The  Bill  Dixon  Orchestra  –  Nightfall  Pieces  I  From  the  1967  RCA  Victor  release  ‘Intents  and  Purposes’    One  of  my  favorite  aspects  of  free  jazz  is  how  the  freedom  of  the  medium  allows  composers  to  create  musical  works  that  are  more  like  the  aural  equivalent  of  the  visual  arts  rather  than  a  more  familiar  tune.  Trumpeter  and  bandleader  Bill  Dixon  was  a  maestro  of  sonic  color,  using  instruments  the  way  a  painter  would  his  brushes.  The  hushed  loveliness  of  Nightfall  Pieces  I  distills  this  talent  to  a  bare  four  minutes  of  sfumato  flutes  and  chiaroscuro  flugelhorn;  Dixon  explores  the  timbral  possibilities  of  his  instrument  fully,  capturing  the  spectrum  of  crepuscular  sounds  while  never  relinquishing  the  piece’s  fundamental  tranquility.  George  Marge’s  multi-­‐tracked  flute  contextualizes  Dixon’s  horn  wonderfully,  conjuring  dusky  birdsong  and  the  last  lingering  rays  of  sunlight.    While  the  piece  is  utterly  free,  the  listener  never  feels  lost,  except  perhaps  in  the  contemplations  of  the  composer.        

Bill  Dixon  in  his  classroom:  Dixon  was  also  a  revolutionary  educator.  

Track  the  Thirteenth:  Roscoe  Mitchell  Sextet  –  The  Little  Suite  From  the  1966  Delmark  Records  release  ‘Sound’    We  close  this  exploration  of  free  jazz  by  returning  once  more  to  the  AACM  with  perhaps  the  most  difficult  piece  on  the  compilation.  Multi-­‐reed  genie  Roscoe  Mitchell,  founding  member  of  the  Art  Ensemble  of  Chicago  and  one  of  the  AACM’s  earliest  members,  is  truly  a  jazz  iconoclast.  Equally  as  interested  in  the  ideas  of  the  European  classical  avant-­‐garde  as  he  was  the  explosive  new  sounds  emanating  from  New  York  City  and  a  lifelong  proponent  of  “great  black  music,  ancient  to  the  future,”  Mitchell  has  never  been  afraid  to  embrace  that  which  other  musicians  shy  away  from,  especially  with  regards  to  mood  and  orchestration.    The  Little  Suite—from  Sound,  Mitchell’s  aptly  titled  debut  as  a  leader—is  a  perfect  example  of  this  restless  creativity.  While  many  of  his  contemporaries  were  reacting  to  their  social  realities  by  making  music  filled  with  rage,  protest,  and  density,  Mitchell  here  utilizes  the  free  idiom  to  explore  humor  and  mirthfulness.  Although  filled  to  the  brim  with  dissonance  and  outside  playing,  The  Little  Suite  is  playful  and  at  times  downright  funny,  especially  the  moments  when  it  launches  into  a  deranged  Merry  Melodies  march.    These  purposes  are  furthered  through  the  regular  use  of  “little  instruments,”  everything  from  toy  whistles  to  bicycle  horns.  The  Art  Ensemble  would  continue  investigating  the  full  range  of  emotive  possibilities  with  these  instruments,  but  here  in  their  earliest  use  they  are  undeniably  mirthful.    The  other  notable  quality  of  this  piece  is  the  use  of  empty  space;  where  the  New  York  practitioners  of  “fire  music”  would  fill  every  inch  of  space  with  torrents  of  sound,  Mitchell  gives  The  Little  Suite  plenty  of  room  to  breathe;  the  full  Sextet  is  rarely  engaged  in  toto,  allowing  the  listener  to  consider  each  element  and  its  relation  to  the  rest.  The  instances  of  full  band  playing,  however,  are  delightfully  riotous;  it’s  hard  not  to  hear  the  musicians  having  a  good  time.      While  Mitchell  and  later  the  Art  Ensemble  would  produce  art  of  significant  gravity,  they  never  overlooked  the  history  of  joyful  noise  deeply  ingrained  in  many  African  and  African-­‐American  musical  traditions.    Free  jazz  gives  composers  and  musicians  the  broadest  canvas  possible  on  which  to  probe  their  ideas,  philosophies,  and  emotions.  It  is  an  unfiltered  conduit  from  human  being  to  human  being;  through  this  music,  we  can  become  connected  across  any  divide.    Conclusion  -­‐  An  Ongoing  Voyage:  Whither  Then?  I  hope  you’ve  enjoyed  our  brief  perambulation  through  the  world  of  free  jazz,  or  at  the  very  least  come  away  from  the  experience  with  a  deeper  appreciation  of  the  technical  demands  and  variety  of  sounds,  emotions  and  experiences  that  the  genre  encompasses.  If  you’re  keen  to  continue  the  journey,  there  are  many  ways  to  do  so,  the  most  obvious  being  a  consideration  of  the  full  albums  from  which  these  tracks  were  drawn.  This  compilation  has  made  almost  no  mention  of  European  Energy  Music,  free  jazz  giants  like  Cecil  Taylor,  or  the  Holy  Trinity  of  Free  Jazz:  the  Father  (John  Coltrane),  the  Son  (Pharoah  Sanders),  and  the  Holy  Ghost  (Albert  Ayler).    While  this  comp  has  shied  away  from  cacophonous  slobberknockers  and  full-­‐tilt  blowouts,  one  wishing  to  experience  the  awesome  power  of  such  should  consider  John  Coltrane’s  Ascension,  Cecil  Taylor’s  Conquistador!,  and  of  course  Ornette  Coleman’s  Free  Jazz.  Finally,  Valerie  Wilmer’s  wonderful  book,  As  Serious  As  Your  Life,  is  an  indispensible  companion  and  field  guide  for  further  adventures  in  free  jazz.    -­‐JJM